L`IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS DP 2h02 L’HISTOIRE De ville en ville, le Docteur Parnassus et sa troupe voyagent dans leur roulotte d’un autre temps. Cet homme sans âge possède le pouvoir de projeter les gens dans leur propre imaginaire, mais ce fascinant voyage se conclut toujours par un choix, qui peut mener au meilleur comme au pire… Suite à un pari gagné contre le diable, Parnassus devint éternel, mais par amour pour une femme, il demanda la jeunesse en échange de son immortalité. Le diable accepta, à condition que le jour de ses seize ans, le premier des enfants de Parnassus à naître lui appartienne… La jeune Valentina atteindra l’âge fatidique dans quelques jours et le diable rôde. Dans une tentative désespérée pour sauver son unique enfant, Parnassus va à nouveau jouer avec le feu le premier de lui ou du diable qui séduira cinq âmes aura gagné. Avec Percy, Anton et le mystérieux Tony surgi de nulle part, le docteur va se lancer dans une extraordinaire course contre la montre. Le diable a tous les pouvoirs, mais Parnassus a l’Imaginarium… 2 Entretien avec TERRY GILLIAM Scénariste et réalisateur Comment l’histoire du Docteur Parnassus est-elle née ? Je ne suis pas certain de le savoir exactement ! Au départ, je cherchais à rassembler en un seul film toutes les meilleures idées que j’ai pu avoir et qui n’avaient encore jamais été exploitées. Mon envie première était aussi de réaliser un film qui synthétiserait tout ce que j’avais fait jusqu’ici, y compris dans le domaine de l’animation ! J’ai d’abord imaginé une troupe d’artistes itinérants débarquant dans le Londres moderne. La roulotte de ces gens semble appartenir à une autre époque et constitue leur habitation, mais aussi la porte par laquelle le Docteur Parnassus sublime l’imagination des gens. Il est celui qui peut vous emmener là où vous n’aviez jamais rêvé d’aller. Toute la question est de savoir s’il possède réellement un quelconque pouvoir ou s’il est un charlatan… Nous en avons nous-mêmes douté durant tout le projet ! On ne peut s’empêcher de faire un parallèle entre le Docteur et vous. Vous nous avez souvent entraînés au-delà des limites de notre imagination et vous travaillez avec votre fille, qui est productrice sur ce film… Certains disent effectivement que ce film pourrait être autobiographique. Mais je ne suis pas d’accord. Je me suis évidemment beaucoup servi de mon vécu, de mes frustrations, de mes colères, de mes succès au cinéma, de mes échecs aussi, mais toujours en essayant d’ouvrir l’esprit des gens au monde et à ses infinies possibilités. J’ai personnellement deux filles et un fils, alors il est possible que l’on trouve des similitudes entre ma vie et celle du Docteur, mais l’histoire est originale, indépendante et suit son propre chemin. Vous n’aviez plus écrit de scénarios originaux depuis BRAZIL et LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN. En quoi est-ce différent de travailler sur un film de sa conception jusqu’à sa finalisation ? J’ai commencé par écrire des choses que d’autres réalisaient. Après LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN, j'étais dans un tel état que j’aurais pu accepter tout et n’importe quoi. Finalement, je ne me suis pas précipité. J’ai même saisi la seule bonne opportunité du moment avec FISHER KING. Ensuite, ce fut L’ARMEE DES 12 SINGES, un autre scénario brillant que je n’ai pas écrit. J’aurais pourtant adoré écrire ces deux films. Je traite toujours de sujets qui me sont proches et auxquels je crois profondément. J’ai ensuite enchaîné avec LAS VEGAS PARANO, TIDELAND et quelques adaptations de livres. L’adaptation est un travail qui, au final, revient 3 souvent à tout reprendre à zéro. Mais les textes originaux restent une source d’inspiration et un véritable tremplin pour le film. Il y aura toujours quelqu’un pour adapter les idées d’un autre. L’essentiel est de ne jamais trahir l’auteur et de toujours respecter l'essence d’un livre. Cependant, c’est une contrainte forte dont je commençais à me lasser. Je me suis dit qu’il était peut-être temps d’essayer de créer à nouveau. J’ai laissé libre cours à mon imagination pour voir ce qu’il en sortait. Voilà comment ce film est né. Vous vous trouvez ensuite embarqué dans une expérience un peu étrange et vous finissez par ne plus savoir vraiment si c’est vous qui tenez le film ou le film qui vous tient ! L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS relate une formidable histoire, mais c’est aussi un film très visuel. Est-ce par le visuel que vous l’avez abordé ? La seule chose que je visualisais était la roulotte. Je l’imaginais étrange et surdimensionnée, un théâtre ambulant qui surgit et s’ouvre comme un palais des mirages… Elle est un peu magique. Tirée par des chevaux, elle semble d’une autre époque ; pourtant elle pourrait vous apprendre bien des choses sur vous-même. Elle appartient à l’univers des foires, des attractions qui attirent autant qu’elles effraient… Depuis l’enfance, j'ai toujours adoré cet univers. Sur son flanc est écrit Entrez et vous verrez les choses les plus extraordinaires qui soient ! ». Ce fut le point de départ. Ensuite, je ne me rappelle plus exactement la manière dont tout s’est enchaîné. Simplement, mes vieux tiroirs débordaient d’idées, de croquis, et il fallait trouver une place dans le film pour chaque idée. Qu’est-ce que l’Imaginarium ? L’Imaginarium est un univers situé de l’autre côté du miroir. Il révèle votre imagination, la laisse grandir, s’épanouir et vous emporter. Evidemment, il y a un prix à payer… L’Imaginarium vous permet de survoler le plus merveilleux des mondes comme le plus affreux. Dans tous les cas, à un moment donné, vous devrez faire un choix, quelque part à la frontière entre les deux. Vous atteindrez alors des paradis toujours plus beaux, ou bien vous chuterez vers les abîmes de l’enfer. Pour donner corps à vos films, vous utilisez aussi bien les techniques traditionnelles que les plus sophistiquées à ce jour. Ces techniques sontelles simplement des outils ou ouvrent-elles parfois un champ d’inspiration ? Je me sers de tout ce qui est à ma disposition pour concrétiser ce que j’imagine. Je mélange les techniques instinctivement, sans définir d’utilité particulière à chacune. Ce sont d’abord des outils au service d’une histoire. Le fait que je n’en privilégie aucune de façon systématique donne une liberté et un potentiel supplémentaires. La plupart des productions comparables à la nôtre nécessiteraient 100 à 150 millions de dollars pour faire ce que nous avons réalisé avec 30. 4 Visuellement, ce film ressemble parfois à mes animations des Monty Python. L’une des scènes ̶ la première dans l’Imaginarium ̶ dévoile un monde en deux dimensions, mais qui s’étend à l'infini. J’avais autrefois voulu intégrer ce type de scène dans un film qui s’intitulait THE DEFECTIVE DETECTIVE. C’est désormais chose faite. L’Imaginarium est un univers qui échappe au naturalisme et au réalisme. Cependant, nous nous sommes attachés à créer des mondes complètement cohérents dans lesquels les personnages évoluent. Je n'essaie pas de reconstituer le réel. Dans JURASSIC PARK, il faut faire en sorte que les tyrannosaures et les brontosaures soient les plus vraisemblables possibles. Avec ce film, je suis dans l’imaginaire, pas dans le réalisme. Modestement, mon ambition est d’emmener le spectateur dans des endroits qu’il n’avait jamais imaginés. C’est grisant. Tout est fait pour surprendre, pour fausser les repères. A quel moment l’aventure de ce film a-t-elle démarré ? Nous étions chez Peerless Camera Company, notre société d'effets spéciaux. Heath Ledger était présent ainsi qu’un très bon ami commun, Daniele Auber, auteur des story-boards des FRERES GRIMM. Ils tournaient un clip vidéo pour Modest Mouse. J’étais en train de montrer les premiers story-boards et Heath était là. Il m’a glissé un petit mot sur lequel il avait écrit Est-ce que je peux jouer Tony ? ». J’étais aussi emballé que surpris. Je lui ai demandé s’il était sérieux, s’il voulait vraiment le rôle. C’était le cas. Et tout a démarré ! Vous aviez déjà travaillé avec Heath Ledger. Qu’aimiez-vous le plus en lui ? Heath était génial. Il ambitionnait de devenir réalisateur. Sur le tournage des FRERES GRIMM, il observait constamment le travail à la caméra. Il voulait tout apprendre, il était remarquablement intelligent. C’était quelqu’un d’exceptionnel, de sage, et l’un des acteurs les plus doués que j'aie jamais rencontrés. Tout ce que vous lui proposiez, il l’attrapait au vol et le magnifiait. C’était un acteur d’instinct. Il y avait quelque chose de joyeux dans son jeu. Contrairement à beaucoup d’autres, il n’entretenait pas un côté névrosé, pas du tout. Il était pétillant, débordant d’une énergie communicative. Sur le tournage de L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS, nous étions tous émerveillés. Heath nous surprenait à chaque prise tout en se montrant très généreux avec les autres acteurs. Il parvenait à les transcender. Et puis, à la minute où je disais coupez », il lançait une plaisanterie sur autre chose. Nous avons partagé de très bons moments. Souvent, j’ai eu l’impression qu’il portait le film. A chaque fois que je tombais sur un écueil, il était là pour donner une nouvelle impulsion. Si je me sentais fatigué, il me regonflait aussitôt, moi, tout le monde… Il était extraordinaire et unique. Ceux qui ont travaillé avec lui peuvent en témoigner. Il serait sans aucun doute devenu le plus grand acteur de sa génération, vraiment. 5 Comment avez-vous choisi le reste de votre casting ? Ce casting est sans doute l’un des meilleurs que j’aie jamais eus. Dès le début, pour le rôle du professeur, j’ai pensé à Christopher Plummer. Nous avions travaillé ensemble sur L’ARMEE DES 12 SINGES mais je l’ai aussi vu dans LE NOUVEAU MONDE de Terrence Malick et j’ai adoré sa prestation. Et puis j’ai travaillé avec sa fille et j’entretiens une relation privilégiée avec la famille. Le choix de Tom Waits dans le rôle de ce diable de Mr Nick s’est effectué lui aussi très rapidement. Nous avions déjà brièvement collaboré sur FISHER KING. A mon sens, Tom est le plus grand poète musical des Etats-Unis. Chacune de ses chansons me touche au plus haut point. Il est capable d’être drôle, sombre ou romantique avec la même intensité. Je me souviens du tournage des FRERES GRIMM – Heath, Matt et moi passions notre temps à l’imiter ! Tom a accepté le rôle sans même avoir lu le scénario. Concernant Verne Troyer, je l’ai toujours trouvé extraordinaire. Il avait fait une apparition dans LAS VEGAS PARANO. Finalement, comme dans BANDITS BANDITS, se moquer de soi-même en portant des costumes ridicules est aussi une façon, pour les gens de petite taille, de se donner une certaine dignité. J’ai ressenti cela avec Percy, un personnage extrêmement sensé et cynique qui suit Parnassus depuis toujours. Lily Cole a été notre choix le plus osé. Elle n’avait quasiment aucune expérience du cinéma, mais Irene Lamb, la directrice de casting, l’a trouvée vraiment intéressante. Je cherchais un physique atypique - ce qui s’applique d’ailleurs à tous les acteurs du film ! Mais il fallait qu’elle soit à la fois belle et hors norme. Lily correspondait parfaitement elle mesure plus d’un mètre quatre-vingts, elle a des cheveux roux incroyables et son visage ressemble à celui d’une poupée de porcelaine du XIXe siècle. Elle est brillante, intelligente et on peut facilement croire qu’elle a seize ans. Pour le personnage d’Anton, le scénario ne délivrait que peu d’informations. Andrew Garfield nous avait envoyé une cassette vidéo tournée avec l’aide de sa petite amie. Elle contenait quelques scènes, chacune interprétée de trois manières différentes, et nous l’avons trouvé sensationnel ! Nous nous sommes donc rencontrés et c’était fait. Suite à ça, il a décroché son rôle dans BOY A. L’esthétique du film est, comme toujours avec vous, minutieusement étudiée. Pourriez-vous nous en dire plus sur le soin apporté à l’image ? J’ai travaillé de manière très instinctive en dessinant les choses. Par exemple, pour la roulotte, j’ai esquissé quelques croquis avant de les montrer à Dave qui les a ensuite retravaillés. Mais je sais ce que je veux et le résultat reste souvent proche de mon ébauche initiale ! Ensuite, Nicola Pecorini intervient et nous en discutons à nouveau. Nous lançons un maximum d’idées et nous nous posons des questions à quoi le film va-til ressembler ? Quelles couleurs allons-nous employer ? Ensuite, je donne aux choses l’aspect que je souhaite leur donner. Il faut surtout savoir s’entourer. Dave Warren, Anastasia Masaro et tous ceux qui ont travaillé sur l’aspect esthétique du film l’ont enrichi de leurs idées. Moi, j’ai simplement agi comme un filtre. J’étais le seul à dire J’aime. Je n’aime pas. » 6 Un jour, Nicola a amené le book d’un peintre scandinave nommé Odd Nerdrum. Il se trouve que je connaissais cet ouvrage, ce qui montre à quel point il est important de s’entourer de collaborateurs branchés sur la même longueur d’onde. Les peintures de Nerdrum sont empreintes de mystère. Elles ressemblent à de très anciennes toiles, presque médiévales, et sont en même temps résolument modernes. Elles mettent en scène des gens lumineux d’espérance dans des univers très sombres. Le style est très curieux, quasi naturaliste… Nous nous sommes dit que c’était prodigieux et qu’il fallait partir là-dessus. Finalement, après avoir exploré de nombreuses pistes, nous avons exposé le tout aux redoutables éclairages de Nicola. Son job était de rendre lugubres et ambigus les plus magnifiques éléments de décor… Pendant la préparation du film, quel fut le plus grand défi que vous ayez eu à relever ? Nous voulions nous rendre à Londres hors période d’affluence, de préférence avant la période de Noël, mais nous n’avons pas pu. Nous sommes donc arrivés làbas durant les congés de Noël. La plupart du tournage se déroulait de nuit et l’hiver nous avantageait parce que les jours sont très courts. Cependant, le froid ne nous a pas épargnés, et puis il a fallu dénicher les nombreux lieux de tournage… En résumé, il a fallu résoudre tous ces problèmes pour pouvoir démarrer le tournage dans les temps. Mais nous y sommes parvenus. Honnêtement, je ne sais pas comment ! Je me souviens de notre première nuit au Blackfriars Bridge, Heath et Andrew étaient suspendus sous le pont par des câbles… Nous avons perdu des heures à régler des détails dans un froid de canard. Toujours est-il que soudainement, nous avons senti poindre le jour… C’est ainsi que le tournage a commencé ! Comment la disparition de Heath Ledger a-t-elle été perçue sur le tournage et par vous-même ? Le fait qu’Heath ne revienne pas sur le tournage a été un choc pour tout le monde. L’annonce de sa mort a été pire. J’espère qu’aucun de nous n'aura jamais plus à revivre cela parce que cette nouvelle a été insupportable. Il était aimé de tout le monde et représentait une source de bonne humeur et d’énergie sur ce film. Le tournage londonien achevé, j’ai pris l’avion pour Vancouver tandis qu’Heath embarquait pour New York. Nos chemins se sont donc séparés mais devaient se recroiser à nouveau à Vancouver pour la seconde partie du tournage. Et puis il y a eu ce 22 janvier 2008. Nous attendions Heath en fin de semaine mais le mardi, j’ai reçu un coup de fil de ma fille Amy qui m’a dit Tu dois venir ici ». J’ai répondu Je suis débordé ». Et là, au même instant, sur le site de la BBC, j’ai lu Heath Ledger est mort ». Ma vie s’est comme suspendue. Nous nous sommes tous retrouvés prostrés, brisés. Nous ne parvenions pas à mettre des mots sur cet événement parce qu’il était tout simplement impossible et inacceptable. Il a fallu des jours pour réaliser. C’est seulement parce que cela fait plus d’un an aujourd’hui que je commence à croire que je pourrai un jour accepter sa disparition. Ma première réaction a été d’abandonner le tournage. Sans lui, je ne me voyais pas continuer, humainement d’abord, et ensuite parce que son rôle était trop 7 central. Ce sont les autres qui m’ont donné la force de poursuivre. Ils m’ont secoué, ils m’ont même harcelé. Tout le monde me disait que nous devions finir ce film pour Heath. Oublie ton film, Terry, c’est maintenant celui de Heath Ledger ». Alors, nous avons discuté. Quelqu’un a dit Nous devons trouver un autre acteur pour jouer son rôle ». Ce à quoi j’ai répliqué Je ne veux pas faire ça et puis ça ne marcherait pas ». Et parce que son personnage avait traversé trois fois le miroir, j’ai dit Trois acteurs le remplaceront ». J’ai d’abord appelé Johnny Depp qui m’a tout de suite dit oui, aussi simplement que ça. S’il avait dit non, tout aurait été perdu. Au total, nous avons connu un arrêt d’environ un mois. Durant cette période, nous avons dû tout revoir y compris le budget, car tout était en train de s’effondrer. Lorsque nous avons repris le tournage, je ne sais même plus si Colin Farrell et Jude Law avaient déjà signé leur contrat. Dès lors, nous avons dû tourner presque toutes les scènes en intérieur. La présence de Colin, Johnny ou Jude supposait que l’on soit raccord au niveau des conditions météo, et nous étions tributaires de la disponibilité des acteurs. C’était compliqué, chacun d’eux étant déjà pris par des projets en cours. Tout le monde y a mis du sien. Nous avons remis tout le planning à plat. Le tournage est devenu un numéro de cirque dont nous étions les jongleurs et les contorsionnistes. Pour ne rien arranger, Bill Vince, un de nos producteurs, souffrait beaucoup de son cancer. J’étais vraiment ému de voir Johnny, Colin et Jude s’impliquer dans cette aventure simplement parce qu’ils aimaient Heath. Leur empressement à sauver le film et la dernière prestation de Heath a été un incroyable geste d’amour et de générosité. Un moment de cinéma et d’humanité superbe et rare. Grâce à eux, le film est encore plus spécial, plus surprenant, il est devenu plus amusant, et surtout, encore plus magique. J’en suis et j’en serai toujours bouleversé. Un jour, nous avons mis en boîte la dernière scène. Je ne sais pas comment, mais nous avons réussi. Quel est l’apport de chacun des comédiens au personnage de Tony ? Johnny apporte une énergie, un humour immédiat, quelque chose de joyeux et de décalé. Il est parfaitement à sa place dans cet univers onirique et fou. On a envie de le suivre, de le croire. Jude Law révèle une facette pétillante, charmeuse du personnage. Il est séduisant, élégant. Il dégage aussi une certaine vulnérabilité. C’est un mélange qui lui correspond parfaitement. Colin Farrell avait la lourde tâche d’incarner Tony à l’heure des choix, sur toute la fin du film. Il devait à la fois être attirant et sombre, sympathique et antipathique. Ce n’était pas évident à restituer et Colin est fantastique. Quel regard avez-vous sur les effets spéciaux ? Vous aimez travailler avec les fonds verts ? En l’occurrence, nous avons utilisé des fonds bleus contrairement à ce qui se fait d’habitude, mais les détails techniques n’ont aucune importance. Globalement, l’écran implique une démarche assez curieuse. Vous êtes obligé de garder constamment à l’esprit une image très précise de ce que vous faites. Vous prévisualisez grossièrement les scènes mais vous n’avez aucun élément devant les 8 yeux. De fait, vous doutez perpétuellement. Dieu merci, ce film ne misait pas sur des effets trop sensationnels, au sens où l’action, de l’autre côté du miroir, s’appuyait essentiellement sur le côté joyeux ou étrange des environnements. Les acteurs n’ont pas eu à toucher ou à s’agripper aux éléments du décor. Nous construisions tout de même des plateaux avec des éléments qui me servaient de points de repère. En raison de la cadence de travail, les acteurs devaient uniquement se fier à mon imagination. Nous n’étions pas dans des conditions ordinaires de tournage. Il n’était pas possible que l’un d’eux donne son avis et que l’on en discute. Ils se sont retrouvés dans cette situation d’urgence et il fallait faire avec. Johnny, Colin et Jude se sont prêtés au jeu et ont été formidables. Dans le principe, je sais qu’il est possible de quasiment tout faire faire à un comédien à l’aide de trucages ou d’images de synthèse. Certains films l’ont brillamment démontré. Mais je préfère de loin diriger un humain, capter l’émotion d’un regard ou une présence, qu’avoir affaire à des ordinateurs. Ce film revêt-il désormais une signification particulière à vos yeux ? Ce film représente beaucoup pour moi mais je ne suis pas sûr de savoir pourquoi. Son déroulement a été complexe, émouvant, cauchemardesque, merveilleux, magnifique, épouvantable… Tellement de choses extrêmes à la fois ! Je le suspecte pourtant d’être l’une de mes plus belles réalisations. J’étais terrifié à l’idée de ne pas pouvoir le terminer. Le film est magique, trépidant, touchant et drôle. C’est certainement mon œuvre la plus mature mais aussi la plus juvénile ! Pour quel public avez-vous travaillé ? Je pense que ce film peut plaire aussi bien aux enfants qu’aux grands-parents. Etrangement, il me fait penser à un mix entre LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN et BANDITS BANDITS. C’est un film que nous avons voulu tous publics. Lors des premières projections, nous nous sommes aperçus que le film plaisait énormément aux enfants et aux adolescents. Ils réagissent formidablement à l’histoire et aux univers visuels, qui doivent les changer des jeux vidéo ! Le film traite aussi de nombreux sujets et à plusieurs niveaux, de sorte que chaque spectateur y trouve un écho. Vos films sont souvent empreints de mysticisme et de philosophie, et celuilà peut-être encore plus que les autres. Souhaitez-vous délivrer un message ? Le mysticisme et la spiritualité font partie de la vie. Ils sont une composante essentielle de ce qui fait de nous des êtres humains. Cela m’imprègne. Je n’apprécie ni les fanatiques ni les extrémistes. Simplement, comme beaucoup, je me pose des questions. Je n’ai pas la prétention d’apporter des réponses mais j’espère faire en sorte que les gens s’ouvrent l’esprit en se posant des questions. Mes histoires sont faites pour les emmener là où ils n’auraient peut-être pas été tout seuls. 9 A travers vos films, vous nous entraînez souvent de l’autre côté du miroir en nourrissant notre imaginaire. Que découvririez-vous si vous-même passiez à travers le miroir ? J’ai la chance de passer à travers chaque fois que je fais un film ! Je me plonge alors dans mes idées, dans mes visions et beaucoup de gens m’aident à leur donner corps pour les partager. C’est un privilège. Je passe ma vie à visiter mon imaginaire pour ensuite y inviter des gens ! Pour moi, le plus dur, c’est d’en ressortir, d’affronter à nouveau le monde tel qu’il est. Là, je ne maîtrise plus grand-chose et comme tout le monde, je souffre ! Vous occupez une place à part dans le 7ème art. Savez-vous pourquoi ? Je ne sais pas pourquoi les gens aiment mes films ni ce qui les séduit exactement. Je pense m’être toujours consacré à des films qui me passionnaient et qui me parlaient. Je suis sincère et c’est ça l’important. Mes films ont toujours raconté une histoire. Je n’étais pas supposé devenir un jour réalisateur. Mon approche est plus celle d’un cinéaste que celle d’un réalisateur de film. Il y a une différence entre les deux. Le qualificatif de cinéaste implique des qualités d’artisan et une réelle connaissance de tous les corps de métier. J’estime être capable de faire le film seul. Bien sûr, il ne serait pas aussi bon, mais j’y parviendrais. Un tournage est avant tout une aventure collective. J'apprends autant de mon équipe qu’elle apprend de moi ; j’apprends même plus. Je connais tous les métiers du cinéma et je sais comment chacun fonctionne à son poste, mais je ne saurais pas faire aussi bien que chacun d’eux dans leur spécialité. Lorsque je leur demande de faire quelque chose, ils savent que je connais le boulot et que j’apprécie ce qu’ils font. J’envie même beaucoup leur talent. Je pense qu’ils en sont conscients. Savez-vous aujourd’hui quelle place occupe ce film dans votre œuvre ? Une place à part, c’est évident, à la fois pour ce qu’il est et pour tout ce qui s’est produit pendant que nous le faisions. Même si c’est au public de décider, j’ai le sentiment pour ma part que c’est l’un de mes films les plus aboutis et les plus réussis. Je ne sais pas expliquer pourquoi, peut-être l’alliance d’un casting fantastique, de sentiments affectueux dont je suis de plus en plus conscient avec les années et qui tendent à ressortir davantage dans mon travail. Il est certain que la disparition de Heath nous a galvanisés et que le film porte cette énergie réactive, cette pulsion de vie. Je n’oublie jamais que la mort approche, et beaucoup des choses que je vis se chargent de me le rappeler chaque jour ! Je ne vis pas cela comme une peur mais comme une formidable incitation à profiter de la vie sans perdre de temps. C’est de cette conscience que je tire mon énergie et mon envie d’avancer. Je suis convaincu que faire et partager est le meilleur moyen de se sentir vivant. C’est pourquoi je suis heureux que ce film existe et que les premiers qui l’ont découvert semblent l’aimer. 10 LE DOCTEUR PARNASSUS par Christopher Plummer Je suis un inconditionnel de Terry Gilliam depuis que j’ai découvert BRAZIL. J’ai vu ce film à de nombreuses reprises et même si je dois avouer qu’il y a toujours certaines choses que je ne comprends pas, c’est pour moi une expérience cinématographique absolue. J’ai par la suite eu l’occasion de jouer pour Terry dans L’ARMEE DES 12 SINGES et ce fut une grande expérience. Lorsqu’il m’a contacté pour me proposer le rôle du Docteur Parnassus dans ce nouveau film, j’ai été à la fois tenté par le personnage et par l’envie de retravailler avec lui. Comme toujours avec Terry, l’intrigue et le film ne peuvent pas se résumer à une simple histoire mise en scène. Cet homme a trop d’imagination, trop de talent pour entrer dans les petites cases habituelles. Je trouve qu’avec ce film, il a réussi à canaliser son foisonnement, à rattacher les intrigues secondaires et les nombreux personnages en un tout remarquablement cohérent qui gagne encore en puissance. Le Docteur Parnassus, mon personnage, est un vieil homme qui certes, a le don d’entraîner les gens vers leur imaginaire, mais qui a aussi commis l’erreur de faire un pari avec le diable ! Il y a chez cet homme un côté faustien. On sent qu’il a été exubérant, décalé, mais il est aujourd’hui à l’automne de sa vie et sa seule préoccupation est de sauver sa fille. C’est peut-être pour cela qu’il est assez calme, assez désabusé et assez porté sur la boisson ! Je crois qu’il souffre d’avoir vendu son âme au diable, mais au-delà de cela, je pense qu’il a honte d’avoir du même coup vendu celle de sa fille… Il s’est passé quelque chose d’étrange avec le personnage de Parnassus. Il était dépeint d’une façon parfois très mélodramatique dans le scénario mais quand, sur le plateau, j’ai vu toutes les couleurs, l’agitation qui régnait et toutes les créatures du film qui allaient et venaient dans les décors, j’ai décidé de jouer Parnassus comme un homme calme et introverti. Je pense que cela fonctionne très bien parce que sa peine intérieure, son remords, crédibilise son austérité ; ce n’est pas une fantaisie d’acteur. Ce film possède un côté sombre et tragique, il est traité d’une façon légère et enjouée mais il est bien là. Je n’ai certainement jamais porté de costumes aussi étonnants que dans ce film. Et pourtant, j’en ai eu quelques-uns d’assez surprenants ! Monique Prudhomme, la costumière, a fait un travail incroyable. Elle a mélangé les styles, les matières, et le résultat est vraiment impressionnant. Elle est complètement rentrée dans le jeu créatif de Terry ! J’ai beaucoup aimé jouer avec Lily Cole, dont j’apprécie la fraîcheur et le professionnalisme, je me suis aussi très bien entendu avec Verne Troyer qui est un homme vraiment étonnant. L’incarnation du diable par Tom Waits est l’une des grandes idées du film. Il en offre une image déroutante et pourtant terriblement crédible. Nos scènes ont été un vrai plaisir de jeu. C’est un musicien et il est acteur, et je suis comédien mais j’adore la musique. J’ai commencé par être pianiste. Nous jouions nos scènes dans un rythme qui avait quelque chose de musical et Terry faisait un fabuleux chef d’orchestre. J’ai également eu plusieurs scènes avec Heath Ledger et j’en garde le souvenir d’un garçon impressionnant. Il était toujours positif, toujours en recherche. De tous les jeunes premiers de sa génération, il est celui qui avait de loin déjà dépassé le cadre hollywoodien. Il aurait pu se contenter 11 d’enchaîner les premiers rôles mais au lieu de cela, il s’est toujours risqué dans des territoires inconnus, sur des œuvres fortes, avec un éclectisme rare. Il est dommage qu’il soit parti si vite. Tourner à Londres en plein mois de janvier et de nuit est assez éloigné de l’idée que je me fais d’un tournage confortable. Nous avons tous vécu un enfer, il faisait froid et nous étions toujours pressés. Je crois qu’avec l’âge, je deviens davantage un acteur d’intérieur ! A Vancouver, j’ai retrouvé Colin Farrell avec qui j’ai déjà eu l’occasion de tourner et que j’apprécie énormément. J’aime son sens de l’humour et j’ai trouvé touchante la façon dont il est arrivé pour finir ce que Heath Ledger avait commencé. Avec Johnny Depp et Jude Law, ils composent toutes les facettes d’un même personnage et l’histoire est aussi belle dans la vraie vie que sur l’écran. Même si l’improvisation n’a pas vraiment sa place dans un film de Terry Gilliam, il faut être prêt à s’adapter parce qu’il n’hésite pas à faire évoluer le script jusqu’à la dernière minute si c’est utile à l’histoire. De ce fait, il faut toujours faire attention à maintenir l’unité de votre personnage quoi qu’il advienne. Cela vous pousse à être vigilant, à vous appuyer sur vos partenaires et j’aime cette idée car pour moi, un film n’est pas fait de l’addition d’individualités, mais de la somme des talents et de la façon dont ils interagissent. Sur ce film, il y a eu une merveilleuse combinaison qui, à travers des hasards heureux – bien que résultant parfois de coups du sort des plus douloureux – sous l’impulsion unique de Terry, donne une nouvelle fois quelque chose de très spécial. 12 TONY joué par Heath, Johnny, Jude et Colin C’est par une nuit d’orage que le Docteur Parnassus et sa troupe découvrent Tony, pendu sous un pont de Londres. Anton le sauve et très vite, l’énigmatique jeune homme se remet, sans pour autant retrouver la mémoire… Il se révèle aussi séduisant que décidé à s’investir dans la vie du groupe. Pour chacun, Tony est une révolution. Le Docteur voit en lui le fils qu’il n’a pas eu, Valentina tombe sous son charme et Anton le perçoit comme un rival aux nombreuses zones d’ombre... Grâce à Tony, le petit théâtre ambulant connaît un succès inédit. Il n’a pas son pareil pour attirer les spectateurs, surtout les femmes et malgré les avertissements du Docteur, il n’hésite pas à les accompagner de l’autre côté du miroir… Chacune de ses incursions va peu à peu révéler son secret. Son destin est une énigme et chacun découvrira pourquoi il est venu… 13 PERCY par Verne Troyer Les gens aiment les films et vont au cinéma parce que cela enflamme leur imagination. Ils adorent s’évader, ressentir, aller dans d’autres univers que ceux qu’ils pratiquent chaque jour. L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS est idéal pour cela. C’est de l’aventure, de l’émotion, de l’inventivité ! C’est un grand film de Terry Gilliam ! En regardant ses œuvres, je me doutais que chacune d’elles était d’abord une aventure pour l’équipe, et j’en ai eu la confirmation. Ma première rencontre avec Terry a été assez incroyable ! C’était dans une voiture, à Los Angeles, alors qu’il filait à l’aéroport pour repartir vers Londres. Dans cette voiture, il y avait aussi sa maman qui venait l’embrasser avant qu’il ne décolle. Il y avait quelque chose de surréaliste dans ce rendez-vous ! Etrangement, on peut dire que j’ai passé mon audition dans une simple voiture qui roulait vers l’aéroport ! Après avoir joué beaucoup de rôles de comédie, j’étais heureux d’attaquer autre chose. Mon personnage est connu sous le nom de Percy mais son vrai nom est Percival Saint Antoine Della Touraine Sansepolcro Da Piemonte, troisième du nom. Percy est le cocher de la roulotte mais il est aussi le plus vieil ami du Docteur. Depuis des siècles, il partage avec lui le secret de son marché avec le diabolique Mr. Nick… Percy est à la fois sombre et cynique. Cela m’a permis de jouer quelqu’un que je n’avais jamais eu l’occasion d’exprimer, sans doute plus proche de ce que je suis réellement ! Percy se montre volontiers sarcastique. Cette fois, j’avais du texte et du jeu face à mes partenaires. Et quels partenaires ! Me retrouver face à Christopher Plummer était une expérience magnifique. Je garde aussi une vraie tendresse pour les quelques scènes avec Heath Ledger. Il était vraiment formidable et sa disparition nous a tous anéantis. Mon personnage n’avait pas de scène avec les autres incarnations de Tony, mais j’ai eu la chance de partager quelques moments avec eux hors plateau et tous ont été humainement remarquables. Travailler avec Terry est une expérience unique. Il nourrit un climat familial sur le plateau. Il est fidèle à ses collaborateurs et il implique tout le monde dans le processus créatif. Même s’il sait ce qu’il veut, il ne refuse jamais d’écouter un avis ou de se poser une question. En faisant ce film, à cause de l’intensité, de la richesse humaine et des incroyables costumes, j’ai eu l’impression d’en faire trente ! Tellement de décors, d’univers, de situations ! Ce film est sans doute l’un des plus denses et des plus forts qu’il m’ait été donné de faire. 14 ANTON par Andrew Garfield L’idée de faire un film avec Terry Gilliam m’intéressait au plus haut point. Je suis fan de ce qu’il fait, j’aime son esprit. Il est l’un des rares artistes à se réinventer à chaque projet. Chacune de ses œuvres est surprenante, signifiante et aussi riche sur le plan visuel que scénaristique. En tant que spectateur, le simple fait qu’il fasse un nouveau film était une excellente nouvelle, mais que je puisse jouer dedans était un enjeu énorme ! Comme toujours avec Terry Gilliam, son film est difficile à résumer et impossible à enfermer dans une catégorie réductrice. C’est une aventure onirique qui vous emporte au-delà de votre imagination, dans des mondes insensés et qui pourtant, révèlent tellement de nous ! Vous y faites beaucoup de rencontres surprenantes ! C’est un film sur la créativité, l’originalité, le divin, la beauté, la liberté d’être et d’imaginer face à tout ce que ce monde peut nous opposer. Je crois que pour Terry, les notions de bien et de mal, de blanc et de noir, lui permettent d’appréhender le monde. Il évolue sans cesse entre ces deux extrêmes pour raconter ses histoires. Il cherche aussi à montrer ce qu’il y a de bien dans le plus sombre et de plus dangereux dans le meilleur. Il cultive le paradoxe, la liberté, le rêve et surtout, l’espoir. Je crois que Terry est toujours un enfant, il en a l’innocence, la pureté, l’idéalisme, le tout associé à une imagination d’exception. Anton, mon personnage, voyage avec le Docteur Parnassus et sa fille. Sa fonction est d’attirer les spectateurs, de les préparer à l’attraction du Docteur. C’est un jeune homme assez normal qui ne sait pas trop quoi penser de cet étrange miroir. Il sait juste qu’il ne faut pas s’aventurer derrière… Anton est aussi très amoureux de Valentina. Il est même probable que s’il reste, ce soit à cause d’elle. Il fait partie de cette drôle de famille. L’arrivée de Tony va le remettre en cause de bien des façons, à la fois parce que ce jeune homme surgi de nulle part attire la foule bien mieux que lui et parce qu’il séduit aussi Valentina… C’est un rôle formidable parce qu’il permet de jouer une très large palette d’émotions et de situations. Seuls les costumes étaient compliqués ! Je me promène le visage peint et habillé en Mercure, ou dans d’autres tenues assez peu adaptées à l’action. J’ai énormément de chance, le seul film que j’ai fait avant celui-ci était dirigé par Robert Redford. Ensuite, j’ai travaillé sous la direction de Terry Gilliam… Je pense qu’enchaîner après avec un film normal » sera forcément difficile. D’abord parce que Terry est bien plus qu’un metteur en scène. Il vous inspire, vous porte, vous fait avancer, mais toujours avec affection. J’ai aussi eu la chance de jouer avec une troupe de comédiens fantastiques. Lily Cole est non seulement très belle, mais elle dégage aussi une énergie rare dans tout ce qu’elle fait. Le simple fait de côtoyer Christopher Plummer vous élève. Il est un modèle pour moi. Je regrette de ne pas avoir plus de scènes avec Tom Waits parce que c’est un artiste absolu et que sa voix est encore plus troublante lorsque c’est à vous qu’il s’adresse ! Verne Troyer est le plus délicieux et le plus puissant des hommes, avec un sens de l’intégrité et une sorte de grâce. Evidemment, ce film fut aussi pour moi l’occasion de rencontrer et de 15 jouer avec Heath Ledger. Il est une de mes idoles et le sera toujours. L’avoir croisé est une chance. Je crois que le film porte un peu de la personnalité de ces gens que Terry a su magnifier à travers une histoire et un univers totalement fabuleux. D’une façon assez magique, chaque spectateur, quel que soit son âge, est séduit et attiré par l’Imaginarium. Chacun a envie d’y entrer et il y ressent quelque chose de fort. Les plus jeunes sont fascinés et les plus âgés touchés, ou inversement ! Je crois que Terry est notre Docteur Parnassus ! 16 VALENTINA par Lily Cole Je sais que cela va surprendre, mais ce n’est pas le fait de travailler avec Terry qui m’a attirée d’abord ! Je venais de terminer un casting et Irene Lamb m’a donné le scénario à lire. Il m’a tout simplement emballée. Je n’ai pas une grande expérience mais je n’avais jamais lu une histoire aussi forte, aussi riche et aussi imaginative. C’est alors que j’ai eu envie de découvrir le travail de Terry, que je ne connaissais pas bien. J’ai été soufflée ! Cet homme est un génie et cela se confirme lorsque vous travaillez avec lui. Il est incroyablement intelligent, drôle, passionnant et il a toujours des idées folles ! Dans le film, je joue Valentina, la fille du Docteur Parnassus. Elle va avoir 16 ans et cette échéance annonce un événement majeur dans sa vie et celle de son père… Il est question du bien et du mal, de la définition de sa propre personnalité, de ses choix, des choses que nous affrontons tous un jour. C’est un personnage qui n’est pas seulement un enjeu, elle a son mot à dire. J’aime son franc-parler, son côté gitane, bohème et un peu garçon manqué. Moi qui viens d’un univers de mannequins dans la mode, cela me donnait enfin l’occasion d’exprimer autre chose ! Tout à coup, ce n’était plus ma coiffure ou mon maquillage qui comptait mais mon jeu. J’ai aimé ce challenge-là. C’est mon premier film important et je n’avais jamais travaillé avec un réalisateur de cette envergure, mais j’ai par contre une assez grande expérience des gens et de ce point de vue-là, Terry est unique. Il m’a fait confiance, il m’a poussée à aller le plus loin possible. Il a toujours pris le temps de m’écouter lorsque j’avais une idée. Sur le plateau, il maintient une ambiance légère, sans ego et propice à l’échange. J’avoue que jouer avec Christopher Plummer et Heath Ledger m’attirait aussi beaucoup. Je suis fan de l’un et de l’autre. J’ai découvert mes autres partenaires avec un réel bonheur. Je me souviens de la première nuit, lorsque nous avons tourné à Londres, sous le pont. Il faisait froid et je n’avais qu’une petite robe. Heath et Christopher ont été formidables de générosité. Ils n’ont jamais cherché à me donner de leçon mais j’ai énormément appris avec eux. Au final, cette nuit de cauchemar est devenue un excellent souvenir grâce à eux et Terry ! J’étais en plus la seule femme du casting, tout le monde a pris soin de moi ! J’ai adoré tourner les scènes du camp à Battersea Station. L’endroit est incroyable, les dimensions gigantesques et c’est là que je joue la plupart de mes scènes avec Heath. Lui aussi m’a incitée à oser, il m’a mise à l’aise. J’avais beaucoup de sentiments à jouer, et même des gens à malmener. Heureusement que je me suis entraînée et que l’on m’a montré comment frapper parce que je n’étais pas douée pour cela ! Ces scènes restent un souvenir très fort pour moi. Ce sont les dernières avec Heath. Sa disparition a été un choc effroyable. Toute l’équipe s’est resserrée pour surmonter cela et finir le film en étant dignes de ce qu’il nous avait déjà offert. Le fait de jouer devant des fonds bleus ne m’a pas gênée parce que je m’appuyais encore davantage sur mes partenaires. Leurs regards, leurs gestes devenaient mon univers, et je jouais. Jouer face au personnage de Tony, mais incarné par différentes personnes a été une expérience troublante. J’ai de 17 nombreuses scènes avec Colin Farrell et il a été lui aussi merveilleux. Il y avait de la sensualité, du mystère, et mon personnage révèle encore d’autres facettes. Le film est le parfait reflet des gens qui l’ont fait. Tout le monde y a mis son imagination et son cœur, et l’histoire est vraiment surprenante. Je crois que comme pour moi, ce film extraordinaire va être pour un jeune public, l’occasion de découvrir le talent et l’œuvre de monsieur Terry Gilliam ! 18 Mr. NICK par Tom Waits Depuis FISHER KING – dans lequel je n’avais qu’une réplique – je suis toujours resté en contact de près ou de loin avec Terry. J’aime ce qu’il est et j’aime ce qu’il fait. Ses films ont tous une qualité en commun ce sont des fables, des contes initiatiques qui, au-delà de leur côté distrayant et spectaculaire, vous inspirent et vous font réfléchir à votre propre vie. Lorsque j’ai reçu le scénario de ce film, j’ai d’abord été impressionné par l’histoire, par la force des thèmes qu’elle combine. J’étais à la fois très excité de pouvoir y jouer un vrai rôle et très anxieux parce que je ne voulais pas décevoir Terry. C’est un maître à mes yeux. Je suis un homme de musique et de chansons, mais je ne me considère pas comme un acteur. Je m’efforce d’être moi-même. Dans L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS, je joue le diable, tout simplement ! Mon personnage n’est pas seulement diabolique ou satanique, il est le diable. Comment jouer un rôle pareil ? J’ai pris le parti de le jouer en étant moi-même. Mr. Nick est ma version du diable. Pour le définir visuellement, nous avons beaucoup parlé avec Terry et je me suis inspiré d’une photo de Tolstoï dans ses dernières années. Paradoxalement, le plus dur lorsque je joue, ce ne sont pas les longues tirades car je n’ai aucun mal à les apprendre. Le pire, c’est lorsque vous n’avez que quelques mots à dire. Il faut être tout de suite juste, parfait. Mr. Nick est un homme laconique, un vieux compagnon de route du Docteur Parnassus avec lequel il a fait autrefois un marché. Parnassus était immortel et par amour pour une jeune femme avec qui il souhaitait fonder une famille, il demanda au diable à redevenir mortel. Ce vœu avait un prix et le diable, en échange, exigea que la fille de Parnassus, le jour de ses 16 ans, devienne sa compagne. Au moment où commence le film, le diable est venu chercher Valentina. Ce genre de situation offre la puissance des plus grands contes. Je joue la plupart de mes scènes avec Christopher Plummer et c’est un honneur. Sur le plateau, c’est un pro et en dehors, c’est un homme d’une exquise courtoise et d’une infinie culture. Etre à ses côtés est en soi un plaisir. J’ai beaucoup aimé travailler avec Lily Cole. Nous avons pris ensemble des leçons de tango pour les besoins d’une scène. C’est un excellent souvenir. C’était la première fois que je prenais ce genre de cours. J’ai regretté de ne pas avoir plus de scènes avec les autres comédiens mais j’ai eu la chance de partager avec eux des dîners et quelques joyeuses conversations. Je garde un souvenir ému d’une soirée avec Heath, puis avec Johnny, Andrew et Verne. J’ai été impressionné par la capacité de Terry à affronter puis à transcender la tragique disparition de Heath. Au-delà du drame, le fait que Tony soit joué par trois autres immenses comédiens est un formidable apport au film et une véritable leçon de vie. Terry porte en lui une énergie, un enthousiasme et une imagination qui vous emportent et vous poussent à vous dépasser. J’étais heureux lorsqu’à la fin d’une prise, il s’approchait pour me dire Parfait, ça sonnait comme une chanson ». J’étais vraiment touché. Travailler avec Terry est un processus vivant, collaboratif ; tout le monde apprend, échange. Je suis vraiment convaincu qu’en tant que spectateur de ses films ou en tant que participant, il est impossible d’en ressortir inchangé. Ses œuvres vous 19 apportent, vous nourrissent. On en sort forcément différent. Son film parle de l’amour, du destin, des choix, mais d’une façon qui ne ressemble qu’à lui. Terry est bien placé pour parler de ces thèmes. On a tous des choix à faire et des épreuves à surmonter. Moi-même je me souviens que gamin, j’ai eu le choix entre faire du sport ou de la musique… Je ne regrette pas la voie que j’ai suivie ! 20 L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS par Samuel Hadida, producteur Depuis toujours, je suis fan des films de Terry Gilliam. C’est un artiste complet, aussi inventif dans les histoires qu’il raconte que dans sa façon de les présenter au public. Chacun de ses films est un univers complet, cohérent, fascinant, qui repousse les limites de l’imagination. Nous avions distribué LES FRERES GRIMM en France et j’avais évidemment souhaité savoir quels étaient ses prochains projets. Un jour, j’ai reçu un appel de son agent qui m’a dit Le prochain projet de Terry s’appelle L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS et vous devriez le lire. » Lorsque j’ai découvert l’histoire, je me suis dit qu’elle était claire, limpide, forte. Mais le fait est que lorsque vous travaillez sur un film de Terry, vous savez aussi que l’aspect visuel est déterminant. Quand vous lisez dans le scénario Tony monte sur une échelle jusqu’à toucher les nuages », la phrase excite votre imagination mais il vous est impossible de savoir ce que Terry en fera avec son génie, sa créativité débordante et son approche unique ! Lorsque je l’ai rencontré, il est venu avec un énorme livre, une sorte de bible remplie de croquis, de dessins préparatoires et de story-boards qu’il avait lui-même dessinés. Ce document incroyable préfigurait le film, mais cela a surtout servi à renforcer notre enthousiasme ! A mon sens, lorsque vous produisez le film d’un artiste, vous devez vous fier à sa passion, à la vôtre, et lui donner les moyens de concrétiser sa vision en lui faisant confiance. C’est ce qui s’est passé. Qu’il s’agisse de la conception du film ou de la recherche des comédiens, Terry a toujours fait preuve d’un sens du choix remarquable. Il a tourné avec les plus grands, il les a souvent même révélés au-delà de ce que tout le monde connaissait. Lorsque nous avons vu ceux qu’il réunissait pour ce film, nous étions à la fois impressionnés et curieux de voir ce qu’ils allaient donner en travaillant avec lui. Terry n’a jamais peur de mélanger les gens, il associe des monstres sacrés à des débutants, Christopher Plummer à Lily Cole ou Andrew Garfield. Il réunit Verne Troyer, Tom Waits et Heath Ledger. Leur seul dénominateur commun est le talent, au-delà des genres et des étiquettes que certains peuvent leur coller. L’autre trait qui caractérise Terry, c’est sa faculté à raconter les histoires. C’est un conteur hors pair. Non seulement il sait imaginer des mondes inédits qui stimulent notre esprit, mais il sait en plus y amener le public. Tout ce qu’il a fait depuis ses débuts, des Monty Python aux films atypiques qu’il a écrits ou mis en scène, lui a permis d’expérimenter et d’apprendre comment nous amener à son fantastique univers. Faire un film est toujours une entreprise aléatoire et risquée. Tout peut arriver et notre travail est d’aider le réalisateur à surmonter les épreuves qui se mettent en travers de l’accomplissement de son œuvre. En l’occurrence, sur ce film, il s’est produit deux choses exceptionnelles, la meilleure et la pire. La première, la meilleure, est l’élan avec lequel tous ont travaillé. Terry provoque cela, il suscite l’enthousiasme parce que ses idées sont toujours surprenantes et qu’il a une approche très humaine du travail d’équipe. La seconde, la pire, c’est la disparition de Heath Ledger. Au-delà de la catastrophe pour le film, tout le monde a vécu un drame humain. 21 Paradoxalement, ce drame a encore renforcé la détermination de tous à finir ce film. Là où il s’est passé quelque chose de beau, c’est que le film n’a pas été achevé pour des raisons de production ou d’argent, mais pour défendre un esprit, une énergie qui avait guidé tout le monde, Heath en tête. Nous avons tous décidé d’appuyer Terry et son idée de répartir l’interprétation de Tony entre trois stars est simplement géniale. Ce qu’il est, son œuvre, et l’esprit dans lequel il l’a fait ont convaincu trois immenses stars de venir rejoindre l’équipe et de mener à bien le film, au nom de Heath et de ce en quoi nous croyons tous. Johnny, Jude et Colin ont réagi avec autant de professionnalisme que d’humanité. Tous ont agi avec noblesse et en mémoire de leur ami. Au final, le film existe, et tel que Terry l’avait imaginé. A mon sens, L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS est sans doute le film le plus emblématique des différents talents de Terry. Il balaye à lui seul tous les domaines dans lesquels Terry aime nous entraîner. Le film associe l’action et l’émotion à une richesse visuelle et narrative sans équivalent. Une fois de plus et probablement avec une force inédite, Terry parvient à nous emmener au-delà du miroir. 22 TRAVAILLER AVEC UN ARTISTE par Amy Gilliam, productrice Voilà douze ans que je travaille dans la production, gravissant un à un les échelons, parfois aux côtés de mon père. J’ai toujours souhaité devenir productrice mais je dois avouer que durant toutes ces années, si j’avais un rêve, c’était de l’être sur l’un de ses films. Je ne savais pas que ce serait sur celui-là, maintenant. Les choses se sont faites naturellement. Ce n’est pas un poste de tout repos car mon père a le don d’imaginer – c’est une chance pour le spectateur, mais cela peut devenir un cauchemar pour le producteur ! Travailler avec lui est une expérience remarquablement formatrice ! La première fois que j’ai entendu parler du film, c’était à la maison. Il a écrit le script rapidement, avec Charles McKeown, en fin d’année. On savait juste qu’il était question d’une histoire assez simple, celle d’une troupe itinérante. En termes de production, le projet s’annonçait facile, juste cette étonnante roulotte à construire. C’est ensuite que tout s’est compliqué ! Le film exigeait en fait beaucoup de lieux de tournage, de nombreux extérieurs, quantité d’effets. Beaucoup ont voulu voir un parallèle entre le Docteur Parnassus et Terry, y compris dans le fait qu’il travaille avec moi. C’est vrai qu’il y a certains points communs entre eux, ce pouvoir sur l’imagination, ce courage, et aussi ce côté parfois bougon ! Le projet s’est monté avec William Vince en tant que producteur canadien, Samuel Hadida en France et moi en tant que productrice britannique. Nous avons eu de la chance de faire équipe avec eux parce qu’ils respectent l’esprit de Terry. Ils ont aussi tenu bon dans la tempête. Travailler avec son père n’est pas toujours simple. Je suis une jeune productrice et lui un immense créateur. C’est vrai que notre lien personnel était parfois un peu inhibant pour moi mais d’un autre côté, je le connais parfaitement et je sais précisément ce qu’il aime et ce qu’il déteste ! Parfois, il y avait des situations surréalistes. Par exemple, lorsque nous nous retrouvions à table en famille, le film arrivait immanquablement dans la conversation. Terry est tellement passionné, tellement investi qu’il y pense jour et nuit. Alors je lui disais Non, pas aujourd’hui, pas maintenant, on doit pouvoir faire une pause ! ». Une fois, je lui ai même demandé de m’envoyer un mail et dès le repas fini, il l’a fait… On ne s’était pas quittés depuis deux minutes que mon Blackberry vibrait ! Terry m’avait dit que cette fois, il était décidé à préparer le film dans ses moindres aspects. Nous avons passé une longue période de préproduction à dessiner, imaginer, planifier. Il disait que plus nous aurions préparé, plus ce serait facile… Plus le projet avançait et plus il prenait de l’ampleur. Mais ce n’était pas grave parce que cela s’accompagnait d’un enthousiasme toujours croissant. Tout le monde avait envie de raconter cette histoire. Retrouver Heath après LES FRERES GRIMM était un vrai bonheur. Le fait qu’il ait lui-même demandé à jouer Tony a vraiment donné un coup de fouet au projet. Sa disparition a été un choc épouvantable, à la fois sur le plan humain et professionnel. Nous avons tous choisi de continuer, pour lui, en son honneur, à sa mémoire, avec le 23 degré d’exigence dont lui et Terry ont toujours fait preuve. Johnny est un proche de Terry et il a tout de suite dit oui. Par un hasard du destin, Jude Law avait été envisagé pour le rôle mais il était déjà engagé pour la période de tournage que nous souhaitions. Pourtant, sur les premiers dessins que mon père avait faits de la séquence des échelles, c’est lui qui figurait. Quand à Colin Farrell, c’est Margery Simkin, une directrice de casting proche de mon père, qui en a eu l’excellente idée. Il y a eu vraiment beaucoup de choses étranges, magnifiques et terribles sur ce film. Nous sommes tous impatients que le public découvre L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS, mais nous partageons déjà l’immense satisfaction de l’avoir mené à son terme, dans son intégrité et dans le respect de l’esprit que mon père a souhaité lui donner. Terry a su garder le cap et nous guider tous. Quand je le regarde travailler, quand je le vois faire avec les autres, quand je le vois chercher la meilleure idée possible sans jamais céder à la facilité, je n’oublie jamais mon père mais je vois d’abord un immense artiste. 24 NOTES DE PRODUCTION Flamboyante, émouvante et drôle, l’odyssée du Docteur Parnassus et de sa troupe nous entraîne au-delà des frontières de l’imagination. Ce spectaculaire voyage orchestré par le maître de l’inventivité nous plonge au cœur d’une aventure qui dépasse les seules limites de la fiction… IL ETAIT UNE FOIS… Pour ce film, Terry Gilliam, scénariste, réalisateur et producteur, a écrit avec Charles McKeown, qu’il retrouvait après avoir déjà collaboré sur BRAZIL et LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN. Charles McKeown raconte Terry est arrivé avec l’idée d’une troupe ambulante très en décalage dans notre époque. Le concept était extrêmement clair dans son esprit. Pendant deux semaines, nous avons d’abord échangé nos idées, et ensuite j’ai insisté pour que Terry écrive le premier jet du scénario parce que sa vision du film était à ce moment-là plus nette que la mienne. Ensuite, j’ai commencé à écrire des scènes, des dialogues, et des descriptions de personnages et de décors pour clarifier les choses. Je lui ai envoyé par email six ou sept pages qu’il a retravaillées. Il les a modifiées, embellies. Il a pris et ajouté ce qui lui plaisait. Les idées n’ont cessé d’aller et venir entre nous deux, jusqu’à ce que nous arrivions au bout. » Le coscénariste ajoute C’était comme un match de tennis, plus on se renvoyait la balle plus la partie s’étoffait. Nous nous sommes affranchis de beaucoup de règles et notamment de celle qui veut que l’on se focalise sur un seul personnage. Cette histoire est celle d’un groupe, et bien que le nom du Docteur Parnassus soit dans le titre, et que l’action tourne autour de lui, chaque personnage du film vous emporte dans sa propre histoire. » Charles McKeown poursuit Le thème central est l’imagination, et l’importance qu’elle revêt dans notre vie et notre façon de penser. C’est un thème récurrent chez Terry. Avec ce film, il est allé bien plus loin qu’il ne l’avait jamais fait. C’est vraiment son histoire. Parmi tous les films qu’il a pu faire, L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS est certainement celui qui lui ressemble le plus. Ce film offre sur l’homme et l’artiste qu’il est un regard révélateur et intime. » Le coscénariste précise C’est une histoire magique, un théâtre extraordinaire et un groupe d’artistes fabuleux qui font le tour de Londres sans que personne ne les remarque vraiment. Je suis d’accord avec Terry lorsqu’il dit qu’aujourd’hui les gens ne voient plus ce qui est vraiment important. Ils passent leur temps accaparés par des gadgets, des Ipods, des jeux vidéo, et en oublient l’essentiel et ce qui fait la vie. Tout le monde se coupe, s’isole, alors que c’est de la vraie vie que naît la véritable imagination. » Terry Gilliam conclut L’histoire oppose ces deux factions qui sont en guerre depuis toujours d’un côté il y a un homme qui pourrait être le diable, et de 25 l’autre un homme qui pourrait être Dieu. Là où les choses deviennent étranges, c’est que nous avons modifié ce qu’ils ont à offrir au monde. Parnassus vous offre la possibilité de voyager à travers votre imagination, mais cela ne signifie pas que la promenade sera facile et agréable. Ce qu’il propose implique de faire des choix et des efforts pour avancer vers la lumière, mais c’est toujours une route très difficile. La route la plus facile est bien sûr celle que propose Mr. Nick. Nous avons aussi changé ce qu’il avait à vendre, et dans notre version il vend la peur et l’insécurité. Il joue tout là-dessus alors que Parnassus joue sur le fait que certaines personnes sont fortes et prêtes à prendre des risques. » L’IMAGINARIUM ARRIVE EN VILLE… Terry Gilliam explique Le design de l’Imaginarium m’a été inspiré par les théâtres de marionnettes du musée des jouets Pollock à Londres. Quand j’y suis venu pour la première fois, j’ai découvert une boutique qui fabrique ces petits théâtres de marionnettes victoriens en carton. Ils m’ont toujours fasciné. Cette boutique existe encore aujourd’hui. Pour les motifs qui sont à l’extérieur de l’Imaginarium, nous nous sommes inspirés de livres sur les arcanes et les symboles ésotériques. J’ai toujours adoré ces trucs. J’ignore souvent ce qu’ils signifient précisément, mais nous les avons associés entre eux pour former un ensemble homogène. Il y a des serpents, des diables, des regards maléfiques, des pentagrammes, toutes sortes de choses, c’est un mélange de signes occultes que nous avons piochés un peu partout. L’imagerie et l’iconographie médiévale ont une richesse incroyable. Les alchimistes essayaient de décrire le monde et le cosmos en images pour leur donner un sens philosophique. Leurs dessins sont très éloignés des réalités du monde moderne, et pourtant ils ont toujours excité mon imagination bien plus que ne le fait notre réalité. » Dave Warren, le chef décorateur, explique Construire la roulotte du Docteur a été un vrai challenge. Elle mesure près de 7 mètres de long sans les timons et presque 5 mètres de haut. Pour faciliter la logistique et le transport – elle devait voyager de l’Angleterre au Canada – il aurait fallu qu’elle pèse entre une et deux tonnes. Mais c’est une véritable petite maison et nous l’avons construite en acier et en bois. Au final, elle pèse un peu plus de trois tonnes et il fallait en plus qu’elle soit tirée par des chevaux… Nous nous en sommes sortis, et je la trouve vraiment impressionnante. » Terry Gilliam reprend Tony dit de Parnassus Il a ce cirque ambulant et le pouvoir de contrôler l’esprit des gens. Pourquoi ne dirigerait-il pas le monde ? ». Et puis il ajoute cette réplique que j’adore Parce qu’il ne veut pas diriger le monde, il veut que le monde se dirige lui-même ». La scène se déroule en moins de temps que j’en ai mis pour la raconter, mais pour moi il est important de transmettre des idées comme celle-ci. » TOUS LES MONDES DU DOCTEUR PARNASSUS Créer les mondes imaginés par Terry William a été un challenge pour ses collaborateurs… mais aussi un immense plaisir. Proche collaborateur, le directeur de la photographie Nicola Pecorini a été associé au projet dès le début. Il 26 raconte C’est le degré de poésie contenu dans le scénario qui m’a le plus impressionné. Pour avoir partagé les dix dernières années de passions et de frustrations de Terry, je sais très bien d’où vient le Docteur Parnassus. Cet homme fatigué a essayé d’éclairer ses semblables humains, il a essayé de leur apprendre à laisser leur imagination s’envoler, et à considérer les rêves comme une richesse et non pas comme un fardeau. Terry est Parnassus. De tout ce qu’il a vécu, il a fait une histoire sublime dont il est impossible d’apprécier la richesse en une seule fois. » Nicola Pecorini continue Pour moi, cette histoire est un résumé de l’univers artistique de Terry vous y trouvez tous les thèmes de ses précédents films. Ce scénario fait preuve d’une maturité remarquable, et je suis persuadé que tous ceux – et ils sont très nombreux – qui aiment l’œuvre de Terry trouveront que ce film est le meilleur qu’il ait jamais fait. » Le directeur de la photo ajoute Nous avons essayé de planifier tous les détails à l’avance. Les séquences avec l’Imaginarium, en particulier, ont été découpées plan par plan et cadre par cadre. Mais même la préparation la plus minutieuse qui soit ne peut empêcher les imprévus. Terry et moi partageons une vision commune de la mise en scène. Nous utilisons des panoramiques à 360 degrés pour montrer ce qui nous entoure, de cette façon le spectateur a le sentiment d’être vraiment au cœur de l’action. Mais éclairer une scène sur 360 degrés est beaucoup plus compliqué que de la filmer de loin au téléobjectif ! » Nicola Pecorini précise Nous avons utilisé des objectifs grand angle parce que c’est ainsi que nous voyons le monde. Les humains voient le monde en grand angle, et Terry voulait laisser au public de l’espace et une liberté de regard. Avec le grand angle, vous pouvez choisir ce sur quoi vous focalisez votre attention. A l’inverse, quand vous réduisez la profondeur de champ, vous décidez pour le public de ce qu’il doit regarder. Comme Terry, je n’aime pas trop cette approche, je n’aime pas contraindre le spectateur. » Mick Audsley, qui fut le monteur de L’ARMEE DES 12 SINGES, était heureux de retrouver Terry Gilliam. Comme Nicola Pecorini, il a rejoint le projet très tôt. Le chef monteur raconte J’ai commencé par schématiser le scénario sur un grand tableau, pour détecter avant le début du tournage ce qui aurait pu poser des problèmes au niveau du montage. J’ai travaillé en étroite collaboration avec Terry, mon rôle était donc d’assembler et d’orchestrer ce que je voyais pour le public. » Mick Audsley ajoute Le plus difficile avec ce film aura été de travailler sur les scènes tournées devant des fonds bleus. Quand je les recevais, elles n’étaient que partiellement terminées. Malgré cela, il fallait être capable de choisir les meilleures prises pour le montage même s’il manquait la plupart des informations visuelles. C’était un véritable défi. Bien sûr, le plus important est toujours de choisir les meilleures prestations des comédiens et de s’assurer que la construction de ces scènes permettent l’incrustation d’effets visuels. » Pour les costumes du film, Terry Gilliam a travaillé avec la chef costumière Monique Prudhomme. Celle-ci raconte Terry est ouvert à toutes les idées intéressantes, il adore la fantaisie et les choses un peu folles. La création des costumes l’intéressait beaucoup. Avec lui rien n’est figé, il faut être capable de le 27 suivre dans ses idées tout en apportant les vôtres. Travailler avec lui est une véritable aventure. » Monique Prudhomme poursuit Le travail commence par ce que j’appelle la phase chasse et collecte ». Terry avait apporté beaucoup d’images à partir desquelles nous avons collecté toutes sortes de vêtements et d’accessoires, des chapeaux, des manteaux, des foulards. Après cela, nous avons fait venir les acteurs, et avec eux, nous avons affiné les personnages en les habillant avec diverses pièces de notre stock. Pour le Docteur Parnassus, par exemple, j’ai imaginé que cet homme immortel qui vit dans les recoins perdus de Londres devait toujours avoir froid et souffrir de l’humidité. Je l’ai donc vêtu de plusieurs couches de vêtements. Il porte des chemises, des pulls et des doublures sous ses manteaux et ses écharpes. Christopher Plummer pouvait utiliser tous ces vêtements comme des accessoires, les enlever ou les remettre, mais cela l’aidait aussi beaucoup à créer ce personnage grognon et fatigué par la vie. » Monique Prudhomme conclut Travailler avec Terry est un honneur et un privilège. Son univers est très éclectique et il propose sans cesse de nouvelles idées et de nouveaux concepts. C’est un flux constant qui permet d’avoir chaque jour des idées encore meilleures que celles de la veille. C’est une façon fabuleuse de collaborer. » Créatrice des coiffures et des maquillages, Sarah Monzani confie Je connais Terry depuis longtemps, je sais comment il travaille. Il est très impliqué, et quoi qu’il ait pu écrire, tout est dans sa tête. Il a pris le temps de nous expliquer ce qu’il voulait. Sans cela nous n’aurions pas pu travailler parce qu’à chaque lecture du scénario, vous découvrez de nouvelles choses et de nouvelles pistes ! En fait, de mon point de vue, le film se répartit en deux grandes histoires. La première est celle du Docteur Parnassus et des acteurs qui l’accompagnent, une troupe de vagabonds crasseux qui vivent dans les recoins les plus sordides de la ville. Et puis il y a le monde magique des petits spectacles qu’ils jouent sur scène. Des spectacles qui sont tous très différents les uns des autres. Comme le Docteur Parnassus est âgé de plusieurs centaines d’années, ses spectacles reflètent toutes les époques qu’il a traversées depuis le Moyen Âge jusqu’à aujourd’hui. » Sarah Monzani explique Tous les maquillages et toutes les coiffures que nous avons créés pour Valentina correspondent soit à des choses qui la font rêver depuis qu’elle est petite, soit à des choses qu’elle a trouvées dans la malle à costumes que possède le Docteur Parnassus depuis des années. Tous les costumes de la malle ont été conçus par Monique Prudhomme, et nous avons développé l’identité visuelle de chaque personnage à partir de ce qu’elle m’a donné. » 28 DEVANT LA CAMERA HEATH LEDGER Tony Tragiquement disparu le 22 janvier 2008, Heath Ledger était un des acteurs les plus charismatiques de la jeune génération. L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS a été son dernier film. Heath Ledger avait déjà joué sous la direction de Terry Gilliam dans LES FRERES GRIMM, dans lequel il incarnait Jacob Grimm. Né à Perth, en Australie, en 1979, Heath Ledger a entamé sa carrière au théâtre à 12 ans. Il possédait une solide formation et a joué avec les meilleures compagnies australiennes dont la Midnight Youth Acting Company. Il a été finaliste du concours national en 1993 en tant que membre de la Globe Shakespeare Company, et lauréat du Premier Prix, pour la North of Perth Music Company, pour Open Monologue ». Il quitte l’école à 17 ans pour aller s’installer à Sydney et faire carrière dans le cinéma. Il est découvert en 1997 en jouant Conor dans la série d’action et d’aventure Roar, la légende de Conor », aux côtés de Keri Russell. Le succès de la série, entièrement tournée dans son pays natal, à Queensland, non loin de Perth, lui ouvre les portes du cinéma international. Il joue également dans des séries australiennes comme Sweat », Clowning Around », Bush Patrol », Corrigan », Ship to Shore » et Home and Away ». Heath Ledger débute sur le grand écran en 1997 dans les films australiens indépendants BLACK ROCK de Steven Vidler, nommé à l’équivalent australien de l’Oscar du meilleur film et présenté dans le cadre du Festival du Film de Sundance, et PAWS de Karl Zwicky. Il tient son premier grand rôle dans le film de Gregor Jordan TWO HANDS, avec Bryan Brown, présenté au Festival de Sundance 1999. Le film a remporté le Prix du meilleur film de l’Australian Film Institute en 1999 et Heath Ledger a obtenu le Prix d’interprétation. En 1999, il tient son premier rôle dans un film américain avec celui de Patrick Verona dans 10 BONNES RAISONS DE TE LARGUER, version moderne de La Mégère apprivoisée » de Shakespeare. L’année suivante, il est le fils de Mel Gibson dans THE PATRIOT LE CHEMIN DE LA LIBERTE de Roland Emmerich. Vedette de CHEVALIER, écrit, réalisé et produit par Brian Helgeland, on le retrouve aussi dans A L’OMBRE DE LA HAINE de Marc Forster, avec Billy Bob Thornton et Halle Berry, et FRERES DU DESERT de Shekhar Kapur. En 2003, il tient le rôle-titre de NED KELLY de Gregor Jordan et joue dans LE PURIFICATEUR de Brian Helgeland. 2005 est une année particulièrement riche pour Heath Ledger, puisqu’il est à l’affiche de quatre films LES SEIGNEURS DE DOGTOWN de Catherine Hardwicke, dans lequel il incarnait le roi de la glisse Skip Engblom, LES FRERES GRIMM de Terry Gilliam, face à Matt Damon, CASANOVA de Lasse Hallström avec Sienna Miller et Jeremy Irons, et LE SECRET DE BROKEBACK MOUNTAIN d’Ang Lee, d’après la nouvelle d’Annie Proulx, qui a remporté le Lion d’or au dernier Festival de Venise et trois Oscars. Heath Ledger a été nommé à l’Oscar du meilleur acteur pour son 29 interprétation du personnage d’Ennis Del Mar face à Jake Gyllenhaal, nommé à l’Oscar du meilleur second rôle. Son portrait de Casanova dans CASANOVA de Lasse Hallström a été très applaudi. Il est ensuite retourné en Australie pour tourner CANDY de Neil Armfield, avec Geoffrey Rush, dans lequel il incarne un poète drogué. Il a ensuite été un des Bob Dylan du film de Todd Haynes I’M NOT THERE, avant d’incarner un impressionnant Joker dans le film de Christopher Nolan THE DARK KNIGHT LE CHEVALIER NOIR face à Christian Bale. Il a reçu à titre posthume l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle. JOHNNY DEPP Tony Charismatique et singulier, Johnny Depp est l'un des acteurs les plus populaires du cinéma contemporain. Il a déjà joué sous la direction de Terry Gilliam dans LAS VEGAS PARANO et dans THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE, resté inachevé. Il est mondialement célèbre pour être Jack Sparrow, héros de PIRATES DES CARAIBES LA MALEDICTION DU BLACK PEARL, PIRATES DES CARAIBES LE SECRET DU COFFRE MAUDIT et PIRATES DES CARAIBES JUSQU’AU BOUT DU MONDE de Gore Verbinski. Il a été nommé pour le premier film à l’Oscar, au Golden Globe et au BAFTA Award et a remporté le Screen Actors Guild Award, et a été à nouveau nommé au Golden Globe pour le second. Né en 1963 à Owensboro, dans le Kentucky, Johnny Depp passe sa jeunesse en Floride où il se montre très tôt passionné de musique. Il fait partie d’un groupe rock nommé Kids, avec lequel il part à Los Angeles. Lorsque le groupe se sépare, il se tourne vers le métier d’acteur. Il tient son premier rôle majeur en 1984 dans LES GRIFFES DE LA NUIT de Wes Craven. Il joue par la suite dans le téléfilm Slow Burn » et dans PLATOON d’Oliver Stone avant de devenir un favori des téléspectateurs dans le rôle de l’officier Tom Hanson dans la très populaire série 21 Jump Street ». Il sera durant quatre saisons la vedette de la série avant de revenir vers le grand écran avec le rôle principal du film de John Waters CRY BABY. Son émouvant personnage de la fable fantastique de Tim Burton EDWARD AUX MAINS D’ARGENT l’impose en 1990 aussi bien auprès des critiques que du public et lui vaut une citation au Golden Globe du meilleur acteur. Il joue ensuite dans LA FIN DE FREDDY L’ULTIME CAUCHEMAR de Rachel Talalay et ARIZONA DREAM d’Emir Kusturica, avec Jerry Lewis et Faye Dunaway. En 1993, il obtient une seconde citation au Golden Globe pour BENNY & JOON de Jeremiah Chechik, dont il partage la vedette avec Aidan Quinn et Mary Stuart Masterson. Il joue aussi dans GILBERT GRAPE de Lasse Hallström. Il retrouve ensuite Tim Burton pour ED WOOD, qui lui vaut sa troisième citation au Golden Globe du meilleur acteur. Il est salué en 1995 pour ses prestations dans DEAD MAN, dans lequel il est dirigé par Jim Jarmusch, DON JUAN DE MARCO de Jeremy Leven avec Marlon Brando et Faye Dunaway, et MEURTRE EN SUSPENS de John Badham avec Christopher Walken. Il sera sacré 30 Meilleur acteur de sa génération après son interprétation dans DONNIE BRASCO de Mike Newell, avec Al Pacino, en 1997. A cette époque, Johnny Depp passe derrière la caméra pour réaliser THE BRAVE, qu’il coécrit avec son frère Depp d’après le roman de Gregory McDonald. Le film est présenté au Festival de Cannes 1997. Il en est l’interprète aux côtés de Marlon Brando. A sa filmographie viennent s’ajouter LAS VEGAS PARANO de Terry Gilliam, d’après le roman de Hunter S. Thompson avec Benicio Del Toro, puis I LOVE de Mika Kaurismäki, LA NEUVIEME PORTE de Roman Polanski, INTRUSION de Rand Ravich. Tim Burton le dirige pour la troisième fois en 1999 dans SLEEPY HOLLOW LA LEGENDE DU CAVALIER SANS TETE, avec Christina Ricci, pour lequel il remporte le Blockbuster Entertainment Award du meilleur acteur. En 2000, Johnny Depp tourne THE MAN WHO CRIED de Sally Potter, avec John Turturro, et AVANT LA NUIT de Julian Schnabel. Il retrouve Lasse Hallström, sous la direction de qui il avait tourné GILBERT GRAPE, pour LE CHOCOLAT, avec Juliette Binoche. Johnny Depp a ensuite été l’interprète de BLOW de Ted Demme, avec Penelope Cruz, et de FROM HELL des frères Hughes, avec Heather Graham. L’année suivante, en 2003, il joue dans PIRATES DES CARAIBES LA MALEDICTION DU BLACK PEARL et dans IL ETAIT UNE FOIS AU MEXIQUE DESPERADO 2 de Robert Rodriguez avec Antonio Banderas et Salma Hayek. Johnny Depp est nommé à l’Oscar pour la deuxième fois, au Golden Globe, au Screen Actors Guild Award et au BAFTA Award pour son portrait de Barrie dans le film de Mark Forster NEVERLAND avec Kate Winslet et Freddie Highmore. On l’a vu également en 2004 dans FENETRE SECRETE de David Koepp, avec John Turturro et Maria Bello. En 2005, il a incarné Willy Wonka dans CHARLIE ET LA CHOCOLATERIE, qui marquait sa quatrième collaboration avec le réalisateur Tim Burton et lui a valu une nomination au Golden Globe du meilleur acteur, et a prêté sa voix à Victor, le héros des NOCES FUNEBRES, film également signé Burton nommé à l’Oscar 2005 du meilleur film d’animation. Dans un registre radicalement différent, il a incarné John Wilmot, poète du XVIIe siècle et comte de Rochester, dans ROCHESTER LE DERNIER DES LIBERTINS de Laurence Dunmore, avec John Malkovich et Samantha Morton. Il incarnait dernièrement le personnage-titre de SWEENEY TODD, LE DIABOLIQUE BARBIER DE FLEET STREET, son sixième film sous la direction de Tim Burton. Le film est tiré de la célèbre comédie musicale de Stephen Sondheim sur le démoniaque barbier assassin de Londres. Johnny Depp a obtenu sa troisième nomination à l’Oscar du meilleur acteur pour sa prestation. Il sera prochainement à l’affiche du nouveau film de Tim Burton, ALICE IN WONDERLAND dans le rôle du Chapelier fou, et de PUBLIC ENEMIES de Michael Mann. 31 COLIN FARRELL Tony Colin Farrell a joué dans plusieurs des films les plus remarqués de ces dernières années. Il était dernièrement à l’affiche du PRIX DE LA LOYAUTE de Gavin O’Connor avec Edward Norton, Jon Voight et Noah Emmerich, et partageait la vedette du film indépendant BONS BAISERS DE BRUGES, écrit et réalisé par Martin McDonagh, avec Brendan Gleeson et Ralph Fiennes, présenté au Festival de Sundance 2008. Il a tourné depuis le drame fantastique ONDINE sous la direction de Neil Jordan, et le thriller TRIAGE du réalisateur bosniaque Danis Tanovic. Né à Castleknock, en République d’Irlande, Colin Farrell est le fils de l’ancien footballeur Eamon Farrell et le neveu du footballeur Tommy Farrell - tous deux sont connus pour avoir joué dans l’équipe des Shamrock Rovers de l’Irish Football Club dans les années 60. Colin Farrell a étudié à la Gaiety School of Drama de Dublin. Avant même d’avoir achevé ses études, il a obtenu un rôle principal dans la minisérie de Deirdre Purcell Falling For a Dancer ». Il a ensuite tenu un rôle régulier dans la série de la BBC Ballykissangel », avant de faire ses débuts au cinéma en 1999 dans le premier film de Tim Roth, THE WAR ZONE, puis dans le film de gangsters de Thaddeus O’Sullivan ORDINARY DECENT CRIMINAL, avec Kevin Spacey. C’est Spacey qui a suggéré son nom pour le rôle après l’avoir vu dans In a Little World of Our Own » au Donmar Warehouse à Londres. Colin Farrell tourne son premier film américain avec TIGERLAND de Joel Schumacher, et remporte pour son interprétation le Boston Society of Film Critics Award du meilleur acteur. Il joue ensuite dans AMERICAN OUTLAWS de Les Mayfield. En 2002, il tourne trois films, MISSION EVASION de Gregory Hoblit, MINORITY REPORT de Steven Spielberg, avec Tom Cruise, pour lequel il est nommé à l’Empire Award du meilleur acteur, et PHONE GAME, pour lequel il retrouve Joel Schumacher. Il enchaîne avec LA RECRUE de Roger Donaldson, avec Al Pacino, et DAREDEVIL de Mark Steven Johnson, avec Ben Affleck. Il tient un petit rôle dans son troisième film avec Joel Schumacher, VERONICA GUERIN avec Cate Blanchett dans le rôle-titre, puis tourne – UNITE D’ELITE de Clark Johnson, avec Samuel L. Jackson, et INTERMISSION de John Crowley. En 2004, il est l’interprète de LA MAISON AU BOUT DU MONDE de Michael Mayer, d’après le roman de l’auteur lauréat du Pulitzer Michael Cunningham, et d’ALEXANDRE d’Oliver Stone. Il est ensuite le capitaine John Smith, héros du film écrit et réalisé par Terrence Malick LE NOUVEAU MONDE, avec Christopher Plummer et Christian Bale. Il a joué depuis dans DEMANDE A LA POUSSIERE de Robert Towne, MIAMI VICE - DEUX FLICS A MIAMI de Michael Mann et LE REVE DE CASSANDRE de Woody Allen, présenté au Festival de Venise 2007. 32 JUDE LAW Tony Jude Law a joué dernièrement dans LE LIMIER - SLEUTH de Kenneth Branagh face à Michael Caine, d’après Le Limier », la pièce d’Anthony Shaffer couronnée en 1971 par un Tony Award et adaptée au cinéma l’année suivante par Joseph L. Mankiewicz. Il était également l’un des producteurs du film. Il a joué aussi dans RAGE de Sally Potter. On le retrouvera dans le rôle du Dr. Watson aux côtés de Robert Downey Jr. dans le nouveau film de Guy Ritchie, SHERLOCK HOLMES. Jude Law a joué précédemment dans le premier film en anglais de Wong Kar Waï, MY BLUEBERRY NIGHTS, avec Norah Jones, qui a fait l’ouverture du Festival de Cannes 2007, et dans THE HOLIDAY de Nancy Meyers, sa première comédie romantique, aux côtés de Cameron Diaz, Kate Winslet et Jack Black. Il était auparavant la vedette de PAR EFFRACTION, écrit et réalisé par Anthony Minghella, aux côtés de Juliette Binoche et Robin Wright Penn. Il a été nommé au Golden Globe et à l’Oscar du meilleur second rôle pour un film de ce même réalisateur, LE TALENTUEUX MR. RIPLEY. Il a à nouveau été nommé à l’Oscar, du meilleur acteur cette fois, pour RETOUR A COLD MOUNTAIN, également réalisé par Anthony Minghella. Il a par ailleurs été salué pour ses interprétations dans STALINGRAD de JeanJacques Annaud, LES SENTIERS DE LA PERDITION de Sam Mendes avec Tom Hanks et Paul Newman, et INTELLIGENCE ARTIFICIELLE de Steven Spielberg. Né à Londres, Jude Law avait 12 ans lorsqu’il commença à étudier au National Youth Music Theatre. A 17 ans, il jouait dans la série britannique Families ». Il a entamé sa carrière sur scène dans la pièce de George Bernard Shaw Pygmalion » et s’est ensuite produit dans plusieurs pièces dans le West End et au National Theatre. Jude Law a fait ses débuts à Broadway face à Kathleen Turner et Eileen Atkins dans Indiscretions », version américaine des Parents terribles » de Jean Cocteau, pour laquelle il a remporté le Theatre World Award et une citation au Tony du meilleur second rôle. Il avait créé le rôle de Michael dans cette même pièce à Londres en 1994, où il avait remporté l’Ian Charleson Award du meilleur jeune comédien. Il a joué sous la direction de David Lan au Young Vic Theatre à Londres dans Tis Pity She’s a Whore » et a été salué pour sa prestation dans le rôle-titre de Dr. Faustus » de Christopher Marlowe. Jude Law a débuté au cinéma avec le rôle principal de The Crane », un court métrage réalisé pour le British Institute qui a été présenté dans le cadre du Festival du Film de Londres 1992. Il a ensuite partagé avec Sadie Frost la vedette de SHOPPING de Paul W. S. Anderson. Il s’est imposé par la suite dans une série de films américains dont BIENVENUE A GATTACA d’Andrew Niccol, avec Uma Thurman et Ethan Hawke, MINUIT DANS LE JARDIN DU BIEN ET DU MAL de Clint Eastwood, avec Kevin Spacey et John Cusack, et EXISTENZ de David Cronenberg avec Jennifer Jason Lee et Willem Dafoe. Il a reçu plusieurs prix pour son interprétation dans OSCAR WILDE de Brian Gilbert, dont le London Film Critics Circle Award et l’Evening Standard Award. On l’a vu en 2004 dans le film de Mike Nichols ENTRE ADULTES CONSENTANTS, où il jouait aux côtés de Julia Roberts, Natalie Portman et Clive 33 Owen, et dans CAPITAINE SKY ET LE MONDE DE DEMAIN de Kerry Conran, AVIATOR de Martin Scorsese et J’ADORE HUCKABEES de David O. Russell. Il a tenu également le rôle-titre de L’IRRESISTIBLE ALFIE de Charles Shyer et a prêté sa voix aux DESASTREUSES AVENTURES DES ORPHELINS BAUDELAIRE de Brad Silberling. Il a joué en 2006 dans LES FOUS DU ROI, écrit et réalisé par Steven Zaillian d’après le livre de Robert Penn Warren. En 2007, il a reçu un César d’honneur et a été nommé Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres pour sa contribution au 7e art. CHRISTOPHER PLUMMER Le Docteur Parnassus Christopher Plummer est considéré comme l’un des meilleurs acteurs classiques actuels. Son parcours l’a mené avec le même succès au théâtre, à la télévision et au cinéma. Il avait déjà tourné avec Terry Gilliam L’ARMEE DES 12 SINGES. Vétéran du grand écran, Christopher Plummer compte à sa filmographie plus d’une centaine de titres dont le film oscarisé LA MELODIE DU BONHEUR de Robert Wise en 1965, dans lequel il était le mémorable baron von Trapp, LA CHUTE DE L’EMPIRE ROMAIN d’Anthony Mann, DAISY CLOVER de Robert Mulligan, LA NUIT DES GENERAUX d’Anatole Litvak, LA BATAILLE D’ANGLETERRE de Guy Hamilton, WATERLOO de Sergueï Bondartchouk, LE RETOUR DE LA PANTHERE ROSE de Blake Edwards, L’HOMME QUI VOULUT ETRE ROI de John Huston, L’ARGENT DE LA BANQUE de Daryl Duke, MEURTRE PAR DECRET de Bob Clark, QUELQUE PART DANS LE TEMPS de Jeannot Szwarc, STAR TREK VI TERRE INCONNUE de Nicholas Meyer, MALCOLM X de Spike Lee, WOLF de Mike Nichols, DOLORES CLAIBORNE de Taylor Hackford. En 1999, il a joué dans le film de Michael Mann cité à l’Oscar REVELATIONS. Il a obtenu pour ce dernier le Boston Film Critics Award, le Los Angeles, le Las Vegas et le Chicago Film Critics Awards du meilleur second rôle, ainsi que le National Society of Film Critics Award. On l’a vu depuis dans DRACULA 2001 de Patrick Lussier, UN HOMME D’EXCEPTION de Ron Howard, ARARAT d’Atom Egoyan, NICHOLAS NICKLEBY de Douglas McGrath, BLIZZARD de LeVar Burton, LA GORGE DU DIABLE de Mike Figgis. En 2004, il est John Adam Gates dans BENJAMIN GATES ET LE TRESOR DES TEMPLIERS de Jon Turteltaub avec Nicolas Cage. L’année suivante, il interprète Aristote dans ALEXANDRE d’Oliver Stone. Il tourne ensuite LA MAIN AU COLLIER de Gary David Goldberg, et SYRIANA de Stephen Gaghan, puis joue le capitaine Newport dans LE NOUVEAU MONDE de Terrence Malick, avec Colin Farrell. En 2006, il a tourné ENTRE DEUX RIVES d’Alejandro Agresti et INSIDE MAN, L’HOMME DE L’INTERIEUR de Spike Lee. Christopher Plummer est né à Toronto. Petit-fils de l’ancien Premier Ministre canadien, Sir John Abbott, il suit une formation de pianiste concertiste avant de décider de devenir comédien. Il fait ses premiers pas sur la scène des théâtres canadiens à la fin des années 40. C’est Edward Everett Horton qui le pousse à s’installer aux Etats-Unis en lui confiant un rôle principal dans la tournée nationale de 34 la pièce d’André Roussin, Nina ». Il fera ensuite ses débuts à New York en 1954, jouant notamment à Broadway comme partenaire d’Eva Le Gallienne dans The Starcross Story ». Il devient une véritable star au cours des années suivantes en jouant différentes pièces dans les plus grands théâtres de Broadway et du West End de Londres. Citons entre autres L’alouette » de Jean Anouilh, Arturo Ui » de Bertolt Brecht, », d’après l’œuvre d’Archibald Mac Leish, lauréat du prix Pulitzer, mise en scène par Elia Kazan, The Royal Hunt of the Sun » de Peter Shaffer, The Good Doctor » de Neil Simon, Danton’s Death » de Buchner, Amphytrion 38 » de Giraudoux. Comédien vedette du London’s National Theatre, de la Royal Shakespeare Company et du Stratford Festival of Canada, Christopher Plummer a incarné la quasitotalité des grands personnages du théâtre classique dont Hamlet, Henry V, Benedict, Richard III, Marc Antoine, Danton, Cyrano, le roi Œdipe, Oreste et Agamemnon. Au cours de sa longue carrière, Christopher Plummer a reçu de très nombreuses distinctions dont le prix de l’Evening Standard britannique, un Drama Desk Award, deux Tony Awards pour Cyrano » et Barrymore » à Broadway, deux Emmy Awards, et le Génie Award canadien. Il a été le premier à recevoir le Maple Leaf Award des Arts et Lettres décerné par son pays natal. C’est son brillant palmarès théâtral et son triomphe dans l’ambitieuse adaptation d’ Hamlet » à la télévision anglaise qui lui permettront de jouer, en 1958, dans son premier film il sera l’écrivain des FEUX DU THEATRE de Sidney Lumet, avant d’incarner la même année l’idéaliste défenseur des oiseaux de LA FORET INTERDITE de Nicholas Ray. Il a été fait Compagnon de l’Ordre du Canada par la reine Elizabeth II en 1968. Il compte de nombreuses autres distinctions et a notamment été nommé membre honoraire de la Julliard School de New York. Il est entré en 1986 au Theatre’s Hall of Fame. ANDREW GARFIELD Anton Andrew Garfield est né aux Etats-Unis et s’est installé en Angleterre, dans le Surrey, quand il était enfant. Il s’est formé à la Central School of Speech and Drama à Londres, dont il a obtenu son diplôme en juillet 2004. Connu surtout pour ses prestations au théâtre, il a fait avec LIONS ET AGNEAUX ses débuts dans une production internationale, sous la direction de Robert Redford, aux côtés de Tom Cruise et Meryl Streep. Il a joué depuis dans BOY A de John Crowley, adapté par Mark O’Rowe du roman couronné de Jonathan Trigell. Il y tenait le rôle principal, celui d’un jeune homme de 24 ans qui sort de prison où il a passé la plus grande partie de sa vie. Il y avait pour partenaires Peter Mullen et Shaun Evans. Le film a été présenté au Festival du Film de Toronto 2007 et a participé au London Film Festival 2008. Andrew Garfield a obtenu le BAFTA Award du meilleur acteur pour son interprétation. On l’a retrouvé ensuite dans DEUX SŒURS POUR UN ROI de Justin Chadwick. 35 Au cours de son impressionnante carrière au théâtre, Andrew Garfield a obtenu plusieurs prix dont le Milton Shulman Award de l’Evening Standard britannique pour The Overwhelming » et Chatromm/Burn/Citizenship » au Royal National Theatre, le Jack Tinker Award du meilleur jeune comédien décerné par le Critics Circle pour Beautiful Thing », The Overwhelming » et Chatromm/Burn/Citizenship », et le Manchester Evening New Theatre Award du meilleur jeune comédien pour Kes ». VERNE TROYER Percy Acteur et cascadeur, Verne Troyer a joué dans plusieurs films et productions télévisées. Mesurant 0,81 m, il était Mini-Moi auprès de Mike Myers dans AUSTIN POWERS L’ESPION QUI M’A TIREE et AUSTIN POWERS DANS GOLDMEMBER de Jay Roach. Il a retrouvé récemment Mike Myers dans LOVE GOUROU de Marco Schabel, dans lequel il jouait le coach d’une équipe de hockey sur glace canadienne. Il a joué également dans HARRY POTTER A L’ECOLE DES SORCIERS de Chris Columbus, INSTINCT de Jon Turteltaub, LAS VEGAS PARANO de Terry Gilliam, MY GIANT de Michael Lehmann, MON AMI JOE de Ron Underwood, WISHMASTER de Robert Kurtzman, ROCKET MAN de Stuart Gillard, VOLCANO de Mick Jackson, LA COURSE AU JOUET de Brian Levant, MEN IN BLACK de Barry Sonnenfeld et L’ILE DU DOCTEUR MOREAU de John Frankenheimer. Né au Texas, où il a passé sa jeunesse, il n’avait pas envisagé une carrière dans le spectacle, mais sa rencontre avec le coordinateur des cascades Freddie Fields en a décidé autrement celui-ci l’a convaincu de rejoindre l’équipe de cascadeurs d’un film de John Hughes. Il fera ses débuts au cinéma en 1994 dans BEBE PART EN VADROUILLE de Patrick Read Johnson, où il était la doublure cascades d’un bébé de neuf mois. Il a joué pour la télévision dans les séries Dark Skies » et The Watcher ». LILY COLE Valentina Lily Cole est née en Angleterre, à Torquay, dans le comté du Devon, et a grandi à Londres. Elle n’avait que 14 ans quand un chercheur de talents de Storm Models l’a repérée dans une rue de Soho. Elle a alors été engagée par l’agence qui a compté des clientes comme Kate Moss et Cindy Crawford. Lorsque Steven Meisel l’a photographiée pour la version italienne de Vogue en 2003, sa carrière a pris son essor. Elle est devenue depuis un des visages les plus connus du monde. Elle étudie l’histoire des arts au King’s College. Elle s’investit dans plusieurs associations de défense de l’environnement et de soutien des enfants défavorisés. 36 Elle a fait ses débuts au cinéma en 2007 dans le rôle de l’écolière Polly dans la comédie ST TRINIAN’S d’Oliver Parker et Barnaby Thompson et a joué depuis dans RAGE de Sally Potter avec Jude Law, Judy Dench et Steve Buscemi. TOM WAITS Mr. Nick Au cours d’une carrière qui a débuté il y a plus d’une quarantaine d’années, l’acteur-compositeur Tom Waits s’est consacré aussi bien à la musique qu’au théâtre, au cinéma, aux concerts et à la littérature. Il est réputé pour ses orchestrations et ses arrangements et l’éclectisme de ses domaines musicaux il est en effet aussi à l’aise dans la country que dans le jazz, le blues, la musique de cabaret, la valse, le gospel ou la polka…. Il a enregistré plus d’une vingtaine d’albums dont, parmi les plus récents, Alice » et Blood Money », et a joué dans autant de films. Tom Waits commence à composer et jouer dans sa ville natale, Los Angeles. Repéré par le producteur Herb Cohen, il sort son premier album en 1972, déjà atypique par son mélange de folk, blues et jazz. C’est en 1979 qu’il fait sa première apparition à l’écran, dans LA TAVERNE DE L’ENFER de Sylvester Stallone. Il travaille ensuite régulièrement avec Francis Coppola il joue dans OUTSIDERS, RUSTY JAMES, COTTON CLUB et compose la musique de COUP DE CŒUR, qui lui vaut une nomination aux Oscars. Il le retrouvera comme acteur sur DRACULA. Dans les années 80, Tom Waits enregistre trois albums unanimement salués par la critique Swordfishtrombones », Rain Dogs » et Frank’s Wild Years ». En 1986, il écrit en collaboration avec Kathleen Brennan une pièce tirée de ce dernier album pour le Chicago Steppenwolf Theater. Il est remarqué la même année pour son rôle dans la comédie-culte de Jim Jarmusch, DOWN BY LAW, dont il signe également la musique. Il joue ensuite dans LA FORCE DU DESTIN d’Hector Babenco, CANDY MOUNTAIN de Robert Frank, COLD FEET de Robert Dornhelm, DE L’AUTRE COTE DE MANHATTAN de Steve Rash, et dans un film tiré de ses concerts, BIG TIME. Il se produit au Los Angeles Theatre Center dans la pièce Demon Wine », qui lui vaudra un Dramalogue Award, puis revient au grand écran avec EN LIBERTE DANS LES CHAMPS DU SEIGNEUR d’Hector Babenco. Il met ensuite à nouveau ses talents de musicien au service de Jim Jarmusch pour UNE NUIT SUR TERRE. A sa filmographie en tant qu’acteur viendront s’ajouter SHORT CUTS de Robert Altman, et MYSTERY MEN de Kinka Usher. Il a retrouvé Jim Jarmusch pour COFFEE AND CIGARETTES. Il a joué par la suite dans DOMINO de Tony Scott. En 1991, il a joué un vétéran handicapé dans FISHER KING de Terry Gilliam et a écrit et interprété la chanson The Earth Died Screaming » pour L’ARMEE DES 12 SINGES. Ses chansons ont illustré des films comme DERNIERES HEURES A DENVER de Gary Fleder, SMOKE de Wayne Wang, FIGHT CLUB de David Fincher, AU NOM D’ANNA d’Edward Norton, HELLBOY de Guillermo Del Toro ou SHREK 2 d’Andrew Adamson. L’opéra aussi a bénéficié des multiples talents de cet artiste, qui a notamment collaboré avec le metteur en scène Robert Wilson et l’écrivain William Burroughs 37 pour The Black Rider ». Il a également travaillé avec Wilson sur Alice in Wonderland ». A l’été 2008, sa tournée Glitter and Doom Tour a connu un grand succès aux Etats-Unis et en Europe. 38 DERRIERE LA CAMERA TERRY GILLIAM Réalisateur, producteur et scénariste Né à Minneapolis, aux Etats-Unis, Terry Gillliam est d’abord illustrateur de magazines, tout en travaillant de temps à autre dans un studio d’animation. En 1967, il s’installe à Londres. Deux ans plus tard, il crée avec Terry Jones, Mike Palin, Eric Idle, John Cleese et Graham Chapman le célébrissime groupe de comédienshumoristes, Monty Python. Il en est le seul membre américain. Il est le scénariste et l’animateur des séquences animées de la série culte The Monty Python’s Flying Circus », et y participe à l’occasion comme acteur. En 1975, après le court métrage The Miracle of Flight », Terry Gilliam coécrit et coréalise avec Terry Jones son premier long métrage parodique, MONTY PYTHON, SACRE GRAAL !, puis coécrit et signe seul la réalisation de JABBERWOCKY en 1977 où l’on retrouve sa facette fantaisiste et hors norme. Il coécrit LA VIE DE BRIAN de Terry Jones, puis coécrit, réalise et produit BANDITS, BANDITS en 1981, le voyage surréaliste à travers l’Histoire d’un jeune garçon et de plusieurs employés divins en rébellion. L’un des interprètes est John Cleese. Après avoir réalisé The Crimson Permanent Assurance », le prologue de MONTY PYTHON, LE SENS DE LA VIE, il signe ce que beaucoup considèrent comme un chef-d’œuvre, BRAZIL, fable visionnaire sociale surréaliste mêlant humour sarcastique et visions de cauchemar, qu’il définit lui-même comme la rencontre de Frank Capra et de Franz Kafka ». Il y dirige Robert De Niro et Jonathan Pryce. Outre des critiques dithyrambiques et un Los Angeles Film Critics Award du meilleur film, il obtient une citation à l’Oscar du meilleur scénario original. Trois ans plus tard, en 1988, il coécrit et réalise le film fantastico-historique LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN, avec John Neville, Eric Idle, Sarah Polley, Oliver Reed et Sting. Suivra FISHER KING, LE ROI PECHEUR avec Jeff Bridges, fable contemporaine qui lui vaut d’être nommé au Golden Globe du meilleur réalisateur. Le film remporte aussi le Lion d’argent au Festival de Venise. En 1995, Gilliam réalise le film épique de science-fiction L’ARMEE DES 12 SINGES, présenté au Festival de Berlin. Il réalise ensuite LAS VEGAS PARANO, dont il cosigne le scénario, adapté du roman de Hunter S. Thompson de 1971. Il y dirige Johnny Depp et Benicio Del Toro. Le film est présenté en compétition au Festival de Cannes 1998. En 2000, Terry Gilliam entame le tournage du film dont il rêve depuis des années, THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE, pour lequel il retrouve Johnny Depp et Jean Rochefort. Malheureusement, suite à une série d’avaries et d’accidents, le tournage est interrompu au bout d’une semaine. Cette terrible expérience donnera naissance à un remarquable documentaire, LOST IN LA MANCHA, réalisé par Keith Fulton. En 2003, Terry Gilliam a réalisé LES FRERES GRIMM, dans lequel il dirigeait Matt Damon et Heath Ledger. Il a depuis coécrit et réalisé le drame fantastique TIDELAND avec Jeff Bridges, Jodelle Ferland et Janet McTeer. 39 WILLIAM VINCE Producteur William Vince était fondateur et président de la société Infinity Media, Inc., basée à Vancouver. Il est décédé à l’âge de 44 ans des suites d’une longue maladie, le 21 juin 2008, peu après la fin du tournage de L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS. Il avait financé, produit ou coproduit plus d’une quarantaine de films, dont TRUMAN CAPOTE de Bennett Miller avec Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener et Clifton Collins Jr.. Le film a été nommé à cinq Oscars dont celui du meilleur film, et a valu à Philip Seymour Hoffman la statuette du meilleur acteur. On lui doit aussi la franchise à succès AIR BUD, qui a débuté en 1997 avec BUDDY, STAR DES PANIERS de Charles Martin Smith. Pendant 18 ans, il a travaillé dans la garantie de bonne fin et a ainsi acquis une expertise technique dans tous les aspects de la gestion financière d’un film. Il a dernièrement produit le thriller de science-fiction de Paul McGuigan PUSH, sur lequel Amy Gilliam était créditée pour la première fois comme productrice et STONE OF DESTINY de Charles Martin Smith, qui a fait la clôture du Festival de Toronto 2008. Il a produit également des films comme LE CHANTAGE de Mike Barker, la comédie romantique JUST FRIENDS de Roger Kumble, RIPLEY UNDER GROUND de Roger Spottiswoode, avec Barry Pepper, Tom Wilkinson et Willem Dafoe, SAVED ! de Brian Dannelly, et THE SNOW WALKER de Charles Martin Smith. AMY GILLIAM Productrice Amy Gilliam est née à Londres et a étudié le graphisme à la Central Saint Martins School of Art. Lorsqu’elle a 18 ans, son père, Terry Gilliam, l’engage comme assistante costumière sur LAS VEGAS PARANO. Désirant dès lors faire carrière dans le cinéma, Amy convainc le directeur de la photo Roger Pratt de la prendre comme stagiaire caméra sur LA FIN D’UNE LIAISON de Neil Jordan, LES 102 DALMATIENS de Kevin Lima, LE CHOCOLAT de Lasse Hallström et IRIS de Richard Eyre. Après cinq ans de collaboration avec des directeurs photo comme Adrian Biddle, Nicola Pecorini et Peter Sova, Amy Gilliam rejoint l’équipe de LARA CROFT TOMB RAIDER LE BERCEAU DE LA VIE comme assistante réalisation de Jan De Bont. Elle sera assistante de production ou de réalisation sur des films comme YOUNG ADAM de David Mackenzie, HARRY POTTER ET LE PRISONNIER D’AZKABAN d’Alfonso Cuaron et CAPITAINE SKY ET LE MONDE DE DEMAIN de Kerry Conran, sur lequel elle sera aussi doublure d’Angelina Jolie. Elle rejoint son père comme chargeur clappeur sur THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE, puis comme assistante réalisatrice sur LES FRERES GRIMM et TIDELAND. Elle occupe le même poste auprès de Katja von Garnier sur BLOOD AND CHOCOLATE et auprès de Paul McGuigan sur GANGSTER N°1. 40 SAMUEL HADIDA Producteur Producteur, distributeur, Samuel Hadida est l’une des personnalités les plus influentes et les plus respectées du cinéma. A Paris, il dirige avec son frère Victor la société Metropolitan Filmexport, qu’ils ont créée avec leur père David au début des années 80. Metropolitan est depuis devenue la première société française indépendante de distribution de films en langue anglaise. Sous cette bannière ont été distribués de très nombreux films à succès. A partir de cette remarquable expérience en matière de distribution et de marketing, franchir le pas et devenir producteur de ses propres films était donc pour lui une évolution naturelle. Samuel Hadida a découvert et produit le premier scénario de Quentin Tarantino, TRUE ROMANCE, signant sa première collaboration avec Tony Scott, qui réalise le film. Samuel Hadida produit et coproduit à présent plusieurs films par an à travers Davis Films, la société de production qu’il possède et dirige avec son frère. Ses productions comprennent des fleurons du cinéma français, des productions et coproductions européennes, et des productions américaines. Plus récemment, il a produit SILENT HILL, de Christophe Gans, et DOMINO, de Tony Scott, avec Keira Knightley et Mickey Rourke. Il a aussi produit la série des RESIDENT EVIL, LE PONT DU ROI SAINT LOUIS, avec Robert de Niro, et le thriller EL AURA, de Fabian Bielinsky. Il a aussi été co-producteur exécutif de GOOD NIGHT AND GOOD LUCK, de George Clooney, nommé aux Oscar. Samuel Hadida entretient une collaboration suivie avec le scénariste et réalisateur Roger Avary, dont KILLING ZOE et SILENT HILL sont la preuve. Il a pour habitude d’entretenir des relations sur le long terme, comme avec Christophe Gans, dont il a produit le premier film, puis le PACTE DES LOUPS, succès phénoménal au box office, et enfin SILENT HILL. Parmi les autres productions de Samuel Hadida figurent le thriller psychologique de David Cronenberg SPIDER, avec Ralph Fiennes et Miranda Richardson, LA LOI DU PLUS FORT de Sheldon Lettich, le premier film d’arts martiaux sur la Capoeira, qui a révélé Mark Dacascos et la fameuse chanson Zoom Zoom Zoom », désormais célèbre grâce aux publicités pour les voitures Mazda, DANCING AT THE BLUE IGUANA de Michael Radford, PINOCCHIO, le film de Steve Barron avec Martin Landau, un des premiers films mêlant images de synthèse et réelles, FREEWAY de Matthew Bright, libre adaptation du Petit Chaperon Rouge coproduite avec Oliver Stone et offrant son premier rôle à Reese Witherspoon, qui a remporté le Grand Prix du Festival de Cognac et NIRVANA, de Gabriele Salvatores, présenté au Festival de Cannes. Parallèlement à L’IMAGINARIUM DU DOCTEUR PARNASSUS, Samuel a cette année aussi produit SOLOMON KANE, la première adaptation des romans pulp de Robert E. Howard, créateur de Conan Le Barbare, écrit et réalisé par Michael J. Bassett, avec James Purefoy. Prochainement, Samuel Hadida portera au grand écran la célèbre franchise du jeu vidéo RETURN TO CASTLE WOLFENSTEIN, avec Roger Avary, et produira la suite de SILENT HILL. 41 VICTOR HADIDA Producteur exécutif Victor Hadida gère Metropolitan Filmexport, devenu en février 2007 la première société indépendante européenne, selon l'Observatoire européen de l'Audiovisuel. Aujourd’hui Président de la société, il travaille sous la bannière Metropolitan avec son frère Samuel depuis trente ans, et ce depuis l’obtention de son diplôme de commerce et d’affaires internationales. En juillet 2006, Victor Hadida a été élu à l’unanimité Président de la Fédération Nationale des Distributeurs de films, qui représente plus de 70 sociétés en France. L’année suivante, Victor Hadida a aussi été élu Président de la Fédération Internationale des Distributeurs de films, qui regroupe les organisations nationales de distributeurs de films de 12 pays, comprenant plus de 275 sociétés en activité. Il assure également pour l’année 2009 la présidence du Bureau de Liaison des Industries Cinématographiques BLIC. Dans ces différentes positions, il œuvre pour les intérêts communs de la distribution, et plus généralement, de la filière du cinéma. Le parcours de Victor s’apparente à une volonté de découverte et d’ouverture vers tous les cinémas du monde ; de l'Asie, avec les films de John Woo et Park Chan Wook, à l’Amérique latine, avec ceux de Fabian Bielinsky. Ses paris sont risqués, avec la distribution de premières œuvres, comme CUBE de Vincenzo Natali, ou avec des films du cinéma indépendant américain tels MONSTER de Patty Jenkins ou COLLISION de Paul Haggis, A HISTORY OF VIOLENCE et LES PROMESSES DE L’OMBRE de David Cronenberg, sans oublier des films d’auteurs aux sujets controversés ou délicats, comme MAGNOLIA de Paul Thomas Anderson, AMERICAN HISTORY X de Tony Kaye, A L’OMBRE DE LA HAINE de Marc Forster, et HOTEL RWANDA de Terry George. Les choix de Victor laissent aussi une place importante au divertissement, notamment avec des films cultes comme les AUSTIN POWERS ou la série des RUSH HOUR, tout comme au cinéma genre et d'action, et ce depuis toujours, avec des films comme ASSAUT SUR LE CENTRAL 13, de Jean François Richet, ou L’ARMEE DES MORTS de Zack Snyder, présenté en sélection au Festival de Cannes. Mais s'il devait rester un film emblématique du travail effectué par Victor Hadida au sein de Metropolitan Filmexport, ce serait sans aucun doute l'adaptation du chef-d'œuvre de Tolkien, LE SEIGNEUR DES ANNEAUX, réalisé par Peter Jackson, qui a connu à la fois un succès public et critique. Victor est aussi pionnier dans le domaine du cinéma numérique, un terrain d’expérimentation des nouvelles technologies important pour attirer un public toujours plus large, comme l’a prouvé le succès de VOYAGE AU CENTRE DE LA TERRE. Victor Hadida a depuis été le producteur exécutif de SOLOMON KANE, de Michael Bassett. 42 CHARLES McKEOWN Scénariste Charles McKeown a fait ses études à l’école de théâtre du Bristol Old Vic et a été acteur dans de nombreuses séries télévisées et dans des films dont Fawlty Towers, l’hôtel en folie », LA VIE DE BRIAN de Terry Jones, Ripping Yarns » et BANDITS, BANDITS de Terry Gilliam. En 1985, il a été nommé à l’Oscar avec Terry Gilliam et Tom Stoppard pour leur scénario original pour BRAZIL, réalisé par Gilliam. Trois ans plus tard, Gilliam et McKeown écrivaient LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN, conte fantastique sur les aventures d’un aristocrate européen imaginaire du XVIIe siècle qui a été cité à quatre Oscars. Charles McKeown a par ailleurs coécrit le scénario du film de Jake Scott GUNS 1748, sur deux voleurs du XVIIIe siècle, puis a cosigné avec la réalisatrice Liliana Cavani l’adaptation du roman de Patricia Highsmith RIPLEY’S GAME. Il vit à présent en Italie et continue à l’occasion à jouer dans des films ou des séries. NICOLA PECORINI Directeur de la photographie Né en Italie, à Milan, Nicola Pecorini a d’abord été assistant de grands photographes de mode tels qu’Oliviero Toscani, Marc Platt ou Patrick Demarchelier. Il quitte ensuite le monde de la mode et part pour la Suisse où il devient caméraman pour la télévision. Il couvre les actualités, le sport, travaille sur des documentaires et des reportages sociopolitiques. En 1981, il suit une formation à la Steadicam dispensée par son inventeur, Garret Brown, en Californie, et devient rapidement l’un des steadicamers les plus recherchés du cinéma. Il a contribué au développement de cette technologie, a enseigné dans le cadre d’une vingtaine d’ateliers Steadicam et a cofondé la Steadicam Operators Association en 1988 avec Garret Brown. Au début des années 80, il a tourné dans le monde entier comme steadicamer auprès de réalisateurs comme Bernardo Bertolucci sur LE DERNIER EMPEREUR ou Roman Polanski pour LUNES DE FIEL. Il a ensuite retrouvé Bertolucci sur UN THE AU SAHARA, LITTLE BUDDHA et BEAUTE VOLEE, et Polanski sur LA JEUNE FILLE ET LA MORT. L’un de ses premiers films comme directeur de la photo a été LAS VEGAS PARANO de Terry Gilliam. Il a retrouvé par la suite le réalisateur sur THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE et LES FRERES GRIMM, comme directeur de la photo additionnelle, puis sur TIDELAND comme directeur de la photo. Il a par ailleurs été le directeur photo de L’ENFER DU DEVOIR de William Friedkin, HARRISON’S FLOWERS, LES FLEURS D’HARRISON d’Elie Chouraqui et LE PURIFICATEUR de Brian Helgeland. 43 MICK AUDSLEY Chef monteur Mick Audsley a précédemment collaboré avec Terry Gilliam sur L’ARMEE DES 12 SINGES. Né à Londres, il possède une solide formation académique et a fait des études de cinéma au Hornsey College pendant trois ans, suivies de trois années supplémentaires au Royal College of Art. Il a commencé au milieu des années 70 sur de petits films pour le British Film Institute. Mick Audsley a monté cinq films pour Mike Newell, UN CRIME POUR UNE PASSION, SOURSWEET, LE SOURIRE DE MONA LISA, HARRY POTTER ET LA COUPE DE FEU et dernièrement, L’AMOUR AUX TEMPS DU CHOLERA. Il a été le collaborateur de Stephen Frears à douze reprises, notamment sur MY BEAUTIFUL LAUNDRETTE, LES ARNAQUEURS et plus récemment THE VAN, HIGH FIDELITY et DIRTY PRETTY THINGS, LOIN DE CHEZ EUX dont il était aussi réalisateur de la deuxième équipe. Il a remporté le BAFTA Award du meilleur montage pour THE SNAPPER et a été cité pour LES LIAISONS DANGEREUSES. On lui doit par ailleurs le montage de HEROS MALGRE LUI, PRICK UP et SAMMY ET ROSIE S’ENVOIENT EN L’AIR. Mick Audsley a monté deux films pour Neil Jordan, NOUS NE SOMMES PAS DES ANGES et ENTRETIEN AVEC UN VAMPIRE. Il est aussi le monteur du premier film de Philippe Rousselot comme réalisateur, LE BAISER DU SERPENT. Il a monté également COMRADES et MON RETOUR de Bill Douglas. Il a rencontré John Madden en remplaçant un ami malade pour achever le montage de SHAKESPEARE IN LOVE et a ensuite monté pour lui CAPITAINE CORELLI et, en 2008, KILLSHOT. DAVID WARREN Direction artistique et décors originaux David Warren a étudié au Gloucester College of Art & Technology et à l’Université du Middlesex avant de faire ses débuts professionnels comme illustrateur freelance. Il a commencé à travailler dans l’industrie cinématographique au sein du département artistique auprès de décorateurs de légende tels que Dante Ferretti, Roy Walker et John Box. Il est dessinateur sur EVITA d’Alan Parker puis directeur artistique dans l’équipe maquette sur HAMLET de Kenneth Branagh. Parmi les premiers films sur lesquels il travaille figurent aussi THE SLAB BOYS de John Byrne et PERDUS DANS L’ESPACE de Stephen Hopkins. Côté télévision, il a travaillé sur plusieurs épisodes de The Vice » et South Park » et depuis 2000, il a été directeur artistique ou superviseur artistique de longs métrages comme LE JOURNAL DE BRIDGET JONES de Sharon Maguire et sa suite, BRIDGET JONES L’AGE DE RAISON réalisée par Beeban Kidron, IRIS de Richard Eyre, JOHNNY ENGLISH de Peter Howitt, CAPITAINE SKY ET LE MONDE DE DEMAIN de Kerry Conran, AEON FLUX de Karyn Kusama, SUNSHINE de Danny Boyle, 10 000 de Roland Emmerich et SWEENEY TODD, LE DIABOLIQUE BARBIER DE FLEET STREET de Tim Burton. 44 Au début de sa carrière, il a été maquettiste durant la préproduction d’un projet de Terry Gilliam resté inachevé, THE DEFECTIVE DETECTIVE. ANASTASIA MASARO Chef décoratrice Anastasia Masaro est une chef décoratrice canadienne qui a près de quinze ans d’expérience dans l’industrie cinématographique. Elle a étudié la décoration intérieure, l’histoire de l’art et la photographie avant de s’intéresser à la création de décors. Elle a fait partie du département décoration de CUBE de Vincenzo Natali et a été directrice artistique de plusieurs téléfilms et séries avant d’être créditée pour la première fois comme chef décoratrice sur un long métrage cinéma avec NOTHING de Vincenzo Natali. Elle a travaillé ensuite sur HONEY de Bille Woodruff, SHOW ME de Cassandra Nicolau comme chef décoratrice, L’HOMME PARFAIT de Mark Rosman et DEAD SILENCE de James Wan. Sa première collaboration avec Terry Gilliam s’est déroulée sur TIDELAND en 2005, comme directrice artistique. MONIQUE PRUDHOMME Chef costumière Cela fait trente ans que Monique Prudhomme dessine des costumes pour la publicité, la télévision et le cinéma. Née à Montréal, diplômée de l’Ecole des BeauxArts de l’université du Québec, licenciée en arts et en enseignement des arts, elle a commencé sa carrière en 1978. Elle a débuté dans le métier en portant les livres de Louis Jobin, un décorateur et costumier canadien très réputé. Elle a dessiné les costumes de très nombreuses émissions de télévision, dont les téléfilms L’ombre d’un doute », Love Is Never Silent », qui a remporté deux Emmy Awards, The Christmas Snow » avec Sid Caesar et Katherine Helmond, The Room Upstairs » avec Sam Waterston, Stockard Channing et Linda Hunt et la mini-série ÇA », d’après Stephen King, ainsi que The Crow Stairway to Heaven», Nick Fury », Sleepwalkers », Fire on the Mountain », Abduction of Innocence ». Elle a aussi créé ceux de 5 Days to Midnight », A Christmas Secret », First Target », The Linda McCartney Story », Futuresport », Rose Hill » et And the Sea Will Tell ». Parmi ses films figurent BETES DE SCENE de et avec Christopher Guest, avec Eugene Levy et Catherine O’Hara, pour les costumes duquel elle a été saluée par l’American Film Institute, ainsi que LIZZIE McGUIRE de Jim Fall, CHIENS DES NEIGES de Brian Levant, TRIXIE d’Alan Rudolph avec Nick Nolte, Emily Watson et Leslie Ann Warren, ALASKA et LE BAZAAR DE L’EPOUVANTE de Fraser C. Heston, SOUVENIRS DE L’AU-DELA de Brett Leonard avec Jeff Goldblum et L’HISTOIRE SANS FIN III de Peter McDonald. Elle a également travaillé sur BLESSURES SECRETES de Michael Caton-Jones, LE SOUFFRE-DOULEUR de Steve Miner avec Tom Arnold et Rick Moranis, et 45 IMMEDIATE FAMILY de Jonathan Kaplan avec James Woods. Elle a plus récemment créé les costumes de FINAL CUT, écrit et réalisé par Omar Naïm, FIERCE PEOPLE de Griffin Dunne, NEVERWAS de Joshua Michael Stern, THE FOG de Rupert Wainwright. Elle a été nommée à l’Excellence in Contemporary Costume Design Award de la Costume Designer’s Guild pour son travail sur JUNO de Jason Reitman. Elle vient d’achever son travail sur CASE 39 de Christian Alvart. SARAH MONZANI Création des coiffures et des maquillages Sarah Monzani est une maquilleuse oscarisée qui s’est formée à la télévision, où elle a appris les bases de l’utilisation de la couleur et l’application et l’identification des différents styles de maquillage. Elle a fait des débuts remarqués au cinéma en travaillant sur BUGSY MALONE d’Alan Parker, qu’elle a retrouvé sur MIDNIGHT EXPRESS, EVITA, pour lequel elle a été nommée au BAFTA Award, LES CENDRES D’ANGELA et LA VIE DE DAVID GALE. Parmi les nombreux films auxquels elle a collaboré figurent ALIEN et LAME DE FOND de Ridley Scott, BREAKING GLASS de Brian Gibson, ENQUETE SUR UNE PASSION de Nicolas Roeg, HISTOIRE D’UNE TRAHISON de Marek Kanievska, ENTRETIEN AVEC UN VAMPIRE de Neil Jordan, JANE EYRE de Franco Zeffirelli, THE MAGIC FLUTE de Kenneth Branagh et WALKYRIE de Bryan Singer. Elle a remporté l’Oscar et le BAFTA Award en 1983 pour son travail sur l’épopée préhistorique de Jean-Jacques Annaud, LA GUERRE DU FEU. IRENE LAMB Directrice de casting Depuis plus de quarante ans, Irene Lamb travaille pour le grand et le petit écran. Parmi les productions télé majeures dont elle a assuré le casting figurent The Gathering Storm » de Richard Loncraine avec Albert Finney et Vanessa Redgrave, et My House in Umbria », avec Maggie Smith. Elle a été nommée à l’Emmy pour son travail sur ces deux projets. Irene Lamb compte à son actif la distribution des rôles de plus de 60 films dont LA LOI DU MILIEU de Mike Hodges, avec Michael Caine, GATSBY LE MAGNIFIQUE de Jack Clayton, avec Robert Redford et Mia Farrow, LA GUERRE DES ETOILES de George Lucas et L’EMPIRE CONTRE-ATTAQUE d’Irvin Kershner, ORLANDO de Sally Potter, avec Tilda Swinton dans le rôle-titre et RICHARD III de Richard Loncraine, avec Ian McKellen. Sa longue et fructueuse collaboration avec Terry Gilliam a commencé dès le premier long métrage du réalisateur, JABBERWOCKY en 1977 et s’est poursuivie sur BRANDITS, BANDITS, BRAZIL, LES AVENTURES DU BARON DE MUNCHAUSEN, THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE, inachevé, et LES FRERES GRIMM. 46 MAUREEN WEBB Casting Canada Maureen Webb vit à Vancouver. Elle a entamé sa carrière au théâtre, a été quelques années agent artistique avant de devenir l’une des directrices de casting les plus réputées du Canada. Au cours de ces dix dernières années, elle a collaboré avec certains des plus grands scénaristes, réalisateurs et acteurs, dont Al Pacino, Kevin Spacey, Morgan Freeman, Jon Avnet, Neil LaBute, Rodrigo Garcia. Elle a travaillé sur des films comme LA VOIX DES MORTS de Geoffrey Sax avec Michael Keaton, ROGUE L’ULTIME AFFRONTEMENT de Philip G. Atwell, avec Jason Statham et Jet Li, 88 MINUTES de Jon Avnet, avec Al Pacino et dernièrement POSSESSION de Joel Bergvall et Simon Sandquist, avec Sarah Michelle Gellar, et LES PASSAGERS de Rodrigo Garcia avec Anne Hathaway. RICHARD BAIN Superviseur des effets visuels Richard Bain a un diplôme de conception graphique de la Norwich School of Art obtenu en 1984. L’année suivante, il a fait ses débuts dans les effets visuels chez Quantel, comme démonstrateur et conseiller sur Paintbox et Graphic Paintbox. Après avoir travaillé chez The Moving Picture Company et The Printed Picture Company, il entre chez The Computer Film Company à Los Angeles, comme chargé des images composites sur DOLORES CLAIBORNE de Taylor Hackford, FRENCH KISS de Lawrence Kasdan et WATERWORLD de Kevin Reynolds. Il revient ensuite à Londres pour rejoindre l’équipe de Digital Film, avec qui il travaille sur plusieurs films, puis passe chez Peerless Camera Company. Il contribue à la création de Double Negative et est nommé responsable du département 2D. En 2002, il renonce à ce poste pour se concentrer sur la supervision numérique et se consacrer à ses domaines de prédilection, les images composites et la création d’images de synthèse. Au cours de sa carrière, Richard Bain a travaillé sur des films comme les James Bond GOLDENEYE de Martin Campbell, MEURS UN AUTRE JOUR de Lee Tamahori et CASINO ROYALE de Martin Campbell, sur LE PATIENT ANGLAIS d’Anthony Minghella, LE MASQUE DE ZORRO et LA LEGENDE DE ZORRO de Martin Campbell, MISSION IMPOSSIBLE 2 de John Woo, LARA CROFT TOMB RAIDER LE BERCEAU DE LA VIE de Jan De Bont, KING KONG de Peter Jackson, et VOL 93 de Paul Greengrass. Il a travaillé avec Terry Gilliam sur L’ARMEE DES 12 SINGES, LES FRERES GRIMM et TIDELAND. 47 JOHN PAUL DOCHERTY Superviseur des effets visuels John Paul Docherty a travaillé pour la BBC dans les années 70 et au début des années 80, puis est devenu chef du département animation numérique chez Molinare. Il introduit alors l’animation vidéo en temps réel et le banc-titre vidéo contrôlé par ordinateur sur le marché européen. En tant que fondateur et directeur général d’Electric Image, il a dirigé une équipe qui a contribué à développer le calcul de rendu et l’animation 3D complexe pour les marchés du cinéma et de la télévision. John Paul Docherty a été l’un des cofondateurs du studio d’effets visuels The Frame Store, devenu depuis Frame Store CFC, et à ce titre, a joué un rôle majeur dans l’introduction des techniques d’imagerie numérique pour des films publicitaires de pointe. Il a aussi été l’un des directeurs fondateurs d’Electric Switch, le premier studio d’édition DVD du Royaume-Uni. Il est actuellement consultant en effets visuels et superviseur des effets numériques pour Peerless Camera Company à Londres. Il a travaillé au cours de sa carrière sur des films comme PERDUS DANS L’ESPACE de Stephen Hopkins, LARA CROFT TOMB RAIDER de Simon West et LARA CROFT TOMB RAIDER LE BERCEAU DE LA VIE de Jan De Bont, CHEZ LES HEUREUX DU MONDE de Terene Davies, TITUS de Julie Taymor, PINOCCHIO de Roberto Benigni, LES RIVIERES POURPRES 2, LES ANGES DE L’APOCALYPSE d’Olivier Dahan. Membre de l’équipe nommée à un BAFTA Award spécial pour les effets visuels de VERTICAL LIMIT de Martin Campbell, il a ensuite travaillé sur ZIG-ZAG de Frederick Du Chau, LES FRERES GRIMM et TIDELAND de Terry Gilliam et LA LEGENDE DE ZORRO de Martin Campbell. Il a été nommé au BAFTA Award des meilleurs effets visuels pour son travail sur CASINO ROYALE en 2006. Plus récemment, il a travaillé sur A LA CROISEE DES MONDES LA BOUSSOLE D’OR de Chris Weitz, FRERE NOEL de David Dobkin, CŒUR D’ENCRE d’Iain Softley, et LE SECRET DE MOONACRE de Gabor Csupo. 48 FICHE ARTISTIQUE Tony............................................................................................... HEATH LEDGER JOHNNY DEPP COLIN FARRELL JUDE LAW Docteur Parnassus.............................................................CHRISTOPHER PLUMMER Percy .............................................................................................. VERNE TROYER Anton .......................................................................................ANDREW GARFIELD Valentina ................................................................................................LILY COLE Mr. Nick .............................................................................................. TOM WAITS FICHE TECHNIQUE Réalisateur......................................................................................TERRY GILLIAM Scénaristes .....................................................................................TERRY GILLIAM CHARLES McKEOWN Producteurs ................................................................................... WILLIAM VINCE AMY GILLIAM SAMUEL HADIDA TERRY GILLIAM Producteurs exécutifs .......................................................................DAVE VALLEAU VICTOR HADIDA Directeur de la photographie........................................................NICOLA PECORINI Chef monteur...................................................................................MICK AUDSLEY Directeur artistique et décors originaux..............................................DAVE WARREN TERRY GILLIAM Chef décoratrice ...................................................................... ANASTASIA MASARO Compositeurs ............................................................................... MYCHAEL DANNA JEFF DANA Chef costumière ................................................................. MONIQUE PRUDHOMME Création des maquillages et des coiffures ...................................... SARAH MONZANI Directeur de production Royaume-Uni ...................................................... ROB HOW Directrice de casting .............................................................................IRENE LAMB Produit avec la participation de ................................................... TELEFILM CANADA Textes Pascale & Gilles Legardinier 49

AdamDriver est un acteur américain, né le 19 novembre 1983 à San Diego ().. Révélé notamment par son rôle d'Adam Sackler dans la série Girls, il interprète ensuite Kylo Ren dans les films de la franchise Star Wars : Le Réveil de la Force, Les Derniers Jedi et L'Ascension de Skywalker.Il tient également des rôles au premier plan dans Silence de Martin Scorsese ou encore Marriage

^{Voici les résultats et synthèse du top 20 "Oscars des meilleurs films" .Il y a donc eu 17 votants, et aucun film n'a fait l'unanimité à 17 votes .1er - BEN-HUR, de William Wyler, Oscar    216 points pour 14 victoire est un peu paradoxale . Lors du top péplums, "Gladiator" avait battu "Ben-Hur" pour la 1ère place . La logique aurait donc voulu, même avec des genres ici bien différents de par l'intitulé du top, qu'il en soit de même dans ce classement. Or, l'écart est assez net en faveur du film longtemps le plus oscarisé de l'histoire 11 statuettes, mais rattrapé depuis par deux autres films figurant d'ailleurs dans cette liste. La raison, j'imagine, doit en être que les votants sur cet exercice ne sont pas tous les mêmes que lors du top pé par sa mise en scène, ce majestueux classique parmi les classiques est et restera une date majeure dans le Panthéon cinématographique mondial. De plus, le fait d'être un péplum le rend quasiment indémodable, contrairement à d'autres films qui, peut-être, risquent d'être marqués par leur époque de réalisation. En plus, contrairement à l'autre péplum de réputation équivalente, "Les dix commandements", celui-ci ne peut pas être qualifié du terme parfois dévalorisant de "kitch"    . Le clou du spectacle, la course de chars, a nécessité plusieurs mois de préparation et 78 jours de tournage. Lors des plans les plus risqués, bien évidemment c'est un cascadeur qui remplace Charlton Heston. Mais le moment où Judah Ben-Hur est projeté à l'avant du char en passant sur un obstacle n'était pas prévu dans le script le cascadeur ayant réussi à revenir sur le char et reprendre les rênes, il a été décidé de conserver la prise, beaucoup plus spectaculaire que ce qui avait été précédemment décidé. Avec le rôle de Moïse dans "Les dix commandements", ce film est l'autre sommet de la carrière de Charlton Heston, qui vivait alors son âge d'or 3H40 qu'on ne voit pas passer !Détail amusant, le réalisateur, William Wyler, avait été assistant sur la 1ère version muette de Fred Niblo 1925, avec Ramon Novarro dans le rôle titre. J'imagine qu'à l'époque, si on lui avait prédit que 35 ans plus tard, il en réaliserait le remake et l'un des plus grands films de toute l'histoire du cinéma, il aurait sans doute eu du mal à le croire   !2ème ex-aequo - LE SEIGNEUR DES ANNEAUX LE RETOUR DU ROI, de Peter Jackson, oscar points pour 14 a longtemps pensé qu'adapter le chef d'oeuvre littéraire de Tolkien était une gageure. Mais Peter Jackson a relevé le défi ! Pendant le tournage, des comédiens, sans faire de révélations particulières contrat de confidentialité oblige, ont dit aux journalistes qu'ils étaient en train de ré-inventer le cinéma   ! Propos certes exagérés, mais qui montraient bien ce que pouvaient ressentir les acteurs en tournant cette fresque magnifique. Comme "BEN-HUR", ce film a récolté également 11 statuettes. Seuls trois des primés depuis l'origine des Oscars ont réussi à atteindre un tel l'absolu, ce "Retour du Roi" est-il meilleur que "La communauté de l'anneau" ou "Les deux tours" ? Les opinions divergent logiquement à ce propos ! Il y a déjà eu discussion sur ce forum à ce sujet, je ne sais plus quand ni sur quel topic, mais j'ai souvenir qu'effectivement ce 3ème volet remportait plus de suffrages que les deux premiers .J'ai, personnellement, plutôt le sentiment qu'il faut appréhender l'ensemble des 3 métrages comme un seul film de 10 heures, durée qu'il était bien sûr impossible de présenter en salle. Ce 3ème opus était par contre le seul éligible dans ce top puisque le seul aussi à avoir reçu l'oscar du meilleur film, mais à mon sens, il représente également les deux premiers pour l'ensemble de l'histoire .C'est du très-très grand spectacle, magistralement interprété et réalisé. Une fresque à rendre jaloux les acteurs qui n'auront pas eu la chance d'y participer ! La trilogie du "Hobbit", malgré ses grandes qualités, n'a pas vraiment réussi à se hisser réellement au même ex-aequo - LA LISTE DE SCHINDLER, de Steven SPIELBERG, oscar points pour 14 doute le film le plus poignant de Steven SPIELBERG, plus habitué à nous donner des oeuvres ludiques à grand spectacle. Mais, de par sa judaïcité et son immense talent de metteur en scène, il était sans aucun doute le plus légitime pour réaliser ce film humaniste sur l'abomination qu'a été la Shoah, même si Polanski et Scorsese ont été pressentis avant lui ils ont refusé tous les deux Scorsese était intéressé par le projet, mais il pensait qu'un metteur en scène juif serait plus pertinent pour bien appréhender l'histoire. Polanski, juif lui-même, estimait que ce qu'il avait vécu dans le ghetto de Cracovie était un souvenir trop brûlant pour qu'il puisse aborder le sujet avec le recul nécessaire. Adaptation du roman éponyme de Thomas Keneally , écrit en 1982, ce film est classé 8ème dans le top 100 de l'American Film Institute, et pour ceci conservé à la Bibliothèque du Congrès pour son importance culturelle et historique. Il a reçu 7 oscars en 1994, dont également celui du meilleur réalisateur pour Spielberg . C'est lui qui a voulu réaliser ce métrage en noir et blanc, trouvant cette approche plus adaptée au contexte d'un camp de concentration. Il a aussi refusé tout salaire pour ce tournage et toute rémunération sur l'exploitation du film, considérant que ce serait - je cite - "l'argent du sang" !4ème LE PARRAIN, de Francis Ford COPPOLA, oscar     195 points pour 14 conservé à la Bibliothèque du Congrès, comme "La liste de Schindler", mais en 2ème place le 1er étant "Citizen Kane" c'est dire l'importance que représente ce film au yeux des Américains . Considéré à juste titre comme le film phare sur la Mafia factuellement parlant, on peut considérer que le "Il était une fois en Amérique" de Sergio Leone est encore meilleur, mais il ne parle pas réellement de la Mafia. Il cible un groupe de 4 malfrats juifs porté au "sommet" de leur statut grâce à la prohibition. D'ailleurs, Leone avait été contacté pour réaliser "Le Parrain", mais il a refusé, il a fallu que Coppola transige avec celle-ci pour pouvoir porter l'histoire à l'écran, afin de ne pas avoir de représailles où de ........ "mauvaises surprises"   sur le tournage. La production a dû s'engager à ce que les termes "Mafia" et "Cosa Nostra" ne soient pas utilisés dans le film. Pourtant, Terence Young avait bien titré le sien "Cosa Nostra" avec C. Bronson et L. Ventura juste un an avant le tournage du Parrain. Avait-il demandé "l'autorisation"  ?  Brando y est magistral on lui a décerné l'oscar du meilleur acteur pour cette interprétation, mais il l'a refusé en faisant venir une jeune Indienne sur scène, pour protester contre le traitement infligé aux Amérindiens, encore dans ces années 70 . Le film aura deux suites, également réalisées par Coppola. Le N°2 fait aussi partie de ce top ! C'est ce 1er volet qui a réellement lancé la carrière d' Al Pacino, préalablement remarqué dans "Panique à Needle-Park", de Jerry Schatzberg . La production, au départ, aurait plutôt souhaité un Robert Redford ou un Ryan O'Neal, mais Coppola voulait absolument un acteur peu connu au physique d'Italo-Américain il l'a trouvé en visionnant " ....Needle Park " ! De Niro, alors quasi débutant  quelques films au compteur, mais un seul réellement marquant le "Mean Streets" de Scorsese, réalisé un an avant, avait également été contacté il se rattrapera largement avec le second volet !5ème DANSE AVEC LES LOUPS, de Kevin KOSTNER, oscar     172 points pour 14 humaniste par excellence il y en avait eu d'autres avant, tels "La flèche brisée" de Delmer Daves en 1954 ou "Les cheyennes" de John Ford en 1964 , ce film a surpris beaucoup de monde en 1990. D'aucuns, à Hollywood, ne croyaient pas trop au talent de metteur en scène de Kevin Kostner, dont c'était le 1er film. Pour un coup d'essai, ce fut un coup de maÃtre ! Un carton au box-office coût de 20 millions de $, pour des recettes à 425 millions Hollywood adore  . De véritables Sioux pour jouer les rôles d'Indiens qui ont dû pour beaucoup ré-apprendre la langue de leurs ancêtres    , un comportement peu flatteur des soldats US d'habitude, le public américain n'aime pas qu'on stigmatise le passé historique de son pays voir l'accueil catastrophique qu'il avait fait à "La Porte du paradis" de Cimino, lequel avait coulé définitivement la United Artists, et celui plus que réservé au "Soldat bleu" de Ralph Nelson en 1971, une charge de bisons particulièrement spectaculaire et un Kevin Kostner comédien au sommet de son art tout ceci a ravi public et critiques, avec 7 oscars à la clef dont celui du meilleur acteur pour Kostner, mais pas comme réalisateur rappelons qu'aux Etats-Unis, pour le meilleur film, ce n'est pas le metteur en scène qui reçoit la récompense, mais le producteur !. Vu son déclin à l'aube du 21ème siècle, ce film restera certainement l'Himalaya de la carrière de Kevin - LE SILENCE DES AGNEAUX, de Jonathan DEMME, oscar     157 points pour 15 citations c'est lui qui a obtenu le plus de citations dans ce top .Un choc pour tous les amateurs de thrillers ! Choc dû autant à la force du scénario et la grande maÃtrise de la mise en scène éprouvante pour les nerfs qu'à la remarquable prestation de Jodie Foster ......... pourtant en retrait devant l'époustouflante création d'Anthony Hopkins dans le rôle du plus grand psychopathe jamais porté à l'écran et pourtant il y en eut des paquets, entre "M le maudit"  -Peter Lorre-  , "L'étrangleur de Boston"  -Tony Curtis-  , le Kaïser Söze de "Usual Suspect" -no spoiler, au cas très improbable où certains ne l'auraient pas vu- , ou le Cody Jarrett de "L'enfer est à lui"  -James Cagney-  , pour n'en citer que quelques-uns ! Un scénario machiavélique, une ambiance glauque à souhait, des "cliffhangers" de haute volée, autant d'atouts que possible pour porter ce métrage au pinacle du genre . Le personnage d' Hannibal Lekter, créé par le romancier Thomas Harris, a été d'abord proposé à Robert Duvall par Gene Hackman, qui détenait les droits et celui de Clarisse Starling à Michelle Pfeiffer, mais les deux, apeurés pour leur carrière de se risquer dans une histoire aussi noire, ont refusé les rôles. Vu le carton international du film 275 millions de $ au BO , on peut imaginer qu'ils ont dû regretter   . Ce thriller a récolté les 5 oscars majeurs, chose très rare - 2 fois seulement - dans l'histoire des statuettes dorées !Je l'ai déjà vu 4 fois sans m'en lasser   !7ème - VOYAGE AU BOUT DE L'ENFER, de Michael CIMINO, oscar     156 points pour 10 qu'elle déchire la scène finale, quand les protagonistes de cette communauté d'origine Russe orthodoxe entonne "God bless America" malgré le calvaire vécu par leurs 3 jeunes "héros" partis faire la guerre du Viet-Nâm. Quand le film est sorti, je me souviens que le critique qui chroniquait la page d'accueil de "Pariscope" José-Marie Bescos disait "Un tel choc cinématographique, on n'en compte pas forcément un tous les dix ans" ! C'est le chef-d'oeuvre absolu de la courte carrière de Michael Cimino, pour moi nettement devant les autres, malgré les grandes qualités de "L'année du dragon" et la pertinence historique de "La porte du paradis" que la version longue éditée en BR va ramener à sa juste valeur, malgré la bêtise crasse du public US cf. ci-dessus dans le commentaire de "Danse avec les loups".  Le film comporte 3 parties bien distinctes le mariage, la captivité et cette roulette russe tant décriée qui, pour les historiens, n'a jamais existé - mais soyons francs, on s'en fout ! - , puis les destins séparés des 3 hommes après ce première créé l'empathie pour les protagonistes Hitchcock lui-même disait vous pouvez placer vos personnages dans les pires situations, si nous ne les avez pas préalablement fait aimer au public, ça ne marchera pas., la seconde nous révolte même si le manichéïsme anti-viet-cong a fait lui aussi polémique , la dernière nous écrase ! On n'oubliera jamais le regard de Nick - Cristopher Walken, qui n'aura plus jamais un rôle aussi fort - juste avant la balle fatale .Chacun juge selon son ressenti, mais même si "Apocalypse now" est pour beaucoup le film de guerre référence sur le Viet-Nâm il y en aura un autre dans ce classement, le plus marquant restera pour moi "Voyage au bout de l'enfer" !8ème GLADIATOR, de Ridley SCOTT, oscar     149 points pour 12 citations .La résurgence du péplum en 2000, après une traversée du désert de plus de 35 ans ! Grâce aux possibilités des effets spéciaux numériques, Ridley Scott a pu redonner ses lettres de noblesse à un genre qui n'était plus rentable pour Hollywood depuis les années 60 le péplum coûtait trop cher par rapport aux recettes d'un genre qui commençait alors à péricliter auprès du public .Sevrés depuis trop longtemps d'un type de films hautement spectaculaires, les amateurs sont revenus en masse pour ce retour du film "antique", au style bien plus violent que ce que les critères aseptisés de la commission de censure des sixties permettaient à l'époque. Une brèche dans laquelle même des séries télé comme "Rome" et "Spartacus" se sont ensuite engouffrées, favorisée par l'émergence télévisuelle de chaÃnes décomplexées comme HBO  .Carton au plus de 450 millions de $ et 5 oscars au compteur, dont celui de Russell Crowe pour le meilleur acteur Ridley Scott, lui, est reparti bredouille, battu par Steven Soderbergh pour "Traffic" !  Mwouairf ...    , ce film a eu de plus le mérite de relancer le genre pour les studios "Troie", "La passion du Christ", "300" et sa suite "Naissance d'un empire", "Pompeï", "Exodus" - hélas loupé   - , "Noé", un mauvais remake de "Ben-Hur" ,  et même en Espagne avec "Agora" depuis plus de 15 je l'ai dit plus haut, il avait battu "Ben-Hur" pour la 1ère place dans le top péplums. Mystère des votes   ! Quoi qu'il en soit, c'est un excellent Ridley Scott, avec une remarquable interprétation de Russel Crowe et Joaquin Phoenix, mais aussi du talentueux et regretté Richard Harris en Empereur Marc-Aurèle pour l'avant-dernier grand rôle de sa carrière juste avant l'Albus Dumbledore des deux premiers Harry Potter et de la très belle Connie Nielsen !9ème - LAWRENCE D'ARABIE, de David LEAN, oscar     142 points pour 12 citations .Rarement sans doute le qualificatif de "Lyrique", n'aura autant collé à un film, avec des images sublimées par une partition mythique de Maurice Jarre le père de Jean-Michel. Curieux destin que celui du colonel Lawrence, officier Britannique entièrement dévoué à la cause Arabe, surtout dans sa lutte contre les Ottomans au début du 20ème siècle. Personnage tourmenté, oscillant entre le masochisme et une probable homosexualité historiquement contestée, il a connu un destin hors norme dont la biographie était un appel quasiment inévitable à la transposition cinématographique . C'est David LEAN, un spécialiste des grandes fresques sur sa fin de carrière "Le pont de la rivière Kwaï", "Docteur Jivago", "La fille de Ryan", "La route des Indes" qui s'en est chargé. "Lawrence d'Arabie" est unanimement reconnu comme un chef-d'oeuvre du 7ème art, multi-récompensé dans le monde entier, dont 7 oscars en 1963 la statuette du meilleur acteur a échappé à Peter O'Toole, mais l'oscar a été attribué à David Lean pour la mise en scène et à Maurice Jarre pour la musique . Pendant 27 ans, seule une version "courte" a été proposée au public, jusqu'à ce qu'en 1989, plus de 20 minutes de scènes manquantes aient été rajoutées au montage, en VOST car non doublé pour les 50 ans du film, au festival de Cannes 2012, plusieurs scènes en VO ont été post-synchronisées évidemment avec des voix différentes   et ré-incorporées à la VF sur la réédition Blu-Ray. Il faut avoir une oreille bien exercée pour s'en rendre compte si on ne sait pas où se trouvent les scènes en question . Du beau boulot !C'est ce film qui a révélé Omar Sharif au grand public. Le reste du casting est remarquable Alec Guiness, Anthony Quinn, José Ferrer, Claude Rains, Arthur Kennedy, Anthony Quayle ...... A remarquer pas de personnage féminin, mais ce n'est aucunement par machisme. Simplement, le scénario et le contexte du film ne s'y prêtaient pas ! Comme "La liste de Schindler" et "Le Parrain", il est conservé aux USA à l'American Film Institute de la Bibliothèque du Congrès, mieux classé 7ème au moment où j'écris ces lignes que le - LE PARRAIN 2, de Francis Ford COPPOLA, oscar      139 points pour 11 De Niro avait manqué de peu le rôle de Michael Corleone dans le 1er opus, attribué à Al Pacino. Mais Coppola s'est souvenu de lui pour lui attribuer le rôle de Vito Corleone jeune Marlon Brando en Don Vito âgé dans le 1er volet et de son ascension comme Parrain de la Mafia Sicilienne. Coppola a d'ailleurs eu les mains plus libres sur ce tournage que sur le 1er volet. En effet, la réalisation du N°1 avait été limite un calvaire pour lui, la production surveillant tout au scalpel en raison des consignes - voire menaces   - que la Mafia avait imposées. Coppola en était sorti tellement "rincé" qu'il voulait déclarer forfait pour tourner la suite, et qu'il avait conseillé à la prod d'embaucher Scorsese à sa place. Mais la major tenait absolument à conserver son réalisateur d'origine, et pour çà lui a accordé les pleins pouvoirs sur ce N°2. Coppola a ainsi pu réaliser exactement ce qu'il avait en tête  bien !  Vu le niveau déjà très haut du 1er opus, on ne peut que regretter ces contraintes et imaginer ce qu'aurait été l'original avec un tel metteur en scène totalement libre de ses choix scénaristiques    !!A l'arrivée, en plus du film, Coppola a obtenu l'oscar de la mise en scène, et De Niro celui du meilleur second rôle.  Avec le recul, les critiques ont globalement convenu que ce N°2 était encore meilleur que le N°1 alors que le 3, réalisé en 1990, tout estimable qu'il soit, est quand même en retrait par rapport aux deux premiers. Mais le film créateur d'une saga aura toujours pour lui cette antériorité qui lui confère un avantage indéniable face aux différents opus quand on tente d'établir un classement de valeur entre ceux-ci même s'il y a des exceptions "Le retour du Roi" par exemple  , "Terminator 2" , ou "Mad Max 2" , d'où la prééminence du 1er volet à la Bibliothèque du congrès, et donc ici-même. Pour ce qui est du ressenti critique, j'ai le sentiment que le principe des flash-backs pour conter l'évolution des personnages, à l'instar de "Il était une fois en Amérique" qui évolue sur le même canevas, auquel s'ajoute l'espèce de nostalgie qui se dégage de certains décors anciens ici ceux de l'Amérique des années 30-40, comme dans "L'arnaque" ou "Les incorruptibles" , apportent un "plus" indiscutable au magnétisme du film, que n'a pas forcément le premier "Parrain".Pacino et De Niro, bien évidemment, ne se rencontrent pas dans le film, même si Vito porte dans ses bras le petit Michael qui vient de naÃtre. Il faudra attendre le "Heat" de Michael Mann en 1995 pour enfin voir une scène et une seule   mettant face à face les deux monstres sacrés ! A signaler que Brando, contrairement à James Caan, avait refusé d'apparaÃtre sur le flash-back qui montre la famille réunie à la fin du film en fait il demandait trop cher pour une seule scène   on n'entend donc que son pas dans l'escalier   !11ème - TITANIC, de James CAMERON, oscar      108 points pour 9 film de tous les excès plus de 200 millions de dollars pour la réalisation même s'il a été depuis dépassé par "Avatar" , mais 1 milliard 800 millions de recettes à l'international    , à l'époque là encore "Avatar", du même J. Cameron, a fait mieux depuis le plus gros succès cinématographique de tous les temps en données brutes - mais pas en données corrigées, j'y reviendrai - record des entrées en France, avec plus de 21 millions de spectateurs, toujours d'actualité au moment où j'effectue cette synthèse, devant "Les chtis" et "Intouchables" autour de 20 millions, plus la construction d'une maquette à l'échelle du vrai Titanic   ........ mais sur un seul côté  le côté tribord, parce que le plus esthétique pour cause de budget déjà pharaonique ! Sauf que quand le vrai paquebot avait été mis à quai, il était côté babord pour l'accès aux passagers. Du coup, pour respecter la vérité historique, Cameron a inversé l'image  pour transformer le tribord en babord il a donc fallu écrire les inscriptions sur la coque à l'envers pour qu'elles apparaissent à l'endroit sur l'écran  ! Plus étonnant peut-être, la production a acheté des terrains en basse-Californie, puis les a dynamités pour creuser des bassins afin d'y tourner les scènes immergées. Les effets spéciaux de Digital Domain ont fait le reste. Il a fallu retarder la date de sortie prévue de 6 mois "Cléopâtre" avait fait pire plus d'un an de retard  , mais quand même ! les producteurs s'arrachaient les cheveux plus moyen de revenir en arrière  , mais quand ils ont vu les recettes astronomiques par la suite, Cameron est devenu un Dieu vivant !!!Les personnages de Jack Di Caprio et Rose K. Winslet sont fictifs, mais beaucoup d'autres protagonistes du film, tel celui incarné par Kathy Bates Margaret Brown, dite "Molly" Brown ....... comme le bateau à roue du Mississipi  , ont réellement existé .Du grand spectacle, relatant un évènement historique mondialement connu, agrémenté d'une romance -même fictive- parmi les plus belles que le cinéma nous ait donné, et d'une chanson interprétée par la reine des variétés Céline Dion "My Heart will go on" pour un carton discographique mondial, tous les ingrédients étaient là pour un immense succès. De là à imaginer une telle déflagration au box-office ...... !!Cameron, qui avait ensuite relancé le relief avec son méga-hit "Avatar" dont 4 suites sont déjà prévues  à sortir entre 2020 et 2025 , a transféré le film en 3D en 2012, pour le ré-exploiter en salle à l'occasion du centenaire du naufrage, édition lancée bien sûr en Blu-Ray les énormes dépassements de budget, il avait renoncé à tout salaire pour pouvoir finir le film, se contentant d'une participation aux ........ "éventuels" bénéfices   ! Bien joué !!Inutile de raconter le pitch je pense  ? 12ème - BRAVEHEART, de Mel GIBSON, oscar      106 points pour 12 metteur en scène, acteur, "Braveheart" est bien LE film de Mel Gibson, biopic éminemment  spectaculaire sur la vie de William Wallace, héros de l'indépendance Ecossaise contre le Roi Edouard 1er d'Angleterre, au 13ème siècle. Un gros succès public à 210 millions de $ .Le film a fait polémique pour une "violence exacerbée" à l'écran, laquelle a été largement dépassée depuis les années 2000, tant au cinéma qu'à la télé. Gibson lui-même n'a pas donné sa part aux chiens avec "La passion du Christ" 2004 et "Apocalypto" 2006.Au demeurant, "Braveheart" est un remarquable film d'aventures, dont les anachronismes détaillés par des historiens n'ont pas dérangé grand monde donc, les Ecossais ne portaient pas de kilts à l'époque ? Et la grande bataille a eu lieu en réalité sur un pont ? Bof-Bof ! Alexandre Dumas lui-même disait  "Ce n'est pas grave de violer l'Histoire si on lui fait un bel enfant" ! Que ce soit en littérature ou au cinéma, la maxime tient toujours, et "Braveheart" est vraiment un très bel "enfant".C'est un des tous premiers films avec "La prisonnière du désert" à avoir été remastérisé pour sortir en blu-ray visuellement, ce fut un choc ! J'ai personnellement eu l'impression de redécouvrir le film, que j'avais vu en salle et en DVD, tellement le travail de restauration a été exceptionnel !Comme "Danse avec les loups" pour K. Kostner, "Braveheart" a toute les chances de rester l'Everest et le morceau de bravoure de la carrière de Mel Gibson,  surtout maintenant qu'il s'est relativement déconsidéré et décrédibilisé aux yeux d'Hollywood par certaines déclarations et des comportements plus ou moins discutables  !13ème - WEST-SIDE-STORY, de Robert WISE et Jerôme ROBBINS, oscar points pour 9 l'adaptation cinématographique d'un méga-hit de Broadway, lancé sur les planches en 1957. Le film, tourné en 1961, est resté en France pendant plus de 10 ans en exclusivité sur les Champs-Elysées. Il est mondialement considéré comme la plus grande réussite dans le genre comédie musicale même si ce serait plutôt une tragédie, mais la dénomination "tragédie musicale" n'existe pas ! à égalité avec le monument de Stanley Donen, "Chantons sous la pluie".L'histoire est bien évidemment la transposition du "Roméo et Juliette" de W. Shakespeare, déplacé au coeur des bas quartiers de New-York au milieu du 20ème siècle. Le film, niveau oscars, se situe juste en dessous du trio aux 11 statuettes, avec 10 récompenses, dont bien sûr le film, la mise en scène, mais aussi les seconds rôles pour Georges Chakiris et Rita Moreno. Par contre, Natalie Wood on considère pourtant qu'il s'agit de son plus grand rôle au cinéma et Richard Beymer c'est moins étonnant seront oubliés ! Aujourd'hui, le film est devenu mythique, et la pièce continue d'être représentée sur scène dans le monde entier elle est, au moment où je rédige ces lignes, en France, à Paris. Comme plusieurs métrages de ce top, il figure dans les 100 meilleurs films US à l'American Film Institute, à un rang toutefois plus modeste 51ème. Mais faire partie d'un classement d'élite regroupant seulement 100 métrages depuis l'origine du cinéma ce classement est régulièrement ré-actualisé, est déjà en soi particulièrement significatif ! Un succès à ce jour encore indémodable !14ème - VOL AU DESSUS D'UN NID DE COUCOU, de Milos FORMAN, oscar points pour 10 aux autres films cités plus haut, celui-ci n'a eu "que" 5 oscars beaucoup s'en contenteraient  mais ............... les 5 oscars majeurs film, mise en scène, actrice Louise Fletcher, acteur Jack Nicholson et scénario, excusez du peu ! Seul "Le silence des agneaux", chroniqué plus haut, a réussi la même performance !A l'origine, Michael Douglas, producteur du film, devait interpréter le rôle de Mc Murphy son père, l'illustre Kirk Douglas, avait tenu le rôle au théâtre en 1963, mais Milos Forman ne voulait QUE Nicholson, qui offre ici une des compositions les plus saisissantes qui soient !Le rôle de Ratchett, la psychorigide infirmière, a d'abord été proposé, entre autres, à des pointures comme Jane Fonda, Faye Dunaway, Anne Bancroft et même ....... Jeanne Moreau  !Mais, au final, c'est une quasi inconnue, Louise Fletcher, qui, au casting, a gagné la donne au dernier moment elle y a aussi remporté un oscar, qu'elle n'a pas eu franchement la possibilité de confirmer par la suite malgré plus de 60 films au compteur, mais quasiment tous très peu connus, à part peut-être le "Brainstorm" de Douglas Trumbull avec Christopher Walken, et une pige à peine remarquée dans "Il était une fois en Amérique", alors que J. Nicholson a explosé avec ce rôle pour dérouler une carrière exceptionnelle que tout le monde connaÃt. Pour comprendre le titre, il faut savoir qu'aux Etats-Unis, un "nid de coucou" est la métaphore d'un asile psychiatrique ! Lors du tournage, certains pensionnaires de l'asile étaient de vrais patients hospitalisés. Mais parmi les véritables seconds rôles, c'est avec ce film que se sont fait connaÃtre Christopher Lloyd le Doc Emmett Brown des "Retour vers le futur", et Brad Dourif, que l'on retrouve dans ce top en "langue de serpent" dans "Le seigneur des anneaux".Le film, lui aussi, figure actuellement dans les 100 meilleurs métrages US à  l'American Film Institute, pour le moment en 33ème position . 15ème - PLATOON, d'Oliver STONE, oscar points pour 10 "Voyage au bout de l'enfer" et "Apocalypse Now" semblent bien être les porte-étendards des films sur la guerre du Viet-Nâm, "Platoon" est un prétendant sérieux à la 3ème place du podium, sans doute en rivalité avec le "Outrages" de Brian De Palma, sorti 3 ans plus tard .On peut remarquer que malgré la signature "Kubrick", le "Full Metal Jacket" du grand Stanley, si estimable soit-il, ne semble pas tout-à -fait jouter dans la même catégorie ! Un casting solide Charlie Sheen, Willem Dafoe, Tom Berenger et Forest Whitaker ! A signaler un quasi figurant nommé ..... Johnny Depp  pour un film coup de poing qu'Oliver Stone a voulu réaliser pour témoigner de ce que lui-même avait réellement vécu au Viet-Nâm, et qu'il complètera 3 ans après avec "Né un 4 juillet" mais celui-là , tiré d'une autobiographie de Ron Kovic, ex-GI revenu paraplégique de cette guerre, ne comporte aucun élément propre à la carrière militaire d'O. Stone il recevra quand même l'oscar de la mise en scène en 90, mais pas celui du meilleur film.  Willem Dafoe, également au casting, y fera face à Tom Cruise.Aucun héroïsme dans "Platoon" à part peut-être un peu le personnage de Willem Dafoe, et aucun manicheïsme non plus seulement la saleté de la guerre, ses lâchetés et ses crimes, ses mecs biens et ses salopards, comme dans "Outrages", tiens !La guerre du Viet-Nâm n'a sans doute pas eu le monopole de cet état de fait, mais c'est certainement celle où l'on en dénonce le plus au cinéma. Que ce soit dans "Le jour le plus long", "La grande évasion", et même "Le soldat Ryan" et bien d'autres , ou dans les films - moins nombreux - sur le conflit 14-18 même l'ignoble comportement - longtemps censuré - de l'armée Française dans "Les sentiers de la gloire" de Kubrick , les cinéastes nous ont toujours donné des histoires moralement bien plus "propres", voire héroïques, sur les deux guerres mondiales que celles rapportées dans les différents métrages sur le Viet-Nâm !"Platoon" est un film fort, qui laisse des traces dans les esprits, et dont on ne ressort pas forcément indemne. Le Cimino, si remarquable et si traumatisant soit-il, est une fiction ; le Coppola est un opéra baroque et une exploration des tréfonds de l'âme humaine ; mais celui d'Oliver Stone, même s'il est certes, dans l'absolu, moins prestigieux, marque sans doute plus l'inconscient par sa véracité et son impact moral .16ème - IMPITOYABLE de Clint EASTWOOD, oscar points pour 8 Eastwood, à l'instar d'un John Wayne ou d'un James Stewart, est une des figures les plus emblématiques des l'immense majorité d'entre eux, si bons soient-ils, sont des films assez manichéens, avec les bons et les méchants, de l'héroïsme à revendre et la belle potiche qui doit inévitablement tomber amoureuse du cow-boy ! Rien de tout cela dans "Impitoyable", western crépusculaire certainement beaucoup plus près de ce qu'a été sans doute la réalité souvent très embellie du Far-West.  Le personnage de Will Munny, incarné par Clint Eastwood, n'a toujours été qu'une brute et un tueur, loin du vengeur de "L'Homme des hautes plaines" ou du cynique "homme sans nom" de la trilogie des dollars . Le film est âpre, sombre, déshumanisé, sans aucun personnage charismatique, et porte très bien son approche inhabituelle du genre a plu aux critiques et au public 160 millions $ de recettes pour un coût de 15 millions , même si le nombre d'oscars n'a pas été aussi pléthorique que bon nombre de films figurant dans ce top en plus du film et du metteur en scène, à signaler celui de Gene Hackman pour le meilleur second rôle lequel, paradoxalement, n'était au départ pas très emballé par le projet. Eastwood l'a très difficilement décidé à faire partie du casting .Les oscars ont très rarement récompensé le genre western 3 fois seulement depuis leur création, mais 2 d'entre eux "Danse avec les loups" également figurent dans ce top le 3ème étant un film de 1931 quasi oublié, "Cimarron" . 17ème - CASABLANCA, de Michael CURTIZ, oscar points pour 7 William Wyler, le réalisateur de "Ben-Hur", qui avait été pressenti en 1er pour réaliser le film, mais, non disponible, le choix du studio s'est alors porté sur Michael Curtiz, peu renommé pour sa direction d'acteurs, mais considéré à Hollywood comme un des maÃtres au niveau un tournage "d'actualité", puisque l'action se passe en pleine guerre mondiale dans une ville alors sous la coupe du régime de Vichy . Le scénario est tiré d'une pièce de 1938 ....... qui n'a jamais été montée sur scène  . Les scénaristes ont eu mission de l'adapter pour le cinéma, recadrée sur fond de conflit mondial. Mais comme le tournage, pour des questions de budget, a démarré rapidement, en fait ils n'avaient pas fini le script   au 1er tour de manivelle. Les acteurs et le réalisateur ont donc commencé sans savoir comment le métrage allait évoluer   ni même se terminer. Ingrid Bergman n'arrêtait pas de demander avec qui elle partait à la fin son mari Victor Paul Henreid ou Rick Humphrey Bogart ? Les consignes de tournage n'étaient donc que quotidiennes, au gré des indications amenées par les scénaristes qui ne savaient pas trop où ils allaient et naviguaient à vue  , ce qui semble énorme   pour un film aujourd'hui unanimement reconnu comme un des chefs-d'oeuvres absolus du cinéma !Tout a été tourné en studio pour la petite histoire, vu les énormes restrictions budgétaires auxquelles Curtiz a dû faire face, l'avion en fond d'image de la scène finale n'est qu'une maquette  plus petite qu'un avion réel. Du coup, pour rendre le tout crédible, les mécaniciens évoluant autour  sont en réalité des nains, se déplaçant dans le brouillard pour masquer le subterfuge   !Michèle Morgan avait été contactée pour le 1er rôle féminin, mais elle demandait un cachet trop élevé, et c'est finalement Ingrid Bergman qui a décroché la timbale . A signaler que Humphrey Bogart et Paul Henreid se détestaient cordialement  !Ce film occupe encore aujourd'hui rien moins que la 3ème place à l'American Film Institute de la Bibliothèque du Congrès, derrière "Citizen Kane" et "Le Parrain". On ne se lassera jamais de le revoir Play it again, sam ! 18ème - AUTANT EN EMPORTE LE VENT, de Victor FLEMING, oscar points pour 5 du film romantique au cinéma, adapté du Best-seller un des plus grands succès du monde de la littérature de Margaret Mitchell sorti en 1936. C'est Georges Cukor qui en avait commencé le tournage, mais assez rapidement, ce qu'on appelle gentiment des ....... "divergences de vue artistiques"    ont provoqué le limogeage du réalisateur. C'est pourtant lui qui a tourné plusieurs plans de l'incendie d'Atlanta conservés dans le montage final cela aurait coûté trop cher de les refaire .Il a fallu trouver un remplaçant en urgence, et le choix de l'ex-patron de la MGM, David O'Selznick, qui était devenu producteur indépendant depuis 1936 La Selznick International Picture ! Mais ses films étaient encore distribués par la MGM s'est porté sur Victor Fleming problème, celui-ci était en train de finir "Le magicien d'Oz", qui n'était pas encore bouclé. Pas grave pour Selznick à cette époque, acteurs et metteurs en scène étaient sous contrat avec les grands studios, et devaient plus ou moins obéïr aux démiurges qui tenaient les rênes   ! On a joué aux 4 coins, et King Vidor "Le grand passage", "Duel au soleil", "Guerre et Paix", un des meilleurs amis de V. Fleming choix validé par la MGM est venu remplacer celui-ci sur "Le magicien d'Oz" en ...... "récompense"  , il ne sera même pas cité au générique  ! L'anecdote est contée dans les bonus du Magicien d'Oz pour libérer Fleming sur le champ, afin de l'envoyer immédiatement sur "Autant en emporte le vent" ! Le réalisateur, sous contrat, se devait d'obéïr à la MGM, qui distribuait le film, même si l'on peut penser qu'il aurait aimé terminer lui-même son "Magicien d'Oz" . Mais, d'un autre côté, et en dehors des obligations dûes à ces engagements, comment refuser d'être aux manettes du film le plus attendu du public Américain !?De plus, en dehors de çà , le metteur en scène n'était pas le seul problème ! Déjà , par sondage populaire, les adorateurs du livre ne voyaient que Clark Gable dans la peau de Rhett Butler à une écrasante majorité, alors que Selznick aurait préféré Gary Cooper, sous contrat avec un autre studio. Mais il n'a pas eu à hésiter, car G. Cooper pensait que le film allait faire le plus grand flop qui soit au    et refusa le rôle ! Il avait même ajouté qu'il était content que Gable - je cite - "s'y casse le nez", et non lui . Tiens-tiens les deux stars masculines n'avaient pas l'air de trop s'apprécier apparemment  !Gable étant, lui, sous contrat avec la MGM, ne pouvait de toute façon pas trop refuser le rôle. On ne sait pas quel était son sentiment avant le tournage, mais on peut imaginer qu'il n'a pas trop eu à s'en plaindre vu l'immense succès planétaire ! Pour Gary Cooper, par contre ........   !Si le ténébreux Clark faisait donc consensus pour les inconditionnels du roman, en revanche, dans le grand sondage qui avait été lancé, personne ne se détachait pour le personnage de Scarlett O'Hara. La production, au départ, voulait engager une star. Devant l'immense succès du livre, toutes les actrices de 1er plan de l'époque espéraient obtenir le rôle. Mais les séances de casting ne s'avéraient pas vraiment concluantes. Olivia de Havilland tenait la corde, de très peu devant Paulette Goddard Mme Chaplin, quand Lawrence Olivier a présenté sa compagne, Vivien Leigh, à Selznick ! Bingo une quasi inconnue, britannique de surcroÃt, et non américaine , venait de rafler LE rôle au gratin féminin d'Hollywood ! Paulette Goddard a complètement disparu du casting, et O. De Havilland a dû se consoler avec le rôle de Mélanie Hamilton, mais on peut imaginer qu'elle a très probablement dû " l'avoir mauvaise" d'être obligée de se contenter d'un accessit. Ceci dit, plusieurs actrices "sudistes" furent contentes que ce ne soit pas une "yankee" qui décroche le rôle tant convoité. 75 ans après la fin des hostilités 1865, les stigmates de la guerre de sécession étaient encore vives entre le sud et le nord des Etats-Unis d'Amérique !L'arrivée tardive de Vivien Leigh explique qu'elle n'apparaÃt pas sur les images de l'incendie les premières tournées c'est une figurante qui occupe l'écran, en vue lointaine la photo ci dessus est un montage qu'on ne trouve pas à l'image !Le film a fait un gigantesque hit mondial, et si l'argent récolté ne concurrence pas - dans le cadre de ce top - en données brutes les 1 milliard 800 millions de "Titanic", les experts ont calculé qu'en tenant compte de la dévaluation monétaire, le film arrive en réalité en tête du Box-Office international à touche-touche avec "Avatar" , avec un équivalent actuel à plus de 3 milliards de $, ce qui en fait dans l'absolu, et pour l'instant, le plus grand succès du 7ème art de très peu devant le Cameron . Huit oscars à la clef Film et metteur en scène bien sûr, mais aussi meilleure actrice pour l'inconnue Vivien Leigh, Clark Gable étant reparti bredouille !, pour un film que l'Europe n'a évidemment pu voir qu'après la guerre puisqu'il est sorti en 1939 comme "Le magicien d'Oz" . Les chiffres du BO incorporent également les entrées que le métrage a réalisées après la fin de la seconde guerre mondiale. Bizarrement  , aucun film US n'a été projeté en France ni dans n'importe quel pays de l'Europe occupée entre 1939 et 1945   !!! On peut d'ailleurs entendre, dans "L'armée des ombres" de Melville, Paul Meurisse dire à Lino Ventura, à la sortie d'un cinéma Londonien " Pour les Français, la guerre sera finie quand ils pourront voir ce film merveilleux " ! A remarquer que la nounou noire, Hattie Mac Daniel est la 1ère actrice de couleur à avoir reçu un Oscar, toutes catégories confondues. Juste revanche pour une comédienne qui, en raison de sa couleur de peau, n'avait pas été conviée à la première du film ....... à Atlanta  haut lieu de la résistance "sudiste" pendant la guerre de sécession les mentalités n'avaient pas encore trop changé à l'époque  ! Devant cette éviction, Gable avait menacé de ne pas se rendre à la première, mais la MGM lui a imposé   .On peut également signaler que la dernière phrase de Rhett Butler dans le métrage quand, à la question que lui pose Scarlett "Rhett, que vais-je devenir?" , Gable lui répond "Ma chère, c'est le cadet de mes soucis !" a été classée en 2005 comme la plus grande réplique du cinéma américain   ! Ah bon  ?? On classe beaucoup aux Etats-Unis  !!! 19ème - EVE, de Joseph MANKIEWICZ, oscar 1951 .61 points pour 5 doute le film le plus révélateur sur les rivalités qui doivent exister en coulisse entre les comédiennes et certainement aussi les comédiens pour les premières places et les rôles phares, tant au théâtre qu'au ciné la star ...... "vieillissante" 40 ans , Margo Channing Bette Davis se fait sournoisement supplanter par la jeune pousse aux dents qui rayent le parquet, Eve Harrington Anne Baxter au firmament des projecteurs !Arrivisme et cynisme au programme, pour ce classique vénéneux de Joseph Mankiewicz qui a obtenu 6 oscars ...... seulement pourrait-on dire   puisque sur 14 nominations le record avec "Titanic" et récemment "La La Land". Ironiquement, les deux rivales du film, toutes les deux nominées, repartiront sans statuette au soir de la cérémonie. Mais Bette Davis se consolera avec le prix d'interprétation pour ce même film au festival de Cannes 1951, quand Mankiewicz, déjà auréolé de l'Oscar de la mise en scène, y obtiendra en plus le prix spécial du aussi ironiquement, on voit apparaÃtre dans ce métrage une toute jeune actrice qui va ô combien se faire sa place et bien plus qu' Anne Baxter au rang de super-star Hollywoodienne une certaine Marilyn Monroe   d'où le choix de cette photo. A cet égard, le dénouement du métrage est d'une symbolique particulièrement mordante !Bette Davis a affirmé plus tard qu'elle considérait ce film comme le meilleur et le plus important de sa carrière ! Cela s'est joué à peu, car à l'origine c'est Claudette Colbert qui aurait dû avoir le rôle de Margo Channing, mais son état de santé l'a obligé à y renoncer. Le malheur des uns fait le bonheur des autres dit-on !!20ème - REBECCA, d'Alfred HITCHCOCK, oscar points pour 4 film, adaptation d'un roman de Daphné Du Maurier paru en 1938, est le 1er de la carrière américaine du "maÃtre du suspense". Mais le grand "Hitch", quittant une Europe en guerre, n'a accepté cette réalisation de commande que pour intégrer le microcosme Hollywoodien. Il a d'ailleurs dit lui-même, à posteriori, que "Rebecca" n'était pas un film d'Hitchcock, mais un conte du 19ème siècle assez démodé qui manquait d'humour ! Malgré 11 nominations, il n'a obtenu que 2 oscars, dont un technique la photographie dont, il faut bien l'admettre, personne en dehors des professionnels ne retient les noms. Mais sa victoire dans la catégorie meilleur film lui vaut d'être présent dans ce top, alors que de bien meilleurs Hitchcock n'ont pas eu la chance de gagner la statuette tant convoitée malgré des "Inconnu du Nord-express", "Psychose" et autres "Fenêtre sur cour" ou "Vertigo", il n'en gagnera jamais un autre  .Le métrage a été produit, comme "Autant en emporte le vent", par David O' Selznick, qui avait donc bien le vent en poupe à cette période-là ! Il est amusant de constater, par rapport au film de Victor Fleming, que c'est le compagnon de Vivien Leigh, Lawrence Olivier, qui tient ici le rôle principal, et que c'est la soeur de Olivia De Havilland Mélanie Hamilton dans "Gone with the wind", Joan Fontaine, qui incarne le 1er rôle féminin. Hollywood est une grande famille  , même si les protagonistes se tirent souvent dans les pattes  ! On a pu lire  je ne sais plus dans quelle revue de cinéma, j'en ai lu tellement qu'Olivia de Havilland n'avait pas trop apprécié que sa soeur accepte le rôle auprès de Lawrence Olivier ......  celui qui avait donc présenté Vivien Leigh à Selznick, lui faisant ainsi perdre sur le fil le personnage de Scarlett O' Hara qu'elle croyait tenir dans sa main . Les deux soeurs - secret de polichinelle - ne s'aimaient déjà pas beaucoup, et cela n'a pas dû arranger les choses  !!Néanmoins, le film reste plaisant, et la tension qui s'installe entre les personnages, orchestrée par la gouvernante Mrs Danvers Judith Anderson, obstinément fidèle à la mémoire de l'ancienne Mrs De Winter, et n'acceptant pas la nouvelle épouse du maÃtre des lieux des analystes en ont déduit, et chacun, sans l'avis d'experts, aurait pu facilement le penser  rien qu'en voyant la scène où Mrs Danvers caresse des vêtements de la défunte Rebecca, qu'il y aurait probablement eu des relations saphiques entre ces dames, revêt malgré tout, quoi que Sir Alfred ait pu en dire, une certaine angoisse propre à la réputation du metteur en scène .Suite du classement, sans photos ni commentaires 21ème AMADEUS de Milos FORMAN , oscar 1985 , 51 points pour 6 citations .22ème AMERICAN BEAUTY de Sam MENDES , oscar 2000 , 50 points pour 6 citations .23ème LE PONT DE LA RIVIERE KWAÏ de David LEAN , oscar 1958 , 50 points pour 5 citations .24ème FORREST GUMP de Robert ZEMECKIS , oscar 1995 , 49 points pour 9 citations .25ème L'ARNAQUE, de Georges Roy HILL , oscar 1974 , 47 points pour 4 citations .26ème NO COUNTRY FOR OLD MEN de J. et E. COEN, oscar 2008 , 45 points pour 4 citations .27ème LA GARÇONNIERE de Billy WILDER , oscar 1961 , 44 points pour 3 citations .28ème COLLISION de Paul HAGGIS , oscar 2006, 42 points pour 4 citations .29ème GANDHI de Richard ATTENBOROUGH , oscar 1983 , 38 points pour 3 citations .30ème MY FAIR LADY de Georges CUKOR , oscar 1965 , 36 points pour 3 citations .31ème NEW-YORK  MIAMI de Frank CAPRA , oscar 1935 , 35 points pour 3 citations .32ème THE ARTIST de Michel HAZANAVICIUS , oscar 2012 , 34 points pour 6 citations .33ème QU'ELLE ETAIT VERTE MA VALLEE de John FORD , oscar 1942 , 34 points pour 4 citations .33ème LES REVOLTES DU BOUNTY de Franck LLOYD , oscar 1936 , 34 points pour 4 citations .35ème BIRDMAN d'Alejandro Gonzalez IÃARRITTU , oscar 2015 , 33 points pour 2 citations .36ème DEMINEURS de Kathryn BIGELOW , oscar 2010 , 31 points pour 4 citations .37ème SLUMDOG MILLIONNAIRE de Danny BOYLE , oscar 2009 , 30 points pour 4 citations .38ème FRENCH CONNECTION de William FRIEDKIN , oscar 1972 , 29 points pour 6 citations .39ème MILLION DOLLAR BABY de Clint EASTWOOD , oscar 2005 , 27 points pour 3 citations .39ème SPOTLIGHT de Tom MacCARTHY , oscar 2016 , 27 points pour 3 citations .41ème DANS LA CHALEUR DE LA NUIT de N. JEWISON , oscar 1968 , 25 points pour 2 ROCKY de John G. AVILDSEN , oscar 1977 , 22 points pour 4 citations .43ème UN AMERICAIN A PARIS de Vincente MINELLI , oscar 1952 , 22 points pour 2 citations .44ème RAIN MAN de Barry LEVINSON , oscar 1989 , 19 points pour 2 citations .45ème MACADAM COW-BOY de John SCHLESINGER , oscar 1970 , 18 points pour 2 citations .46ème ANNIE HALL de Woody ALLEN , oscar 1978 , 15 points pour 2 citations .47ème TANT QU'IL Y AURA DES HOMMES de F. ZINNEMANN, oscar 1954, 15 points pour 1 LE DERNIER EMPEREUR de Bernardo BERTOLUCCI , oscar 1988 , 14 points pour 3 citations .49ème ARGO de Ben AFFLECK , oscar 2013 , 14 points pour 2 citations .50ème LE PATIENT ANGLAIS d'Anthony MINGHELLA , oscar 1997 , 13 points pour 1 citation .51ème LE POISON de Billy WILDER , oscar 1946 , 12 points pour 2 citations .52ème LES INFILTRES de Martin SCORSESE , oscar 2007 , 11 points pour 1 citation .53ème SOUS LE PLUS GRAND CHAPITEAU DU MONDE de C. B DeMILLE, oscar 1953, 10 pts pour 1 citation .54ème LA MELODIE DU BONHEUR de Robert WISE , oscar 1966 , 9 points pour 1 citation .55ème OUT OF AFRICA de Sydney POLLACK , oscar 1986 , 8 points pour 1 citation .56ème LES CHARIOTS DE FEU de Hugh HUDSON , oscar 1982 , 7 points pour 1 citation .57ème MISS DAISY ET SON CHAUFFEUR de B. BERESFORD , oscar 1990 , 5 points pour 1 PATTON de Franklin SCHAFFNER , oscar 1971 , 4 points pour 1 citation .59ème 12 YEARS A SLAVE de Steve McQUEEN , oscar 2014 , 3 points pour 2 citations .59ème UN HOMME D'EXCEPTION de Ron HOWARD , oscar 2002 , 3 points pour 2 citations .61ème SHAKESPEARE IN LOVE de John MADDEN , oscar 1999 , 3 points pour 1 citation .62ème GIGI de Vincente MINELLI , oscar 1959 , 2 points pour 1 citation .63ème CHICAGO de Rob MARSHALL , oscar 2003 , 1 point pour 1 citation .63ème LE TOUR DU MONDE EN 80 JOURS de M. ANDERSON, oscar 1957, 1 point pour 1 ! Quand je trouverai le temps, je vous proposerai le top des Césars du cinéma Français, mais vu le caractère nettement plus récent des césars par rapport aux oscars, je pense qu'il faudra se cantonner à un top 10. Merci à vous d'avoir eu la patience de lire tout çà pour ceux qui auront eu le courage d'aller au bout  .}

1997: Blockbuster Entertainment Awards de l'acteur préféré dans un drame fantastique pour Phénomène (1996). BAFTA Los Angeles 1998 : Lauréat du Prix Britannia du meilleur acteur. Festival international du film de Chicago 1998 : Lauréat du Prix pour l'ensemble de sa carrière.

Sonakshi Sinha Hauteur, bio, âge, poids, famille, petits amis, valeur nette, mari, films et plus Sonakshi Sinha Âge 33 ans Sonakshi Sinha Age, Biographie & Wiki Sonakshi Sinha Info familiale &ÉducationCarrièreSonakshi Sinha Husband, Boyfriends / Dating HistorySonakshi Sinha Net WorthListe des films de Sonakshi SinhaListe des récompenses Sonakshi Sinha Âge 33 ans Sonakshi Sinha Age, Biographie & Wiki Sonakshi Sinha est une célèbre et belle actrice de cinéma indienne. Elle est l’un des enfants vedettes de l’acteur vétéran de Bollywood et fonctionnaire du gouvernement Shatrughan Sinha. Elle est l’une des mieux payées de l’industrie de Bollywood. Son surnom est Sona. De plus, elle est née à Patna, Bihar, en Inde, le 2 juin 1987. Elle est actuellement âgée de 33 ans. Sinha a fait ses débuts dans la carrière d’actrice dans le film Dabangg 2010, qui lui a valu le Filmfare Award du meilleur début féminin. Voir plus Sonakshi Sinha Hauteur, âge, biographie & Wiki ci-dessous. Sonakshi Sinha Info familiale &Éducation Sinha est née dans une famille Bihari Kayastha de son côté paternel et Sindhi de sa maman. Son père, Shatrughan Sinha et sa mère Poonam Sinha sont des actrices à l’écran dans le cinéma hindi. Son père était une personnalité politique du Bharatiya Janata Party et a rejoint le Congrès national indien en 2019. Elle est la plus jeune de trois enfants, ses deux frères et sœurs aînés, Luv Sinha et Kush Sinha sont des jumeaux. Elle a fait sa scolarité à Arya Vidya Mandir et a ensuite obtenu un diplôme en planification de style de Premlila Vithaldas Polytechnic de Shreemati Nathibai Damodar Thackersey Women’s University. Carrière Sinha a commencé sa carrière en tant que créatrice de custode, structurant les tenues de films, par exemple, Mera Dil Leke Dekho en 2005. Elle a fait ses débuts d’actrice dans le film Dabangg, dans lequel elle jouait l’inverse de Salman Khan. Ce film est devenu le film le plus rentable de l’année 2010 et s’est finalement imposé comme un blockbuster record. Sinha a eu quatre sorties en 2012, la première étant Rowdy Rathore de Prabhu Deva, avec Akshay Kumar. Le film a ouvert aux enquêtes mélangées des experts, malgré le fait qu’il a eu une ouverture solide dans le monde du cinéma, rassemblant environ 150,6 millions 2,2 millions de dollars US le premier jour et à la fin s’est transformé en un blockbuster. Son troisième film, Ashwni Dhir’s Son of Sardar, inverse Ajay Devgn, a été inefficacement reçu par les critiques, cependant démontré pour être une réussite économique. En 2015, elle apparaît dans le changement d’Okkadu de Boney Kapoor, intitulé Tevar, à l’inverse d’Arjun Kapoor. Elle semble substance apparaissant pour quelques numéros de mouvement, et gardant un œil sur un homme pour l’épargner. » Tevar n’a pas répondu aux attentes du monde cinématographique et a probablement été le plus grand échec de l’année. En 2018, on l’a retrouvée dans le film de farce satirique Welcome to New York, avec un casting de tenue comprenant Diljit Dosanjh, Karan Johar, et d’autres. Le film a été tourné lors des IIFA Awards 2017 et a été le principal film à être fondé sur une apparition d’honneur. En 2019, elle a joué dans une mélodie Mungda » dans le film satirique Total Dhamaal. Elle a ensuite figuré dans le film de sentiment d’époque Kalank avec un casting de tenue comprenant Aditya Roy Kapur, Sanjay Dutt, Madhuri Dixit, Alia Bhatt et Varun Dhawan. Le film a négligé de réaliser de bonnes performances industrielles. Elle s’affiche à côté d’Ajay Devgn, Sanjay Dutt et Parineeti Chopra dans le film de dramatisation de guerre Bhuj The Pride of India. A partir de là, elle répétera son rôle dans Dabangg 3 à l’inverse de Salman Khan, qui sera coordonné par Prabhu Deva. Sonakshi Sinha Husband, Boyfriends / Dating History Préalablement, elle était impliquée avec Aditya Shroff, cependant pour des raisons obscures, elle lui a fait un adieu définitif. Sajdeh était en outre son amoureux qu’on peut voir s’amuser avec lui. Lorsque son nom a été connecté pour être déversé MMS, qui avait circulé sur le web sur Whatsapp. Quoi qu’il en soit, il a été démontré qu’il s’agissait d’une vidéo bidon. Son plat préféré est le curry de poisson de Goan. Sonakshi est une fanatique de Hritik Roshan, Russel Peters et Rani Mukerji. Son réalisateur préféré est Sanjay Leele Bansali. Elle aime également la conduite submergée. Sonakshi Sinha Net Worth La valeur nette de Sonakshi Sinha est estimée à 10 millions de dollars selon Celebrity Net Worth. Elle est également une actrice talentueuse. Liste des films de Sonakshi Sinha . Dabangg 2010 Rowdy Rathore 2012 Joker 2012 Son of Sardaar 2012 Dabangg 2 2012 Himmatwala 2013 Lootera 2013 Boss 2013 Bullet Raja 2013 Action Jackson 2014 Lingaa 2014 Tevar 2015 Tout va bien 2015 Akira 2016 Force 2 2016 Noor 2017 Welcome to New York 2018 Total Dhamaal 2019 Kalank 2019 Khandaani Shafakhana 2019 Mission Mangal 2019 Laal Kaptaan 2019 TBA Dabangg 3 2019 TBA The Pride of India 2020 Liste des récompenses Annual Central European Bollywood Awards Aspara Film & Television Producers Guild Awards Filmfare Awards International Indian Film Academy Awards Lions Gold Awards . Star Screen Awards Stardust Awards Zee Cine Awards FICCI Frames Excellence Awards Aaj Tak Awards ETC Business Awards Big Star Entertainment Awards .

JohnnyDepp est un acteur, réalisateur, guitariste, scénariste et producteur de cinéma américain, né le 9 juin 1963 à Owensboro dans le Kentucky. Il devient célèbre dans les années 1980 avec son rôle dans la série télévisée 21 Jump Street que lui offre

Janet JacksonUn article de Wikipédia, l'encyclopédie à Navigation, RechercherPour les articles homonymes, voir Jackson. Janet Jackson Janet Jackson lors d'une conférence de presse en 2006. - Nom Janet Damita Jo Jackson Naissance 16 mai 1966 42 ansGary, Indiana, États-Unis Pays d'origine États-Unis Professions Chanteuse Genres Black Pop Années actives 1973 - présent Labels Island 2007–présentVirgin 1991–2006A&M 1982–1990 Site internet Janet Damita Jo Jackson née le 16 mai 1966 à Gary dans l'Indiana, près de Chicago est une chanteuse de R&B [masquer]1 Biographie 2 Son style musical 3 Discographie Albums Compilations 4 Janet et le Billboard Hot 100 5 Tournées 6 Filmographie Films Séries TV 7 Références 8 Liens externes Biographie [modifier]Janet Jackson est la plus jeune fille de la famille Jackson. Petite, elle rêvait d'être jockey, mais chez les Jackson, tout le monde est musicien. À 7 ans, elle se retrouve sur scène pour la première fois avec ses frères, les Jackson 5 », qui donnent un concert à Las Vegas. Le public est envouté par le charisme de la cadette du clan se lance dans la comédie et apparaît dans plusieurs sitcoms », dont Arnold et Willy Different Strokes, Good Times et Fame, mais son père préfère qu'elle fasse une carrière musicale plutôt qu'une carrière d' deux premiers disques ne connaissent qu'un succès d'estime Janet Jackson et Dreamstreet. Côté vie privée, elle se marie avec James Debarge alors qu'elle n'a que 18 ans, mariage qui ne durera que six en 1986 qu'elle obtient un succès mondial avec l'album Control, produit par John McClain, mais surtout par le tandem Jimmy Jam et Terry Lewis, d'anciens musiciens de Prince, reconvertis producteurs. Le son de l'album est ainsi volontairement orienté Minneapolis Sound », le courant musical le plus en vogue à l'époque et caractéristique des hits Nasty et What Have You Done For Me Lately?. Dès lors, Janet se démarquera de ses cons½urs par ses chorégraphies impressionnantes, son sens du détail irréprochable et un son révolutionnaire. Elle reste cependant dans l'ombre de Madonna et de Whitney Houston qui vendent plus de disques qu'elle. Cependant, Janet va s'exiler pendant deux ans et préparer un album qui fera pâlir de jalousie ses concurrentes successeur, le groovesque » Janet Jackson's Rhythm Nation 1814, est publié en 1989 et conserve la même équipe de producteurs. L'album évoque le racisme, les problèmes de la rue et les difficultés sociales. L'album intrigue de par son titre et son contenu très sombre, aux antipodes des albums de l'époque. Les singles se vendent comme des petits pains, squattent les charts américains sept chansons de l'album atteignent entre 1989 et 1991 le top 5 du fameux Billboard Hot 100 dont quatre atteignent la 1re place, un record que Madonna n'a jamais réussi à dépasser et sa tournée triomphale la propulse au rang de star internationale, statut qu'elle ne quittera plus. En 1990, elle devient la plus grande vendeuse de disques de l'année et récolte une quantité impressionnante de prix, dont 14 Billboard Music Awards » et plusieurs American Music Awards, MTV VMA Awards et même un Grammy Award dans la catégorie Best Long Form Video ». Par ailleurs, elle reçoit au même moment son étoile sur Hollywood Boulevard. Mais plus important, avec son album, elle devient un modèle pour de nombreux jeunes tant son engagement pour la cause des enfants défavorisés ou en prise avec la drogue est important. Et malgré des propos peu commerciaux, elle réussit à vendre plus de disques que Madonna et Paula Abdul, ses deux plus grandes rivales d' 1991, elle rejoint l'écurie Virgin. Richard Branson étant fermement décidé à revitaliser l'image de Virgin Records America commet l'impensable il signe avec Janet un contrat record de 30 millions de dollars pour l'enregistrement d'un seul album studio. Elle touche ainsi par album plus que Madonna ou son propre frère. L'album en question sera sobrement baptisé Janet. Sorti en mai 1993, elle délaisse son look de garçon manqué et militaire, et se réinvente une image glamour et très sensuelle, preuve en est la célèbre couverture du Rolling Stone Magazine, où elle apparaît simplement vêtue d'une paire de jeans et d'une paire de mains masculines recouvrant ses seins. Elle déstabilise ses fans de la première heure, mais cela s'avère payant Janet explose les ventes avec 15 millions de copies dont 7 uniquement aux États-Unis. Aux États-Unis, l'album se vend à plus de 350 000 exemplaires la première semaine, et réussi à rester en tête des ventes pendant six semaines, tandis que le single That's the Way Love Goes squatte la 1re place du classement des singles pendant huit semaines et remporte un Grammy Award » dans la catégorie "Best R&B Song". Les autres singles qui suivront connaitront tous un succès mondial. Côté vie privée, elle se fait très discrète en épousant dans le plus grand secret René Elizondo. Ce mariage ne deviendra notoire qu'en 1999, au moment ou René demandera le sommet de son art, Janet sortira par ailleurs l'intégrale de ses vidéos entre 1986 et 1996 dans un DVD et un CD intitulé Design of a Decade, compilation qui atteint la 3e place du Billboard Hot 200 aux 1995, juste après la fin de sa célèbre tournée mondiale Janet World Tour »', elle enregistre avec son frère Michael un single intitulé Scream. Le clip vidéo issu de ce duo devient très médiatisé, et pour cause coûtant la bagatelle de 7 millions de dollars, il devient à l'époque le clip musical le plus cher de l'histoire. La vidéo est tournée en noir et blanc, et sa réalisation sera confiée à Mark Romanek, avec qui Janet va de nouveau collaborer en 1997 pour son clip Got' Till It's Gone. Le clip fait sensation, Janet y apparaît avec un look aux antipodes de son image glamour elle a les cheveux courts, une attitude trash et un sex appeal sauvage. La collaboration reçoit de nombreux prix, notamment celui de Best Dance Video » aux MTV VMA Awards de 1995 et celui de Best Short Form Video » aux Grammy Awards de Jackson signe pour un nouveau contrat, toujours chez Virgin, un contrat multi-média de 100 millions de 1997 voit la sortie de l'opus The Velvet Rope. L'image de Janet et le contenu de l'album dérangent en effet, celui-ci est le fruit d'une longue dépression que la chanteuse confesse avoir traversé suite à sa précédente tournée. Sa dépression a pour origine son grand sentiment de solitude et le grand manque d'estime dont elle dit avoir beaucoup souffert pendant son enfance d'actrice de série télé. Côté look, elle scandalise le bébé » de l'Amérique se perce le nez et les seins, elle arbore différents tatouages, et adopte une coupe de cheveux africaine. Néanmoins, la critique se pâme devant la maturité des textes et des compositions. L'album est un énorme succès au Japon et en Europe, tandis que l'Amérique pudibonde se montre réticente face à l'album. Heureusement la tournée The Velvet Rope Tour » est un grand succès aux États-Unis et permet à l'album de se vendre à 3 millions d'exemplaires aux États-Unis. La tournée terminée, elle entame une série de collaborations avec Elton John, Blackstreet et Busta Rhymes, avant de retourner sur les plateaux de cinéma pour le film Professeur Foldingue, grand succès 2001, Janet sort le très dansant All for You. Moins inventif et abouti que son prédécesseur, il rencontre néanmoins un beau succès, notamment grâce aux hits All for You récompensé par un Grammy Awards en 2002, Doesn't Really Matter' la du film La famille Foldingue qui a été 1 aux États-Unis, Someone to Call My Lover et Son of a Gun. La première semaine de sa sortie, l'album se vend à plus de 600 000 exemplaires rien qu'aux États-Unis, soit autant que les ventes de la première semaine de ses albums Janet et The Velvet Rope réunies. Côté single, All for You reste en tête du classement des singles américain et devient le 10e 1 de Janet aux États-Unis Hot 100 pendant sept semaines consécutives, au détriment de Survivor, le single très populaire des Destiny's Child qui se voit ainsi privé de la première position. L'album est un succès homérique au Japon, puisque 2 millions d'exemplaires s'y trois ans d'absence, elle crée un scandale aux États-Unis le 1er février 2004 lorsqu'elle dévoile un sein avec Justin Timberlake au Super Bowl. Cet évènement a pour conséquence le sabordage pur et simple de la promotion de son huitième opus, Damita Jo. En effet les radios américaines et MTV refusent purement et simplement de diffuser ses chansons. Au niveau international, l'album ne génèrera pas de grandes ventes. La faute à un album trop commercial, et une promotion fait la couverture du magazine US Weekly en juin 2006. Cette édition, dans laquelle Janet parle de son régime, devient la plus vendue aux 26 septembre 2006, elle sort son neuvième album, 20 avec comme premier extrait Call On Me qui connaît un succès véritable aux États-Unis en devenant numéro 1 des classements "R&B Soul Sale" et "R&B Air Play" et aussi 1 "Singles Sales". Il reste en place un an dans ce dernier, mais il ne réussira pas à avoir la première place du classement général et ainsi devenir le très attendu par les fans 11e single 1 du Billboard général aux États-Unis de Janet. Plus d'un an après la sortie du single il rentre à nouveau dans les deux classements en novembre 2007. Produit par Jermaine Dupri, le compagnon de la chanteuse, l'album peine à se vendre aux États-Unis et dans le monde. Échaudé par cet échec commercial, Dupri annonce son départ de chez Virgin. Il sous-entend que la major aurait volontairement plombé la promotion du disque. Le deuxième single, So Excited, n'a quant à lui, eu aucun gros succès dans les charts pop aux troisième single sortira, avant que Janet lâche la promo de l'album moins de six mois après la sortie mondiale, ainsi elle abandonne aussi les répétitions pour une tournée mondiale, au profit du tournage d'un film en mars 2007 futur 1 du box-office. En mai 2007, on apprend qu'elle retourne en studio et en juin 2007 le divorce avec Virgin Records est financièrement tout va bien pour la chanteuse, puisqu'en 2007, elle est classée 7e femme la plus riche de l'industrie du divertissement par le magazine Forbes, avec une fortune de 150 millions de de l'année 2007, elle accepte un rôle dans un film écrit et produit par Tyler Perry, Why Did I Get Married ?. Elle tient le rôle d'une écrivain aux côtés de Tyler Perry et de Jill Scott. Le film sort aux États-Unis le 12 octobre 2007. Et malgré la concurrence avec les sorties des films de Cate Blanchett et de George Clooney, le film se place dès la première semaine en tête du box-office américain en générant 21,5 millions de dollars. Le film est un énorme succès aux États-Unis et totalise plus de 60 millions de dollars aux États-Unis. Il sort en DVD le 12 février 2008, un DVD qui dans les bonus offre un + du nom de "Janet Return of Icon".Son nouvel album Discipline, le premier avec son nouveau label Island et Def Jam, sera produit par LA Reid et sortira le 26 février 2008 le 20 au Japon avec deux bonus. Lancé par le single Feedback dont la sortie sur tous les formats de radios est sorti le 7 janvier 2008 aux États-Unis, mais déjà classé le 21 décembre 2007 dans le Bilboard Air Play et entre directement à la 45e place et ça avant même la sortie officielle, est un très grand succès et se place premier au classement du BillBoard. Son album et son single feedback se vendent bien à travers le monde. La France semble faire la tête à Janet car ses deux nouveaux disque sont des flopes source valentino buteau. Son nouveau single Rock with U commence à tourner sur les chaînes musicales internationales. Une tournée mondiale, sa première depuis 2001, devrait également voir le ailleurs, Janet est en pleine écriture d'un livre qui relate ses récurrents problèmes de poids. Aucune date de sortie n'a cependant encore été communiquée. Son style musical [modifier]Son style musical se définit entre R&B, Pop, Soul et Rhythm and blues. Elle commence sa carrière avec des albums qui mélangent Soul, Disco, Rhythm'n'Blues, Funk et Pop. Puis elle décide de donner à ses chansons un style plus Urbain en utilisant le New jack swing et le Hip-hop tout en gardant le Rhythm'n'Blues, la Soul et la Pop. À l'arrivé du R&B elle abandonne définitivement le Rhythm'n'Blues pour adopter ce nouveau genre musical. Aujourd'hui on définit Janet comme une chanteuse de R&B/Pop. Son nouvel album est un peu plus Pop que R&B. Discographie [modifier] Albums [modifier]1982 Janet Jackson no 63 États-Unis, no 45 Royaume-Uni. 1 000 000 d'albums vendus 1984 Dream Street album no 147 États-Unis 1986 Control no 1 2 semaines États-Unis, no 8 Royaume-Uni. 16 000 000 d'albums vendus 1989 Rhythm Nation 1814 no 1 4 semaines États-Unis, no 4 Royaume-Uni. 16 000 000 d'albums vendus 1993 janet. no 1 6 semaines États-Unis, no 1 Royaume-Uni, no 23 France deux entrées entre 1993 et 1995 20 000 000 d'albums vendus 1997 The Velvet Rope no 1 1 semaine États-Unis, no 2 France deux entrées dont la première directement N°5, no 6 Royaume-Uni 2001 All For You no 1 1 semaine États-Unis, no 2 Royaume-Uni, no 2 France directement N°2 2004 Damita Jo no 2 États-Unis, no 32 Royaume-Uni, no 35 France 2006 20 no 2 États-Unis, no 32 France,no 63 Royaume-Uni 2008 Discipline no 1 États-Unis, no 43 France,no 63 Royaume-Uni Compilations [modifier]1987 Control Remixed 1995 Sorti uniquement en Europe 1996 Design of a Decade 1986 / 1996 3 US, 11 France, 2 UK Le total des ventes d'albums dans le monde est de plus de 100 millions au 15 décembre 2007 [1]. En France les ventes de Janet sont officiellement de 2 900 000 exemplaires, dont 1 550 000 singles et environ 1 350 000 albums fin 2007. Janet et le Billboard Hot 100 [modifier]Janet a réussi à imposer son prénom dans le fameux Billboard Hot 100. Quand un artiste classe un single 1 dans le Hot 100, il est le 1 tout genre 1982 au 31 décembre 2007, 38 singles de Janet sont entrés dans le Hot singles sur les 38 ont été dans le top10, et sur les 29 top10, 25 ont été aussi dans le aussi 10 ont été numéro a été un total de 32 semaines à la première place du Hot est l'unique artiste toute catégorie confondue à avoir classé sur un même album Rhythm Nation 1814 7 singles dans le top5, dont 4 numéro 1 elle avait avec Control eu 5 top5.Janet a eu 18 singles à la suite, entre 1989 et 1998, qui sont entrés dans le top10 elle a ainsi battu le record précédent détenu par a été la première artiste féminine à battre le record d'Aretha Franklin du plus grand nombre de singles d'or aux États-Unis pour une femme, avec You Want This en 1995, 15e singles d'or de Janet. Elle compte à cette date, 22 singles d'or dont 6 ont été aussi la date du 10 janvier 2008 Janet obtient son 39e single dans le HOT 100 États-Unis, le single est sorti officiellement sur les RADIOS US 3 jours avant le 07/01/2008!!! avec "Feedback". Tournées [modifier]Rhythm Nation Tour 1990/1991 Janet Tour 1993/1995 Velvet Rope Tour 1998/1999 All For You Tour 2001/2002 Annulations des concerts en Europe suite aux attentats du 11 Septembre[réf. nécessaire]. Rock With U Tour 2008/2009 lancement le 10 septembre 2008 à Vancouver Canada Filmographie [modifier] Films [modifier]1994 Poetic Justice de John Singleton avec Tupac Shakur 2000 La Famille Foldingue de Peter Segal avec Eddie Murphy 2007 Why Did I Get Married ? de Tyler Perry avec Tyler Perry Séries TV [modifier]1980 - 1983 Arnold et Willy 1984 - 1985 Fame

Ilest également un succès commercial, puisqu'il rapporte 315 156 409 $ pour un investissement de 85 000 000 $. Pour son rôle, Gary Oldman est nommé pour le Blockbuster Entertainment Award du meilleur acteur dans un rôle secondaire, ainsi que pour les MTV Movie Awards du meilleur méchant et du meilleur combat (partagé avec Harrison Ford).

Culture Publié 18 Septembre 2020 Mis à jour 18 Septembre 2020 Scène du film sud-coréen "Alive" de Cho Il-hyung raconte l'histoire de d'un homme et d'une femme cherchant à survivre alors qu'une maladie mystérieuse se propage à Séoul. Source Nerdist Passé le sevrage forcé en temps de Covid, ce sont les zombies qui attirent de nouveau les Sud-Coréens au cinéma. L’ironie va plus loin en faisant de l’un de ces films, intitulé Alive, le premier essai concluant du retour du public en salle. Avec plus de deux millions de spectateurs masqués, il a ouvert la voie à Peninsula, deuxième film de zombie et suite du désormais célèbre Train to Busan, puis à Deliver Us From Evil, un autre blockbuster dans le genre film noir, cette fois. Ces deux films à gros budgets ont dépassé les 4 millions d’entrées. Sans atteindre les sommets jack-pot coréen des 10 millions, ils sont considérés comme des succès par l’industrie locale et comme des miracles au regard du contexte international de pandémie et de fermetures de salles. Comment la reprise a-t-elle été possible ? Grâce à la combinaison d’au moins deux facteurs l’affaiblissement de la contagion et le choix d’un film de genre précis, coréanisé » et reflétant les peurs du moment. Car l’industrie du film locale revient de loin. On attendait une vague déferlante du cinéma sud-coréen après la palme d’or de Cannes pour Parasite de Bong Joon-ho et ses Oscars obtenus à la veille de la pandémie. Cette dernière a nettement refroidie les attentes. Même sur le sol sud-coréen, les salles ont d’abord été limitées à 50 % de leurs sièges pour permettre de séparer les spectateurs. Puis, les distributeurs ont préféré différer les sorties de blockbusters, laissant la place aux super-héros hollywoodiens. Enfin, c’est presque la quasi-totalité des films qui a été différée, remplacés par des ressorties de succès souvent hollywoodiens ou à quelques films indépendants sud-coréens, heureux d’avoir enfin des écrans grâce à la pandémie, mais dans des salles vides. Fin avril, le cinéma avait perdu plus de 70 % de ses spectateurs. Des zombies calculés Fin mai, la situation, qui n’a relativement jamais été très grave un maximum de 400 nouveaux cas par jour et une stabilisation autour des 100 cas, s’améliore encore avec la localisation précise d’une poignée de foyers d’infection – notamment autour de communauté religieuses, militaires ou de commerces. Les films s’accumulent sur les listes d’attente des distributeurs, parfois sans même avoir une date de sortie en vue ; et s’ils en ont, elle est reportée au jour le jour. Ce qui est facilité par l’étroite collaboration entre les deux gros distributeurs CJ et Lotte et les trois grosses chaînes de salles CGV, Lotte et Megabox. C’est à qui prendra le risque de sortir un film dans ces conditions de rentabilité quasiment nulle. L’exploit de Alive est de jouer sur un genre zombiesque qui semble parfaitement approprié à l’époque, sur le thème du virus et en visant un public-cible jeune, peu affecté par l’épidémie. À cela s’ajoute qu’il est produit par Spackman Entertainment, une compagnie aux ramifications internationales Zip Cinema en Corée du Sud, Perspectives Pictures aux États-Unis, etc., qui pense d’emblée à de multiples marchés pour ses productions. Ainsi, le film a été co-écrit par le Sud-Coréen Cho Il-hyeong aussi réalisateur et qui a tourné là son premier film après des études à l’American Film Institute et le scénariste américain Matt Naylor. Fait important, ce dernier avait déjà écrit un film de zombie intitulé Alone et déjà tourné aux États-Unis avec l’acteur Donald Sutherland. Mais le film n’est toujours par sorti en salles. Alive est donc une seconde version adaptée pour le marché sud-coréen. L’argument de l’adaptation d’un drame autour de zombies coréanisés a été mis en avant lors de la courte période de promotion du film par Lotte, son distributeur. S’il ne s’agit pas d’un film à gros budget, il marque pour la deuxième fois l’introduction d’une star sud-coréenne, Yoo Ah-in connu en France pour Burning de Lee Chang-dong dans un film de zombies. La première était Train to Busan avec la star Gong Yoo. Alive également la nouvelle stratégie du rouleau compresseur » anti-virus mise en place par les distributeurs 1 882 écrans sont réservés au film, c’est-à-dire près du tiers des écrans du pays – en contradiction avec les récentes polémiques locales contre les monopoles. La voie étant ouverte, deux mois plus tard, Peninsula de l’autre distributeur, CJ, aura 2 575 écrans. Lors de la sortie le 24 juin, sans tambours ni trompettes la décision et les délais de sortie étant trop courts pour une promotion normale, les principaux complexes de salles semblent dédiés à ce seul film. S’il est une sorte de poisson-pilote pour une industrie qui expérimente une stratégie anti-libérale en temps de crise, Alive sans ses qualités propres aurait pu échouer – comme ce sera le cas le mois suivant avec le blockbuster d’espionnage aux relents néo-nationalistes Steel Rain 2 1 781 écrans, 170 0000 spectateurs seulement ». Un ancrage local critique réussi Les co-scénaristes ont conservé la trame originelle du film américain Alone, mais ont transposé, au plus près, les détails de l’intrigue pour coréaniser les enjeux, les peurs et les situations des personnages. Ainsi, le personnage interprété par Yoo Ah-in est le modèle des otaku coréens actuels, absorbés à longueur de journée dans leurs écrans d’ordinateur et de téléphone portable. Ils jouent ou suivent quantité de fictions qui les rendent presque insensibles au monde réel extérieur. Ce renfermement, qui est une sorte de fuite en avant dans les mondes virtuels, rappelle le film français La Nuit a dévoré le monde 2018, Dominique Rocher et son personnage parisien satisfait de sa vie casanière et solitaire. De son côté, le héros sud-coréen ne s’aperçoit même pas qu’un virus a transformé la population en zombies dangereux. Il se répète sans cesse les conseils de précaution de ses parents dont il a du mal à saisir la réalité car il en est lui-même très loin. L’ancrage dans le quotidien des adolescents et jeunes hommes sud-coréens est clair mais se ressent de l’adaptation à partir du cocooning » à l’américaine. Car, en Corée du Sud, les jeunes vont plutôt passer leur temps dans les salles nommées PC Bang » et ouvertes 24 heures sur 24. Le second personnage du film ,l’actrice Park Shin-hye, l’héroïne – elle survit seule à la zombification dans l’immeuble d’en face – est aussi coréanisée dans le sens où elle incarne une vision fantasmée de la Sud-Coréenne moderne. Dans sa personnalité comme dans ses capacités physiques, elle est davantage un modèle futuriste qu’une représentation actuelle. Les deux héros partagent un isolement familial en porte-à-faux avec le contexte coréen. Malgré tout, les scénaristes tentent de rendre cela plausible avec les coupures d’électricité et d’Internet justifiant l’impossible communication avec les parents. Ce faisant, cette rupture n’est pas innocente et résonne dans l’actualité socio-culturelle sud-coréenne une crise de la famille traditionnelle est sous-tendue dans la fuite vers les univers artificiels du numérique et dans la volonté des jeunes femmes d’exister seules hors du clan familial ou marital. L’héroïne se ressent également de la tendance générale actuelle à revaloriser les représentations féminines au cinéma. Elle n’est pas très éloignée des super-héroïnes aux super-pouvoirs des films de Marvel. Les apat' » revisités L’essentiel du concept du film est de mettre en scène les zombies dans un lieu très familier des Sud-Coréens les grands ensembles dits apat' » en Corée du Sud. 100 % de l’action est située dans une cité d’immeubles typique, spécialement construite sous forme de décors pour le film barres de préfabriqués organisés en forme de panoptique qui n’aurait pas dépareillé avec le concept de Michel Foucault. Les bâtiments, grisâtres, uniformes et numérotés militairement, sont organisés avec de multiples vis-à-vis de façon à ce que chacun puisse voir et surveiller ce que font les autres. Cet effet est renforcé par l’usage très rare en Corée du Sud des rideaux épais ou des volets. C’est d’ailleurs à travers le dispositif panoptique que le héros découvre qu’une jeune femme vit en face de chez lui. L’irruption de zombies dans ce contexte ce sont en fait les voisins jouent à la fois comme critique de l’habitat paramilitaire et carcéral largement développé durant les années de dictature et comme critique de la vie quotidienne déshumanisée de ce genre de cités. Le dispositif filmique reprend des références désormais classiques comme le voyeurisme de Fenêtre sur cours de Hitchcock ou encore Someone’s Watching Me de John Carpenter et Body Double de De Palma. Au niveau thématique, il s’agit surtout de suggérer l’enfermement, la solitude, l’isolement et l’auto-réclusion qui menacent derrière les artifices de la communication hyper-réelle et de la surmédiatisation d’à peu près tout en Corée du Sud. Un des aspects les plus coréanisés du film se trouve dans la romance entre les deux survivants. Elle devient rapidement le centre d’intérêt de la mise en scène aux dépens des zombies, peu détaillés, et qui se contentent de représenter l’adversité en général ; une adversité de voisinage qui est aussi sensible dans une Corée du Sud qui a fait de la compétitivité un dogme dès l’école élémentaire en contradiction certaine avec l’ancienne tradition collectiviste et grégaire. Le film résiste à la tentation de la comédie mais pas à celle de glamouriser » ses superstars l’actrice Park Shin-hye, tout en massacrant des zombies, ne perd jamais sa mise en plis ni son maquillage de starlette. De son côté, Yoo multiplie les clins d’œil de connivence avec un public qui lui est acquis d’avance. Alors que l’héroïne est d’abord montrée comme plus capable et inventive que l’homme pour se sortir d’affaire seule ou à deux, la hiérarchie sexiste est rétablie quand c’est l’homme qui va, au final, réussir à les extirper de l’immeuble. Si on peut lire en filigrane que la femme inculque une certaine maturité à l’homme, cela reste dans la tradition qui veut que la femme ait les pieds sur terre, dans le concret de la cuisine et du ménage. Cela n’empêche pas, néanmoins, la mise en jeu de problématiques coréennes sérieusement d’actualité. Reprise et coup d’arrêt momentané Pour son contenu familier et pour avoir été le premier essai d’une nouvelle stratégie de distribution monopoliste, Alive a a donc ramené les Sud-Coréens dans les salles. Le film continue sa carrière sur Netflix avec un succès qui ne se dément pas. Les zombies de Peninsula, longtemps attendus le film était censé continuer Train To Busan et ses 10 millions d’entrées ont confirmé que l’ambiance horrifique et paranoïaque distillée par le genre était le bon choix. Sorti fin juillet sur le nombre record de 2 575 écrans les trois quarts des écrans, il a engrangé près de 4 millions de spectateurs localement et au moins autant dans les 120 pays où il a été pré-vendu. À l’inverse de Alive, il a néanmoins beaucoup déçu, malgré sa surprenante sélection au festival de Cannes. En cause, son peu d’ancrage dans la réalité sud-coréenne – son titre n’aura pas suffi à donner le change. Mais ce n’est pas cela qui a provoqué un nouveau repli de l’audience à la fin du mois d’août. Deliver Us From Evil, un blockbuster avec la star Hwang Jung-min The Spy Gone North, avait par ailleurs réussi à capitaliser sur la reprise quelques semaines plus tôt. Le coup d’arrêt momentané est venu d’un regain des contagions suite à une manifestation anti-gouvernementale massive et menée par des groupes religieux le jour de la Libération, le 15 août. Une sorte de couvre-feu a été instauré à partir de 21h30. Les salles se sont désemplies et les films ont vu leur sortie différée. Le 14 septembre, le gouvernement a annoncé un retour à la normale. Quel film prendra, cette fois, le risque de ramener les spectateurs dans les salles ? Soutenez-nous ! Asialyst est conçu par une équipe composée à 100 % de bénévoles et grâce à un réseau de contributeurs en Asie ou ailleurs, journalistes, experts, universitaires, consultants ou anciens diplomates... Notre seul but partager la connaissance de l'Asie au plus large public. Faire un don A propos de l'auteur Réalisateur, Antoine Coppola enseigne le cinéma comme maître de conférences à l'Université Sungkyunkwan de Séoul. Il a aussi longtemps enseigné les cinémas d'Asie à l'université d'Aix-Marseille tout en étant consultant et délégué pour la Corée à la Semaine Internationale de la Critique du festival de Cannes et au San Sebastian Film Festival 2001-2006. Il a été programmateur au festival de Jeonju Corée du Sud et il collabore encore souvent avec des cinéastes, producteurs ou festivals d'Asie. On vous recommande

JosephGordon-Levitt (/ ˈ d͡ʒ o ʊ s ə f ˈ g ɔ ɹ d ə n ˈ l ɛ v ɪ t / [1]) est un acteur, réalisateur, scénariste, producteur et chanteur américain, né le 17 février 1981 à Los Angeles ().. Biographie Jeunesse et formation. Joseph Gordon-Levitt est le petit-fils du metteur en scène Michael Gordon [2], qui a réalisé Confidences sur l'oreiller et Cyrano de Bergerac.

Blockbuster Entertainment AwardsAwarded forPeoples choice awards for music, film, and video gamesSponsored byBlockbuster LLCLocationLos Angeles, HollywoodCountryUnited StatesPresented byBlockbuster EntertainmentRewardsTrophyFirst awarded1995; 27 years agoLast awarded2001; 21 years agoMost awardsNicolas CageTelevision/radio coverageNetworkCBS 1995 UPN 1996–1998 Fox 1999–2001 Fox RadioProduced byKen Ehrlich The Blockbuster Entertainment Awards was a film awards ceremony, founded by Blockbuster Entertainment, Inc., that ran from 1995 until 2001. They were produced each year by Ken Ehrlich.[1][2] Formation and first awards[edit] The awards were first held on June 3, 1995, at the Pantages Theatre[3] and broadcast on June 6.[4] The idea for the awards show came from Blockbuster marketing executive Brian Woods,[5] who worked on the project for about two years.[6] Blockbuster reportedly saw creating the awards as a way of promoting both the company and also the performers whose records and films were sold in their stores. "We wanted to have entertainers who are truly public favorites, like Arnold Schwarzenegger or Sylvester Stallone or Jean-Claude Van Damme, people who do big box office and big business in home video, but are not in the foreseeable future likely to be nominated for an Academy Award."— Brian Woods[5] CBS signed a contract to screen the awards in late 1994, and Ken Ehrlich was hired to produce the show. Winners were determined by votes cast by customers in Blockbuster stores. The ballot consisted of the year's three top-grossing films, videos, and music albums[5] in 33 categories.[6] Over million votes were cast and approximately 10 million people watched the awards on television. The music and video industry "turned out in full force" for the event, which was hosted by Cindy Crawford and William Baldwin. Celebrities attending included Bill Pullman, George Clooney, Kurt Russell, Steve Martin, Jennifer Tilly, Melanie Griffith, Danny Glover, Alfre Woodard, and David Spade.[4] Jim Carrey, who won three awards, was one of the few winners who thanked voters for his award, stating "I'm thankful for this award, even if you rented my tapes just to show the guy behind the counter that you rent more than porn videos." Eileen Fitzpatrick of Billboard magazine stated that the awards show was "surprisingly entertaining", and applauded Blockbuster for "raising the status of home video". Fitzpatrick questioned the idea of handing out awards for films in both theatrical and video releases, saying it did not make much sense, as almost all films nominated had been out on video for several months. This caused confusion for recipients, many of whom did not understand what award they were getting. Sandra Bullock had just received the award for Best Action / Adventure / Thriller Actress in Video for the film Speed, when she was named the winner for the same film in the theatrical category, and "literally didn't know whether she was coming on or going off the stage."[7] Subsequent awards[edit] The second Blockbuster Entertainment Awards were held on March 6, 1996[8] at the Pantages Theatre.[9] Kelsey Grammer hosted the awards. As Blockbuster was owned by Viacom, who also owned Paramount Pictures, MTV, Big Ticket Television and Worldvision Enterprises, producer Ken Ehrlich stated the awards "bent over backward" to avoid any connections with Paramount, in order to give the awards more credibility. Paramount productions were nominated for only 5 of the 49 nominations, though coverage of the awards switched from CBS to the United Paramount Network.[10] Unlike the first awards, which were taped and aired later, the 2nd awards were aired live.[11] The 3rd Blockbuster Entertainment Awards were held on March 11, 1997 at the Pantages Theatre. Over 11 million votes were cast, which made it the largest publicly voted awards presentation in history at the time.[12] The 4th Annual Blockbuster Entertainment Awards were held on March 10, 1998 at the Pantages Theatre. Once again over 11 million votes were cast. Live performances at the awards included Boyz II Men, Garth Brooks, Mariah Carey and Savage Garden.[9] The 5th Blockbuster Entertainment Awards were held on June 16, 1999[13] at the Shrine Auditorium.[14][15] Approximately million people watched the awards on television.[16] Harry Connick, Jr. described his nomination for Best Actor for the critically panned film Hope Floats as "absolutely insane".[17] The 6th Blockbuster Entertainment Awards were held on May 9, 2000[18] at the Shrine Auditorium, and for the first time presented awards for video games in addition to music and film.[19] Christina Aguilera and the Backstreet Boys both received two awards.[20] The 7th and final Blockbuster Entertainment Awards were held on April 10, 2001 at the Shrine Auditorium.[2] Approximately million people watched the awards on television.[16] Stevie Nicks, Sheryl Crow, Joe, Mystikal, LeAnn Rimes and Ricky Martin performed live at the event.[21] Cancellation[edit] In November 2001, after having run for seven consecutive years, Blockbuster announced they were canceling the awards following concerns after the September 11 attacks, stating "Due to the uncertainty of the times, we can't predict consumer response to our show, nor audience behavior—especially media viewing habits—all of which are being affected by world events."[22][23] Blockbuster stated their decision to cancel the awards was influenced by the fact that the 53rd Primetime Emmy Awards had to be rescheduled twice following security concerns after the September 11 attacks, and that when they did air, their ratings were 22% lower than the previous year.[16] Ratings[edit] References[edit] ^ "Ken Ehrlich". 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